Warum große Artists unabhängig gehen (und was das für die Musikindustrie bedeutet)

Der Beginn der Tonträgerindustrie wird oft mit Thomas Edisons Patent für die Phonographen-Technologie in den späten 1800er Jahren verknüpft. Aber keine Sorge: So weit werden wir in der Geschichte nicht zurückgehen. Dennoch war seine Erfindung ein wichtiger Schritt. Sie ebnete den Weg für das traditionelle Industriemodell, in dessen Zentrum die großen Plattenlabels stehen.

Technisch gesehen gilt Columbia Records als das erste Label. Es wurde 1889 gegründet und ist bis heute aktiv. Das gilt zumindest, sofern man Edisons Records nicht mitzählt. Jene Firma konzentrierte sich eher auf Walzen als auf eine Liste von Artists, wie wir Labels heute verstehen.

Die Entwicklung der Tonaufnahme zu Beginn des 20. Jahrhunderts veränderte alles. Zusammen mit dem Aufkommen des weltweiten Rundfunks wurde die kommerzielle Vorherrschaft der Notenverlage gebrochen. Zwischen 1900 und 1920 verdrängte die Schallplattenindustrie die Notenblätter nach und nach als wichtigste Einnahmequelle. So wurden die Labels zu den mächtigsten Akteuren der Branche.

Jahrzehntelang fungierten die großen Labels als zentrale Kontrollinstanzen und Gatekeeper. Sie übernahmen schnell die Steuerung von Aufnahme, Herstellung, Vertrieb und Marketing sowie die Rechte der Artists. Ein bemerkenswertes frühes Beispiel für diesen Wandel ist das Jahr 1902. Damals unterzeichnete der italienische Opernsänger Enrico Caruso einen Vertrag mit der britischen Gramophone & Typewriter Company. Zwei Jahre später schloss er einen entscheidenden Exklusivvertrag mit der Victor Talking Machine Company ab. Mit über 250 Schallplatten und Millioneneinnahmen wurde er zu einem der ersten weltweiten Superstars der Schallplattenindustrie.

Im Laufe des 20. Jahrhunderts entwickelte sich das Label-Modell zu seiner heutigen Form. Die ersten Labels konzentrierten sich vor allem auf klassische und populäre Musik. Später wuchsen sie mit der Branche und vertraten immer mehr Genres – von Rock und Pop bis hin zu Rhythm and Blues, Metal und mehr.

Das klassische Major-Label-Modell funktionierte so: Ein Label nahm eine:n Artist unter Vertrag und gewährte einen Vorschuss. Dabei handelte es sich im Grunde um ein Darlehen. Das Label deckte die Aufnahmekosten, kümmerte sich um den Vertrieb und finanzierte Marketingkampagnen. Im Gegenzug besaß das Label die Masteraufnahmen. Es erhielt den Löwenanteil der Einnahmen aus Streaming sowie Verkäufen und behielt die kreative Kontrolle. Das betraf alles vom Veröffentlichungszeitpunkt bis zum Artwork des Albums.

Theoretisch war das ein fairer Tausch: Investition gegen Infrastruktur. Das galt besonders in einer Zeit, in der der physische Vertrieb und Branchenkontakte unerlässlich waren. Doch das Modell hatte seine Grenzen. Artists besaßen oft nur wenig Kontrolle über ihre kreative Ausrichtung oder den Zeitplan ihrer Releases. Auch die Vermarktung und der langfristige Besitz ihres eigenen Vermächtnisses blieben ihnen häufig verwehrt.

Die Probleme des traditionellen Modells sind nicht verschwunden, aber die Umstände haben sich grundlegend gewandelt. Infolgedessen hat sich die einst einseitige Beziehung zwischen Artist und Label hin zu kollaborativen Modellen verschoben. Diese bieten Artists heute deutlich günstigere Verträge an. Gleichzeitig haben sich die Möglichkeiten außerhalb der Label-Strukturen massiv erweitert. Das ermutigt viele dazu, ihre Karrieren komplett unabhängig aufzubauen.

