Por qué los grandes artistas se están independizando (y qué significa para la industria musical)

El inicio de la industria discográfica se suele relacionar con la patente de Thomas Edison de la tecnología del fonógrafo a finales del siglo XIX. Pero no te preocupes, no nos remontaremos tanto en la historia. Aun así, su invento fue un paso clave hacia lo que con el tiempo se convertiría en el modelo tradicional de la industria, que gira en torno a los grandes sellos discográficos.

Técnicamente, Columbia Records se considera el primer sello discográfico. Se fundó en 1889 y sigue en activo hoy en día, a menos que cuentes Edison's Records, que se refería a cilindros y no a una lista de artistas como entendemos hoy en día por sellos.

El desarrollo de la grabación sonora a principios del siglo XX -junto con el auge de la radiodifusión mundial- empezó a perturbar el dominio comercial de las editoriales de partituras. Entre 1900 y 1920, la industria discográfica superó gradualmente a las partituras como principal motor de los ingresos musicales, y los sellos discográficos se convirtieron en los actores más poderosos del negocio.

Durante décadas, estos grandes sellos discográficos han actuado como guardianes. Rápidamente se hicieron con el control de la grabación, la fabricación, la distribución, el marketing y los derechos de los artistas. Un primer ejemplo notable de este cambio puede verse en 1902, cuando el cantante de ópera italiano Enrico Caruso firmó un Contrato de grabación con la British Gramophone & Typewriter Company. Dos años más tarde, firmó un acuerdo exclusivo crucial con la Victor Talking Machine Company, convirtiéndose en una de las primeras superestrellas mundiales de la grabación, con más de 250 discos e ingresos millonarios.

A lo largo del siglo XX, el modelo de sello discográfico evolucionó hasta convertirse en lo que reconocemos hoy. Aunque los primeros sellos se centraban principalmente en la música clásica y popular (tal y como se definía en la época), se expandieron junto con la propia industria, representando una gama cada vez mayor de géneros, desde el rock y el pop hasta el rhythm and blues, el metal y más allá.

El modelo clásico de los grandes sellos funcionaba así: un sello contrataba a un artista, le ofrecía un anticipo (básicamente un préstamo), cubría los costes de grabación, se encargaba de la distribución y financiaba las campañas de marketing. A cambio, el sello era propietario de las grabaciones máster, se llevaba la mayor parte de los ingresos por streaming y ventas, y conservaba el control creativo sobre todo, desde el calendario de lanzamientos hasta la portada del álbum.

En teoría, era un intercambio justo: inversión por infraestructura, sobre todo en una época en la que la distribución física y las conexiones con la industria eran esenciales. Pero también conllevaba limitaciones. A menudo, los artistas tenían un control limitado sobre su dirección creativa, los plazos de lanzamiento, la forma en que se comercializaba su música y la propiedad a largo plazo (y, por tanto, el legado) de su obra.

Los problemas del modelo tradicional no han desaparecido, pero sí las circunstancias que lo hicieron necesario. Como resultado, la relación entre el artista y el sello -antes desigual- ha ido cambiando hacia modelos más colaborativos y favorables al artista, que ofrecen a los músicos acuerdos más favorables. Al mismo tiempo, sin embargo, las oportunidades de éxito de los artistas se han ampliado más allá del entorno de los sellos, animando a muchos a construir sus carreras de forma independiente.

Echemos un vistazo a los cambios que se han producido en la industria en los últimos años.

Éste ha sido uno de los cambios absolutamente clave en la industria musical. En la era física, llevar tu música a las tiendas requería absolutamente relaciones con los sellos. Ya no es así. Hoy en día, cualquier artista puede subir un lanzamiento a Spotify, Apple Music y cientos de otras plataformas a través de un servicio de distribución digital como iMusician, a menudo por una pequeña cuota anual o un modesto coste por lanzamiento. El alcance global ya no es una ventaja exclusiva de los sellos; puedes conseguirlo desde cualquier lugar en un instante.

La viralidad hoy en día es impredecible, y lo que es más importante, no establece ninguna condición sobre cómo se produce. Las canciones pueden hacerse virales en todo el mundo sin promoción en la radio, campañas de relaciones públicas ni presupuesto de marketing de un sello. Los artistas hacen crecer sus audiencias de forma orgánica y, en algunos casos, lo hacen más rápido de lo que jamás podría hacerlo la maquinaria tradicional de la industria - por supuesto, dependiendo de factores como la estrategia y la coherencia, entre otros. En general, a los algoritmos no les importa si has firmado con Universal o si lanzas música de forma independiente desde tu habitación.

