PMX Soundz: vom Studiosimulator zur Top 4 der Tech-House-Charts

Durch die Schaffung einzigartiger Klangerlebnisse hat PMX SoundZ einen "Markenzeichen"-Stil etabliert, der es ihm ermöglicht hat, neben vielen berühmten internationalen Elektronikkünstler*innen in den berühmtesten und exklusivsten Clubs zu spielen. Seine clubtauglichen Produktionen haben ein Publikum auf der ganzen Welt erreicht, mit Veröffentlichungen, die von Green Velvet, Claude VonStroke, Gene Farris, Tocadisco, Joris Delacroix & The Avener, Maxxi Soundsystem und Vazik unterstützt wurden und auf Festivals und Partys wie dem BPM Festival, Awakenings, Rainbow Serpent Festival und Boiler Room gespielt wurden.

Jetzt lebt er in Berlin und entwickelt einen tieferen Zugang zur Musik durch die Zusammenarbeit mit Produzenten und DJs aus der internationalen und Underground-Elektronikszene wie Lutzenkirchen, Daniel Boon, Thomas Lizzara und vielen anderen.... Eine seiner letzten Veröffentlichungen "My Soul" landete auf Platz 4 der Beatport Tech House Charts und wurde vom internationalen DJ Maxxi Soundsystem auf dem berühmten BPM Festival gespielt.

Ich habe 1999 mit 16 Jahren angefangen Musik zu produzieren, nachdem ich bereits auf ersten Raves und Festivals war, und zwar mit diesem Spiel namens Music 2000 auf der Playstation 1 (die alten Hasen da draußen werden sich daran erinnern). In diesem Spiel konnte man mit einer Sample-Bank und Standard-Loops komponieren und seine ersten Songs kreieren, etc. So habe ich meine ersten Songs geschrieben, und im Jahr darauf begann ich, einen ersten Entwurf für ein Album zu machen, das ich natürlich nie veröffentlicht habe, da es sehr begrenzt war. Es folgte der erste Kauf von CDs, Vinyls, Plattenspielern, Mixern und Soundsystemen.

Das erste Hindernis bei der Musikproduktion war natürlich die Hardware. Wir dürfen nicht vergessen, dass wir uns in den 2000er Jahren befanden und die Computer noch nicht das waren, was sie heute sind. Ohne Hardware war es also ziemlich kompliziert, etwas Qualitatives zu schaffen, Computer konnten weniger und Soundkarten kosteten viel. Wer Hardware wollte, brauchte eine Menge Geld, und ich war 18/20 Jahre alt: Es war kompliziert.

Was die Bühne angeht, hatte ich nie wirklich ein Problem, außer mit der menschlichen Seite. Ich habe immer versucht, ehrlich zu mir selbst zu sein, aber ich kann nicht verbergen, dass ich schon immer eine "große Klappe" hatte, was mir anfangs eine Menge Probleme bereitet hat. Aber wenn ich auf die Bühne ging, waren andere Leute nie ein Problem. Ich bin immer auf die Bühne gegangen, um zu gewinnen, um in Erinnerung zu bleiben. Es geht immer um das Publikum, egal ob es um die Inszenierung oder den Auftritt geht. Diese zweiseitige Herangehensweise hat mich immer dazu gebracht, Tracks zu produzieren, die den Dancefloor auf den Kopf stellen sollen, egal welche Emotion/Energie das Publikum hat.

Als ich in Berlin ankam, hatte ich das Glück, sehr schnell von den richtigen Leuten kontaktiert zu werden und einflussreiche Menschen zu treffen. Deshalb bin ich dem berühmten Berliner Kollektiv Ostfunk beigetreten, das damals von Daniel Boon und Oliver Tatsch geleitet wurde. Ich möchte mich an dieser Stelle ganz herzlich bei ihnen bedanken, ich habe ihnen viel zu verdanken.

Ich fand mich sofort in großen Clubs und auf schönen Bühnen wieder, wurde Resident und konnte mir so schnell meinen Platz in Berlin sichern und mit Künstlern zusammenarbeiten, die mich sehr beeinflusst haben, wie Anthony Rother, Westbam, Monika Kruse, Extrawelt, Worakls, Sascha Breamer, Andreas Henneberg, AKA AKA, Superflu, René Bourgeois, Martin Books und der, der einen besonderen Platz in meinem Herzen hat: Thomas Lizzara. Darüber hinaus sind Patrick Topping, Jamie Jones, Green Velvet und Gene Farris eine ständige Quelle der Inspiration für mich.

Das ist eine ziemlich komplexe Frage und eine, auf die es nicht nur eine schnelle Antwort gibt. Es ist nicht die europäische elektronische Musik, die mich beeinflusst hat, es sind eher all die Clubs, in denen ich als DJ oder als Clubgänger war, die meine Produktion mit Klängen, Gerüchen, Lichtern und menschlichen Erfahrungen erheblich beeinflusst haben. Ein Club ist nicht nur ein Ort zum Tanzen, Trinken, Feiern und um Künstler*innen zu sehen. Ein Club besteht aus Wänden, einer Tanzfläche, einem Soundsystem und einer Resonanz, Menschen unterschiedlicher Herkunft und Kultur, Gerüchen, Schweiß, Licht, einem Innen- und einem Außenhof usw. Es ist nicht die elektronische Szene, die mich beeinflusst, es sind die Erlebnisse in den Clubs, die Line-Ups, ein Moment des Lebens, den man mit einem Freund am Tresen einer Bar oder mit einem Fremden auf einer After-Party, usw... Es ist diese verborgene und vergebliche Poesie, die in mir starke Emotionen hervorruft, die in meinem Kopf verankert bleiben und eine Erinnerung, eine Emotion, eine Melodie, einen Rhythmus und somit die Seele eines Stücks hervorrufen. Emotionen leben, wie man will und wie man kann, leben ohne Zugeständnisse: das hat meine Musik beeinflusst.