Werfen wir einen Blick auf die zentralen Veränderungen der letzten Jahre:

Dies war eine der wichtigsten Transformationen überhaupt. In der Ära physischer Tonträger war ein Label unerlässlich, um Musik in die Läden zu bringen. Das ist heute nicht mehr der Fall. Artists können ein Release über digitale Vertriebsdienste wie iMusician auf Spotify, Apple Music und hunderte andere Plattformen hochladen. Oft reicht dafür eine geringe Jahresgebühr oder ein kleiner Betrag pro Veröffentlichung. Globale Reichweite ist kein exklusives Privileg der Labels mehr; du kannst sie von überall aus in einem Augenblick erzielen.

Viralität ist heute unvorhersehbar – und sie ist an keine festen Bedingungen geknüpft. Songs können weltweit viral gehen, ganz ohne Radio-Promotion, PR-Kampagnen oder ein Marketing-Budget vom Label. Artists bauen ihr Publikum organisch auf, in manchen Fällen sogar schneller als die traditionelle Industrie. Den Algorithmen ist es egal, ob du bei Universal unter Vertrag stehst oder deine Musik unabhängig aus dem Schlafzimmer veröffentlichst.

Plattformen wie Bandcamp, Patreon, Even und Substack ermöglichen es Artists, Zwischenhändler zu umgehen. Einnahmen fließen so direkt von den Fans zu den Kunstschaffenden – ohne Abzüge durch ein Label. Dabei geht es nicht nur um die Musik selbst. Artists können heute alles selbstständig monetarisieren: Merchandising, exklusive Inhalte, Fan-Abonnements, Ticketverkäufe oder virtuelle Erlebnisse.

Mit diesen Optionen lassen sich höhere Gewinnspannen erzielen. Oft reicht ein kleiner Teil der Fanbase aus, um das Einkommen zu verdoppeln. Gleichzeitig behalten die Artists die kreative Kontrolle, volle Entscheidungsfreiheit und den direkten Zugriff auf wertvolle Daten ihrer Usern.

Jüngere Artists betreten die Branche heute mit einer völlig anderen Einstellung. Sie verstehen sich nicht "nur" als Musiker:innen mit kreativen Leidenschaften, die darauf warten, entdeckt zu werden.

Sie erkennen, dass Kunst auch ein Produkt ist, das Strategie, Marketing und Finanzplanung erfordert. Sie gründen ihre eigenen Unternehmen, besitzen ihr geistiges Eigentum und denken vom ersten Tag an an den Wert ihres Katalogs – und das alles, während sie ihre Authentizität uneingeschränkt bewahren.

Es ist wichtig zu verstehen, dass Unabhängigkeit kein Einheitsmodell ist. Manche Artists entscheiden sich bewusst dazu, das Label-System zu verlassen. Andere tauchen dort gar nicht erst auf. Wieder andere finden kreative Wege, um zu ihren eigenen Bedingungen mit Labels zusammenzuarbeiten. Das Spannende an diesen unterschiedlichen Wegen ist, dass jede Geschichte andere Artists inspirieren kann, ihr eigenes passendes Modell zu finden.

Einige der überzeugendsten Argumente für die Unabhängigkeit kommen von Artists, die das Label-System aus erster Hand erlebt haben und sich später dazu entschieden haben, es zu verlassen, manche nur vorübergehend, andere dauerhaft. Man könnte einwenden, dass es einfach ist, ein Label zu verlassen, nachdem man bereits großen Erfolg erzielt hat. Es ist jedoch wichtig zu erkennen, dass selbst die erfolgreichsten Artists von der Infrastruktur und dem finanziellen Support der Labels profitieren. Der Schritt in die Selbstständigkeit bedeutet daher immer noch, ins Ungewisse zu gehen und sich möglichen Risiken allein stellen zu müssen.