Plataformas como Bandcamp, Patreon, Even y Substack permiten a los artistas eludir a los intermediarios y obtener ingresos directamente de sus fans, en particular, sin que los sellos se lleven una parte. Esto no se limita a los discos de música; abarca todo lo relacionado con la música que los artistas pueden ahora monetizar libremente por su cuenta. Entre las oportunidades clave se incluyen la mercancía, los contenidos exclusivos, las suscripciones de los fans, la venta de entradas en directo y las experiencias digitales o virtuales de alto valor.

Estas opciones ayudan a los artistas a conseguir mayores márgenes de beneficio -a veces incluso duplicando sus ingresos con sólo una pequeña parte de sus fans-, al tiempo que mantienen el control creativo, la libertad de decisión y el acceso a valiosos datos de los fans.

Hoy en día, los artistas más jóvenes suelen entrar en la industria con una mentalidad y una comprensión completamente diferentes de cómo funciona. No son "sólo" músicos con pasiones creativas que esperan ser descubiertos y contratados por un sello.

En cambio, muchos están empezando sus carreras con un enfoque centrado en los negocios, reconociendo que el arte no es sólo una forma de autoexpresión, sino también un producto que requiere estrategia, marketing, planificación financiera y un valor centrado en el cliente. Están creando sus propias empresas, son dueños de su propiedad intelectual y piensan en el valor del catálogo desde el primer día, todo ello manteniendo su autenticidad sin límites.

Es importante reconocer que la independencia no es algo Single. Algunos artistas eligen salir del sistema de sellos, otros nunca entran en él y algunos encuentran formas creativas de trabajar junto a él en sus propios términos. Lo bueno de las trayectorias de estos artistas es que cada una cuenta una historia diferente, lo que permite a cualquier otro artista que esté forjando su propio camino tomar inspiración y aplicarla a su propia historia.

Algunos de los casos más convincentes a favor de la independencia proceden de artistas que tienen experiencia de primera mano con el sistema de sellos y más tarde deciden abandonarlo (algunos temporalmente, otros de forma permanente). Se podría argumentar que dejar un sello discográfico tras alcanzar un gran éxito es bastante fácil. Sin embargo, es importante reconocer que incluso los artistas más grandes y con más éxito se benefician de la infraestructura y el soporte financiero que les proporcionan los sellos, por lo que independizarse sigue significando adentrarse en lo desconocido y enfrentarse solos a posibles riesgos.

Empecemos con el caso quizá más interesante y legendario de un artista que lucha por su independencia: Prince. Su disputa de un año con Warner Bros. comenzó en los años 90 y se centró en la libertad creativa y la propiedad de sus másteres. Al sentirse restringido, cambió su nombre por un símbolo impronunciable (el llamado "Símbolo del Amor") y empezó a hacer apariciones públicas con la palabra "ESCLAVO" escrita en la cara. Finalmente, fue liberado de su Contrato con Warner en 1996, pero, como es sabido, firmó algunos contratos de un solo disco con otros sellos y, finalmente, se reconcilió con Warner Music en 2014, volviendo al sello y obteniendo la propiedad de sus masters en un acuerdo histórico.

Frank Ocean es quizás el ejemplo que mejor define a su generación. Contratado por Def Jam, Ocean pasó años en un punto muerto legal y creativo antes de lanzar Blonde en 2016 a través de su propio sello, Boys Don't Cry. Al mismo tiempo, cumplió su Contrato con Def Jam con un álbum visual, Endless, y luego se marchó, negociando primero la recompra de sus másters. El movimiento fue calculado y audaz, y resultó ser un éxito comercial y de crítica en sus propios términos, y le permitió tomar el control de su dirección creativa, calendario de Lanzamiento y obtener mayores ingresos por Stream.

Tinashe firmó por primera vez un contrato con RCA Records en 2012, y aunque la relación produjo tres álbumes bien recibidos, el último proyecto estuvo marcado por una creciente frustración con el sello, causada en parte por retrasos y diferencias creativas. Acabó abandonando la discográfica en 2019, describiéndolo como una separación amistosa, y desde entonces ha lanzado algunos de sus trabajos más creativos de forma independiente.