Weißt du, die Emotion und der Moment des Lebens eines Tribe Hardcore-Sounds aus einem Sound System eines Lost Free im Markstein im Elsass in Frankreich ist nicht der der House Music Szene oder der großen Clubs in Berlin. In Berlin hat die Wilde Renate nicht den gleichen Sound, wie wenn man im Treasure spielt. Der Sound der Raschdingue in Barcelona hat nicht die gleiche Aura wie die große Bühne bei einem Festival im Postbahnof in Berlin oder einer der Clubs, die durch die europäische Politik entlang der Spree zerstört wurden, die Räume wie den Lichtpark in Berlin, der damals den Platz des Katerholzig eingenommen hatte, geschlossen hat. Die Emotion, der Moment, die Erinnerung, das unbeschwerte Leben: das ist mein Einfluss.

Man kann Tech House nicht wirklich als Genre bezeichnen, da es sich um eines der vielen Subgenres der House-Musik handelt. Ich will hier nicht so tun, als würde ich die Komplexität und Tiefe der House-Musik erklären. Ich werde lieber den Text eines berühmten Tracks zitieren: eine zeitlose Kultstimme der House-Musik, die aus dem Jahr 1987 stammt. Es geht um das Teilen und die Brüderlichkeit, und ich lade euch alle ein, ihn zu hören: "My House" von Chuck Roberts.

1. My Soul
2. When Demons Lie
3. Al & Zeihmer

Es gibt keine vorgefertigte Formel: Es kann ein Sample in einem Musikstück sein, eine Stimme in einem Lied, eine Alltagssituation, ein Geruch in einem Park usw... Es ist vielfältig und unvorhersehbar, und vor allem immer mit einer Emotion, einem Gefühl verbunden.

Ja, ich habe manchmal Kontakt zu einigen der großen Namen. Es ist eine Tatsache, dass die großen Namen nur in Ausnahmefällen auf deine Anfragen antworten. Meistens kamen diese Kollaborationen durch andere große Künstler bei EP-Kollaborationen zustande, durch Veranstaltungen, bei denen wir gemeinsam gebucht wurden, oder durch einige Labels, die mich kontaktierten. Einige Künstler sind zu Freunden geworden, andere zu einmaligen Kollaborationen. Es ist eine Tatsache, dass, auch wenn soziale Netzwerke unbestreitbar wichtig sind, menschliche Beziehungen und aufrichtiger, langfristiger Austausch überwiegen. Wenn ein großer Künstler dich braucht, wird er dich holen kommen.

Es ist eine unbestreitbare Tatsache, dass der Markt für elektronische Musik heutzutage gesättigt und mit Veröffentlichungen überschwemmt ist. Als Künstler*in ist es wichtig, eine eigene Identität und einen eigenen Stil zu schaffen, der einen von anderen abhebt, einen erkennbaren Sound und eine eigene Botschaft zu haben. Sobald du deine Identität gefunden hast, ist es wichtig, deine Präsenz aufzubauen und die Kommunikation mit deiner Fangemeinde in allen verfügbaren Netzwerken aufrechtzuerhalten, und zwar über etablierte Systeme, die dir Sichtbarkeit verschaffen. Vor 20 oder 30 Jahren war es noch möglich, sich mit einem einzigen Song (Hit) einen Namen zu machen.

Heute ist dies nicht mehr der Fall. Für den Erfolg deiner Releases und einer langfristigen Karriere ist es notwendig, dass du in allen verfügbaren Netzwerken für Aufsehen sorgst, indem du die richtige Zielgruppe ansprichst. Die von Plattformen wie Google, YouTube, Facebook, Instagram, Tik ok usw. zur Verfügung gestellten Marketinginstrumente sind in der heutigen Landschaft unerlässlich. Wenn du ein attraktives Produkt hast, eine Fangemeinde, die dir folgt, und eine starke Kommunikationsstrategie: dann maximierest du deine Erfolgschancen in jedem Genre der elektronischen Musik.

Derzeitiges Lieblingslabel auf Beatport: Defected

Einige Künstler, auf die Fans deiner Musik im Moment achten sollten: Gene Farris, Denis Ferrer, Solomun, Riva Starr, The Martinez Brothers, Marco Carola

Man kann alle Kommunikationsmittel einsetzen, an seinen Song glauben, die besten Mastering-Techniken anwenden und mit den besten Maschinen arbeiten: Man hat nie die Kontrolle über den Song, der funktionieren wird, den Song, der jahrelang bei einem bleibt. Das ist der Zauber des Ganzen. Mit meinen Songs versuche ich heute, Freiräume zu schaffen, Unfälle zwischen verschiedenen Stilen, die sich eigentlich nicht begegnen sollten, und dieses Element der Freiheit, das uns alle auf Reisen bringt und unsere Sensibilität unterschiedlich berührt, um die Interpretation dem Publikum zu überlassen.

Das Gute daran ist, dass ich dadurch einen Namen bekommen habe, das Schlechte ist, dass wir immer noch demselben Erfolg hinterherlaufen. Der Verlust des öffentlichen Interesses schmerzt, wenn der Hype vorbei ist. Aber es zwingt dich, dich selbst zu erneuern, deine Fehler, deine Qualitäten und deine Schwächen zu verstehen und daraus zu lernen und deine Musik mit deinen Erfahrungen weiterzuentwickeln.