Beginnen wir mit dem vielleicht legendärsten Fall eines Artists, der für seine Unabhängigkeit kämpfte: Prince. Sein jahrelanger Streit mit Warner Bros. begann in den 1990er Jahren und drehte sich primär um die kreative Freiheit sowie das Eigentum an seinen Masteraufnahmen. Er fühlte sich so sehr eingeengt, dass er seinen Namen in ein unaussprechliches Symbol änderte (das „Love Symbol“) und bei öffentlichen Auftritten begann, „SLAVE“ auf sein Gesicht zu schreiben. 1996 wurde er schließlich aus seinem Vertrag entlassen. Er unterschrieb danach zwar einige Deals mit anderen Labels, versöhnte sich schließlich aber 2014 mit Warner Music und kehrte dorthin zurück – allerdings erst, nachdem er in einem bahnbrechenden Deal die Rechte an seinen Masteraufnahmen erworben hatte.

Frank Ocean ist vielleicht das beste Beispiel für seine Generation. Er war bei Def Jam unter Vertrag und verbrachte Jahre in einer rechtlichen und kreativen Pattsituation, bevor er 2016 Blonde über sein eigenes Label „Boys Don’t Cry“ veröffentlichte. Gleichzeitig erfüllte er seinen Vertrag bei Def Jam mit dem visuellen Album Endless und verhandelte erfolgreich, um seine Masteraufnahmen zurückzukaufen. Das war ein kalkulierter und mutiger Schritt, der sich als kommerzieller und kritischer Erfolg entpuppte. Er ermöglichte es ihm, die volle Kontrolle über seine kreative Richtung sowie den Release-Zeitplan zu übernehmen und deutlich höhere Einnahmen aus Streams zu erzielen.

Tinashe unterzeichnete 2012 einen Vertrag mit RCA Records. Während die Beziehung drei gut aufgenommene Alben hervorbrachte, war das letzte Projekt von wachsender Frustration gegenüber dem Label geprägt. Dies wurde zum Teil durch Verzögerungen und kreative Differenzen verursacht. Sie verließ das Label schließlich 2019 im Rahmen einer einvernehmlichen Trennung und hat seitdem einige ihrer kreativsten Werke unabhängig veröffentlicht.

Im Gegensatz dazu verlief die Trennung bei JoJo deutlich weniger friedlich. Sie reichte innerhalb von vier Jahren gleich zweimal Klage gegen Blackground Records ein, da das Label ihre Musikveröffentlichungen blockiert und ihrer beruflichen Karriere damit „irreparablen Schaden zugefügt“ hatte. Da sie bereits 2003 im Alter von 12 Jahren unterschrieben hatte, machte ihr Fall auf die enorme Kontrolle aufmerksam, die Labels über minderjährige Artists ausüben können. Der Rechtsstreit wurde schließlich außergerichtlich beigelegt. Später unterschrieb JoJo bei Atlantic Records, nur um 2017 erneut unabhängig zu werden und ihre Musik über ihr eigenes Unternehmen „Clover Music“ zu veröffentlichen. 2018 nahm sie ihre frühen Alben neu auf, um ihre Eigentumsrechte zurückzuerlangen, nachdem ihre ursprünglichen Aufnahmen unterdrückt worden waren.

Lorde ist eine der neuesten großen Artists, die sich für den Weg in die Unabhängigkeit entschieden haben. In Sprachnotizen, die sie im März 2026 mit ihrer Community teilte, verriet sie, dass ihr 2009 unterzeichneter Vertrag mit UMG Ende 2025 auslief. Dies gab ihr eine neue „weiße Weste“ und die Möglichkeit, ihre wahre Kreativität zu erforschen – etwas, das sie nach eigener Aussage nicht wirklich tun konnte, da sie bereits mit 12 Jahren unterschrieben hatte. Dennoch bezeichnete sie ihre Zeit bei UMG als tolle Erfahrung und schloss nicht aus, in Zukunft wieder bei einem Label zu unterschreiben.