A diferencia de Tinashe, JoJo experimentó una salida mucho menos amistosa de su sello. Demandó a Blackground Records y a su sello Da Family Entertainment dos veces en cuatro años por haber estancado su música y haber causado "daños irreparables a su carrera profesional" Dado que firmó un contrato por primera vez en 2003, a la edad de 12 años, su caso también concienció sobre la complejidad y el escrutinio que implica el Lanzamiento de música de menores con un sello. La disputa legal se resolvió finalmente con un acuerdo extrajudicial. Más tarde, JoJo firmó un contrato con Atlantic Records, pero en 2017 se independizó y empezó a autoeditar su música a través de su empresa, Clover Music. En 2018, volvió a grabar y lanzó sus primeros álbumes para reclamar su propiedad tras la supresión de sus grabaciones originales.

Lorde es una de las últimas grandes artistas que han optado por la independencia. En una serie de notas de voz de la Comunidad compartidas con los fans en marzo de 2026, reveló que su Contrato de años con UMG -firmado por primera vez en 2009- expiraba a finales de 2025, lo que le daba una nueva "pizarra en blanco" y la oportunidad de explorar su verdadero yo y su creatividad, algo que realmente no podía hacer cuando firmó a los 12 años. No obstante, Lorde describió su tiempo con UMG como una experiencia increíble y no descartó firmar con un sello, posiblemente incluso Universal, en el futuro.

Tom Odell cumplió su Contrato con Sony en 2021, lo que marcó el inicio de su andadura independiente. Creó su propio sello Idependiente, UROK Management (en colaboración con Virgin Music), y desde entonces ha autoeditado tres álbumes. Describió el cambio como una liberación, que le ha permitido hacer música más personal y auténtica, sin la presión de producir algo para convencer a un gran sello de que lo lance.

Raye se hizo literalmente con la escena musical en 2023, cuando su Single Escapism se hizo viral en las redes sociales, y su álbum de estudio debut, My 21st Century Blues (2023), recibió elogios generalizados de la crítica. Su largamente esperado ascenso a la fama también puso de manifiesto la dura realidad de algunos artistas que firman con grandes sellos discográficos sólo para quedar marginados. Firmó un contrato de cuatro álbumes con Polydor en 2014, pero en realidad no se le permitió el Lanzamiento de un álbum durante siete años, que abarcaron todo el periodo que estuvo con Polydor hasta que dejó el sello en 2021. Celebró el Lanzamiento de su primer álbum instalando una muestra escultórica de altavoces e instrumentos blancos rotos (básicamente la portada de su álbum) justo delante de las oficinas de Polydor en Londres.

Además de los artistas que firmaron con un sello y luego optaron por ser independientes, hay quienes demostraron que no hace falta un gran contrato discográfico para llegar a la cima. Construyeron sus carreras de forma independiente desde el principio, e incluso cuando les ofrecieron contratos con grandes sellos, optaron por permanecer en la escena del bricolaje.

Chance the Rapper hizo historia en 2017 al convertirse en el primer artista sin contrato y sólo en Streaming en ganar un Grammy al Álbum del Año, llevándose a casa el premio al Mejor Álbum de Rap por su mixtape Coloring Book. Cabe destacar que su Single No Problem (con 2 Chainz y Lil Wayne) también ganó el premio a la Mejor Interpretación de Rap. Hasta la fecha, ha lanzado toda su música de forma independiente, conservando el 100% de sus derechos y la propiedad, y construyendo su carrera en torno a una base de seguidores ferozmente leales a través de la autenticidad y la comunidad.

Macklemore & Ryan Lewis autofinanciaron The Heist y lo lanzaron de forma independiente en 2012. Vendió millones de copias, produjo varios singles de platino y ganó cuatro premios Grammy, todo ello sin un contrato con una gran discográfica. En particular, Macklemore continuó su andadura como artista independiente en solitario, lanzando su música a través de servicios de distribución y publicación de apoyo, en lugar de firmar con un sello importante. Se le considera uno de los artistas independientes más consumados, con un éxito multiplatino y ganador de un Grammy.

La rapera británica Little Simz construyó toda su carrera de forma independiente, lanzando discos aclamados por la crítica a través de su propio sello, AGE 101 Music. Su cuarto álbum, Sometimes I Might Be Introvert, fue nombrado mejor álbum de 2021 por varias publicaciones e incluso ganó el prestigioso Premio Mercury en 2022. En una entrevista declaró que, aunque lo intentó, ningún gran sello quiso ficharla al principio de su carrera, y que, a medida que iba teniendo más éxito, sentía que las ofertas que recibía estaban diseñadas para limitar su arte. Por este motivo, se ha mantenido independiente, lanzando su música por su cuenta hasta el día de hoy.