Tom Odell löste seinen Vertrag mit Sony 2021 auf und gründete sein eigenes unabhängiges Label „UROK Management“ (in Zusammenarbeit mit Virgin Music). Er beschreibt diesen Schritt als befreiend, da er nun persönlichere und authentischere Musik machen kann, ohne den Druck zu verspüren, Material produzieren zu müssen, nur um ein großes Label von einem Release zu überzeugen.

Raye übernahm 2023 die Musikszene, als ihre Single Escapism viral ging. Ihr Aufstieg machte jedoch die harte Realität deutlich, dass manche Artists bei großen Labels unterschreiben und dann jahrelang ins Abseits gestellt werden. Obwohl sie 2014 bei Polydor unterschrieb, durfte sie sieben Jahre lang kein Album veröffentlichen. Sie feierte den Release ihres Debütalbums schließlich als unabhängige Artist, indem sie eine Skulptur aus kaputten weißen Lautsprechern direkt vor dem Londoner Büro von Polydor aufstellte.

Neben denjenigen, die das Label-System verlassen haben, gibt es auch Artists, die bewiesen haben, dass man keinen großen Plattenvertrag braucht, um an die Spitze zu kommen. Sie blieben der DIY-Szene treu, selbst als ihnen Major-Verträge angeboten wurden.

Macklemore & Ryan Lewis finanzierten ihr Album The Heist selbst und veröffentlichten es 2012 unabhängig. Das Album verkaufte sich millionenfach, brachte Platin-Singles hervor und wurde mit vier Grammys ausgezeichnet – ganz ohne Major-Deal. Macklemore setzte seinen Weg als unabhängiger Artist konsequent fort und nutzt lediglich unterstützende Vertriebsdienste, anstatt sich fest an ein Label zu binden. Er gilt heute als einer der erfolgreichsten unabhängigen Artists weltweit.

Die britische Rapperin Little Simz hat ihre gesamte Karriere unabhängig aufgebaut und veröffentlicht ihre Werke über ihr eigenes Label „AGE 101 Music“. Ihr viertes Album Sometimes I Might Be Introvert wurde 2021 von mehreren Publikationen zum Album des Jahres gekürt und gewann 2022 den renommierten Mercury Prize. In einem Interview erklärte sie, dass sie es zwar versucht hatte, aber zu Beginn ihrer Karriere kein großes Label sie unter Vertrag nehmen wollte. Als sie später erfolgreicher wurde, empfand sie die Angebote der Majors als zu einschränkend für ihr künstlerisches Schaffen. Aus diesem Grund bleibt sie bis heute unabhängig.

Viele der Artists, die wir für diesen Artikel ausgewählt haben, sahen sich mit Problemen wie eingeschränkter kreativer Freiheit, fehlender Selbstverwirklichung und Eigentumsfragen konfrontiert. Dies sind nur einige der häufigsten Gründe, warum Kunstschaffende ihre Labels verlassen. Schauen wir uns diese – und noch ein paar andere Aspekte – genauer an.

Die Masteraufnahmen sind die Grundlage für alles im Musikgeschäft. Wer diese Originalaufnahmen besitzt, kontrolliert deren Lizenzierung, deren Präsenz auf Plattformen und die langfristigen Einnahmen. Wie bereits erwähnt, wurde von Artists jahrzehntelang erwartet, dass sie ihre Master an Labels abtreten, um überhaupt einen Vertrag zu erhalten.

Der moderne kulturelle Wendepunkt in dieser Frage kam mit Taylor Swift. Im Jahr 2019 wurde ihr ehemaliges Label Big Machine zusammen mit den Mastern ihrer ersten sechs Studioalben an das Unternehmen von Scooter Braun verkauft. Dies geschah ohne ihre Beteiligung, ihr Einverständnis oder die Möglichkeit, die Rechte selbst zu erwerben. Braun verkaufte die Rechte später an die Beteiligungsgesellschaft Shamrock Holdings, Inc. weiter – unter der Bedingung, dass er weiterhin von den Einnahmen profitiert. Swift reagierte darauf, indem sie ihren gesamten Katalog neu aufnahm, um Versionen zu schaffen, die ihr selbst gehörten. Damit erzielte sie sowohl kommerziellen Erfolg als auch großes Lob von der Kritik.