Muchas de las historias de artistas que hemos elegido para este artículo están relacionadas con temas como la libertad creativa limitada, la autoexpresión y los problemas de propiedad relacionados con los contratos de los sellos discográficos. Éstas son sólo algunas de las razones comunes por las que los artistas suelen dejar sus sellos. Veamos más detenidamente éstas y algunas otras.

La propiedad de las grabaciones de master es la base de todo en el negocio de la música. Los másters son las grabaciones originales, y quien las posee controla cómo se conceden las licencias, dónde aparecen y lo que ganan con el tiempo. Como ya hemos dicho, durante décadas se esperaba que los artistas cedieran sus másteres a los sellos como condición para asegurarse un contrato.

El punto de inflexión cultural moderno en esta cuestión se produjo con Taylor Swift. En 2019, su antiguo sello discográfico, Big Machine, junto con los másters de sus seis primeros álbumes de estudio (y las grabaciones, vídeos y material gráfico relacionados), fueron vendidos a la empresa de Scooter Braun sin su participación, consentimiento u oportunidad de comprarlos ella misma. Más tarde, Braun vendió los derechos a una empresa de capital privado, Shamrock Holdings, Inc., sobre todo con la condición de que siguiera beneficiándose de ellos. Swift respondió regrabando todo su catálogo para crear versiones de su propiedad, consiguiendo éxito comercial y elogios de la crítica.

Su muy publicitada lucha por la propiedad de su música suscitó un amplio debate sobre los derechos de los artistas, la propiedad intelectual, el capital privado y la ética de la industria, que influyó no sólo en los conocedores de la industria, sino también en los oyentes. Millones de aficionados a la música que nunca habían pensado en acuerdos editoriales se interesaron de repente por el tema y expresaron su apoyo a los derechos de los artistas. En mayo de 2025, reclamó a Shamrock sus másteres, obteniendo la propiedad de toda su obra.

A diferencia de los artistas con contrato tradicional, los artistas independientes suelen conservar sus másteres por defecto. Esto significa que el catálogo que construyen a lo largo de sus carreras les pertenece y puede aumentar su valor con el tiempo. Tanto si está directamente motivada por la disputa sobre los másters de Swift como si no, para muchos artistas, la posibilidad de poseer su arte acaba convirtiéndose en una razón clave para elegir la independencia.

Las conversaciones sobre el control creativo pueden parecer abstractas hasta que los artistas comparten cómo es realmente la vida de sello. Lo hemos visto en las historias de Jojo o Raye: Fechas de lanzamiento retrasadas durante años, álbumes aplazados indefinidamente, singles elegidos por comité, obras de arte rechazadas o un sonido moldeado por lo que A&R pensaba que iba a salir en las listas.

El lanzamiento de música en virtud de un contrato puede convertirse en una batalla constante para crear algo auténtico, permitir la autoexpresión y también cumplir la visión del sello y, lo que es más importante, vender discos. A veces, los artistas no pueden lanzar música porque su arte -por mucho que lo ajusten- no se ajusta a las exigencias comerciales, a menudo cambiantes, del sello. En otros casos, cuando la persona que les contrató originalmente abandona la empresa, los artistas pueden encontrarse sin apoyo interno ni defensa.

La independencia elimina muchas de estas limitaciones. Los artistas deciden cuándo lanzar, cómo suena, qué aspecto tiene la portada y cómo se presenta al mundo. Para muchos, ese nivel de control es esencial para crear un trabajo que parezca honesto y sostenible.

Los aspectos económicos del stream se han debatido sin cesar, pero el principio básico sigue siendo sencillo: los artistas independientes conservan una parte mucho mayor de sus ganancias. En un contrato típico con un gran sello, un artista puede recibir entre el 15 y el 20% de los ingresos por grabación, sólo después de recuperar el anticipo. En realidad, muchos artistas no lo recuperan nunca.

Con las plataformas de distribución digital, los artistas independientes pueden quedarse entre el 80% y el 100% de sus ingresos por stream, dependiendo del servicio. Las tarifas por stream son las mismas, pero el reparto de los ingresos -y por tanto el resultado- puede ser muy diferente.

Uno de los beneficios más ignorados de la independencia es la conexión directa que permite entre los artistas y su público. Sin un sello de por medio, los artistas pueden crear sus propias Comunidades -a través de listas de correo electrónico, plataformas de fans, redes sociales y eventos- y adueñarse realmente de esas relaciones.

Los datos de origen (saber quiénes son tus fans, dónde están y cómo interactúan) son cada vez más valiosos. Permite a los artistas vender directamente, comunicarse sin algoritmos y desarrollar el tipo de lealtad de los fans que sustenta sus carreras durante décadas. Los sellos, por naturaleza, no comparten estos datos.

Es cierto que muchos artistas independientes, cuando pueden, trabajan con servicios externos para gestionar su promoción musical. Sin embargo, incluso esa relación suele ser más genuina y llena de libertad que la de los sellos.

El ciclo tradicional de lanzamiento de un álbum, centrado en la distribución física, las campañas de radio y los escaparates, era lento por diseño, y un álbum podía tardar años en lanzarse. Eso significaba a menudo que una oportunidad de capitalizar una tendencia podía desaparecer fácilmente mientras se esperaban las aprobaciones.

El panorama actual del Streaming suele ir más rápido, lo que permite a los artistas anunciar su Fecha de lanzamiento con mucha antelación y planificar las campañas de marketing en consecuencia. Aun así, a menudo hay obstáculos o condiciones establecidos por el sello que pueden retrasar o complicar el proceso, o incluso impedir que los artistas elijan sus propias Fechas de Lanzamiento.

Algo que aún no hemos mencionado, y que es importante reconocer, es que los artistas compiten a menudo no sólo con artistas de otros sellos, sino también con otros artistas del mismo sello. En estos contextos, algunos artistas pueden recibir más oportunidades, confianza y privilegios -a menudo basados en su anterior éxito comercial-, lo que supone restricciones de tiempo y creativas para otros.

Los artistas independientes, en cambio, pueden moverse a la velocidad de Internet. Una pista puede pasar de idea a upload para su Lanzamiento en sólo unos días, lo que les permite sincronizar su calendario de lanzamientos con los momentos culturales, la demanda del público y su propio ritmo creativo. Tanto si se trata de un lanzamiento sorpresa, una remezcla oportuna o una respuesta rápida a un momento viral, esa flexibilidad puede proporcionar una ventaja competitiva real en el rápido entorno actual.

Hemos hablado mucho de lo que ha cambiado en la industria para que los artistas abandonen o eviten el modelo tradicional de sellos, pero es importante hablar especialmente de la infraestructura que existe ahora para apoyar a los artistas independientes en cada etapa de su carrera.

En los últimos dos años, las plataformas de distribución digital se han convertido en la columna vertebral de la música independiente moderna. Permiten a cualquier artista poner su música en todos los principales servicios de Streaming del mundo (a menudo junto con plataformas específicas de género, por ejemplo, para música clásica y electrónica), cobrar sus derechos de autor y mantener todos los derechos sobre sus grabaciones, sin necesidad de tener ningún tipo de relación con un sello discográfico.

Más allá de la distribución, los artistas independientes tienen acceso hoy en día a herramientas para la administración de la publicación (garantizando que se recaudan los derechos de autor), la recaudación de derechos de los vecinos, la monetización de YouTube Content ID, la analítica musical y el pitching de listas de reproducción. Estos son prácticamente todos los servicios que antes estaban disponibles exclusivamente a través del sistema de los grandes sellos.

En lugar de esforzarse por firmar -o continuar- un contrato, muchos artistas se centran hoy en crear un equipo sostenible que les ayude a gestionar todos los aspectos de su carrera. Los artistas independientes de más éxito trabajan con managers independientes, agentes de contratación, profesionales de las relaciones públicas y el marketing, y abogados musicales, montando su propia infraestructura en lugar de depender de la de un sello. La diferencia es que cada una de estas relaciones se establece según las condiciones del artista, y no en el marco de un acuerdo que también Reivindica la propiedad de su producción creativa.

En resumen, esta infraestructura permite en gran medida la independencia. Las herramientas existen. Lo que aportan los artistas es la visión y la voluntad de gestionar su carrera como un negocio.

Hasta ahora, hemos hablado de las razones y, sobre todo, de las ventajas de independizarse. Sin embargo, sería ciertamente deshonesto hacer que la independencia parezca fácil y sencilla. Porque no lo es, e ignorar los retos haría un flaco favor a cualquier artista que se plantee este camino.

El problema más inmediato es la inversión inicial. Los sellos dan anticipos porque cuesta dinero hacer, promocionar y distribuir los discos. Los artistas independientes necesitan ahorros, ingresos alternativos o un Plan realista para financiar sus lanzamientos.

Ahora bien, la buena noticia, como ya hemos comentado, es que la infraestructura de la escena independiente actual, dominada por los distribuidores, facilita a cualquiera el Lanzamiento y promoción de su música sin necesidad de servicios especializados, al menos al principio de su carrera. Muchos distribuidores, como iMusician, ofrecen una amplia gama de potentes herramientas para promocionar, analizar y monetizar su música.

Sin embargo, con el tiempo podría ser necesaria una mayor inversión a medida que avance tu carrera y quieras seguir creciendo. También es importante reconocer que los costes no son sólo financieros; también pueden medirse en tiempo. Gestionar todos los aspectos de un Lanzamiento -desde la escritura y la grabación hasta la producción, el diseño de la portada, el lanzamiento, la promoción y el análisis del rendimiento- requiere mucho tiempo y esfuerzo. Naturalmente, muchos artistas comienzan sus carreras como proyectos paralelos mientras mantienen un trabajo diario, lo que a menudo significa alternar entre ganar dinero y perseguir sus sueños. Es gratificante, pero también puede ser increíblemente agotador y estresante.

Acabamos de mencionar que ser independiente a menudo significa hacer cosas por tu cuenta, lo que básicamente implica llevar varios sombreros al mismo tiempo. El marketing, quizás, sea uno de los más importantes, ya que actúa como motor para hacer que la música sea más reconocible, venderla y, en última instancia, hacer crecer la propia carrera.

Sin la maquinaria promocional de un sello, conseguir que se escuche la música requiere creatividad, constancia y, a menudo, un presupuesto que los artistas emergentes sencillamente no tienen. Construir una audiencia desde cero a menudo se convierte en una experiencia increíble y una oportunidad de aprendizaje, pero el viaje requiere mucho trabajo, errores (y tiempo).

No se trata sólo de las finanzas y los servicios que ofrece un sello, sino también de su red. A lo largo de los años, los sellos han establecido sólidas relaciones con programadores de radio, editores de listas de reproducción, agentes de contratación, socios de marca y contactos de prensa. Todos estos recursos están al alcance de los artistas firmantes, lo que facilita su entrada en la industria (aunque no siempre).

Esto no significa que los artistas independientes no puedan llegar a desarrollar estas relaciones, pero a menudo lleva más tiempo y requiere más iniciativa y esfuerzo activo.

Al principio de este artículo mencionábamos que muchos de los artistas de hoy en día tienen una mentalidad de artista como empresario, enfocando la música más como un negocio que como una carrera artística. Eso, en sí mismo, puede ser un reto importante para los artistas independientes. Además de crear y promocionar música y cultivar contactos que te ayuden a progresar, gestionar tu propia carrera musical también requiere comprender los contratos, gestionar el flujo de caja, declarar los impuestos correctamente y, lo que es más importante, tomar decisiones empresariales sensatas.

Ser tu propio artista significa construir tu marca personal, lo que esencialmente significa dirigir tu propio negocio. Esto crea una serie de exigencias para las que no todos los artistas están igual de preparados.

El auge de los artistas independientes no es sólo una Tendencia, sino que refleja un cambio más amplio en la forma en que se construyen y sostienen las carreras musicales hoy en día. Lo que antes era un sistema dominado por los guardianes de los grandes sellos ha evolucionado hacia un ecosistema más abierto, en el que los artistas tienen más acceso que nunca a las herramientas, el público y las oportunidades.

Para algunos, la independencia es una elección consciente. Para muchos otros, es simplemente donde comienza su viaje. En cualquier caso, la capacidad de lanzar música, crear una base de seguidores y mantener el control ya no está reservada a unos pocos elegidos. Por el contrario, se está convirtiendo cada vez más en la norma.

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Créditos: Frank Ocean - Foto de András Ladocsi; Tinashe - Foto de Marissa Andrea; JoJo - Foto de Dennis Leupold; Tom Odell - Foto de Sounds Like Art, Arte Concert; Lorde - Foto de Thistle Brown; Chance the Rapper - Foto de Bethany Mollenkof