Ihr öffentlichkeitswirksamer Kampf löste eine breite Debatte über Rechte von Artists, geistiges Eigentum und die Ethik der Branche aus. Dies beeinflusste nicht nur Brancheninsider:innen, sondern auch die User:innen. Millionen von Musikfans interessierten sich plötzlich für Verlagsverträge und sprachen sich für die Rechte der Artists aus. Im Mai 2025 forderte sie schließlich erfolgreich ihre Masterdateien von Shamrock zurück und erwarb damit das Eigentum an ihrem gesamten Werk.

Anders als bei traditionellen Verträgen behalten unabhängige Artists ihre Master in der Regel standardmäßig. Das bedeutet, dass der Katalog, den sie im Laufe ihrer Karriere aufbauen, ihnen gehört und langfristig an Wert gewinnt. Die Möglichkeit, das eigene Werk vollständig zu besitzen, ist für viele ein entscheidender Grund, den Weg in die Unabhängigkeit zu wählen.

Gespräche über kreative Kontrolle mögen abstrakt wirken, bis Artists erzählen, wie das Leben bei einem Label wirklich aussieht. Wir kennen es aus den Geschichten von JoJo oder Raye: Release-Daten werden jahrelang verschoben, Alben auf Eis gelegt, Singles von einem Komitee ausgewählt und Artworks abgelehnt. Oft wird der Sound massiv von dem beeinflusst, was die A&R-Abteilungen für charttauglich halten.

Die Veröffentlichung von Musik im Rahmen eines Major-Vertrags kann zu einem ständigen Kampf werden. Es gilt, etwas Authentisches zu schaffen und sich selbst auszudrücken, während man gleichzeitig die Vision des Labels erfüllen und – was am wichtigsten ist – Platten verkaufen muss. Manchmal können Artists ihre Musik gar nicht veröffentlichen, weil ihr Schaffen nicht zu den wechselnden kommerziellen Anforderungen des Labels passt. In anderen Fällen verlassen die Personen, die den Artist ursprünglich unter Vertrag genommen haben, das Unternehmen. Die Folge: Man steht ohne internen Support oder Fürsprache da.

Die Unabhängigkeit beseitigt viele dieser Beschränkungen. Die Artists entscheiden selbst, wann sie ihr Album veröffentlichen, wie es klingt, wie das Cover aussieht und wie es der Welt präsentiert wird. Für viele ist dieses Maß an Kontrolle entscheidend, um eine ehrliche und nachhaltige Karriere aufzubauen.

Über die wirtschaftlichen Aspekte des Streamings wurde schon endlos diskutiert, aber das Grundprinzip ist einfach: Unabhängige Artists behalten einen viel größeren Anteil ihrer Einnahmen. Bei einem typischen Major-Vertrag erhält ein:e Artist vielleicht 15–20 % der Einnahmen, nachdem der Vorschuss zurückgezahlt wurde. In der Realität erhalten viele Artists jedoch überhaupt keinen Vorschuss.

Bei digitalen Vertriebsplattformen können unabhängige Artists je nach Dienst zwischen 80 % und 100 % ihrer Streaming-Einnahmen behalten. Die Preise pro Stream sind identisch, aber die Aufteilung der Erlöse – und damit das Endergebnis – unterscheidet sich massiv.

Einer der am meisten unterschätzten Vorteile der Unabhängigkeit ist die direkte Verbindung zwischen Artists und ihrem Publikum. Ohne ein Label als Zwischeninstanz können Artists ihre eigene Community aufbauen – über E-Mail-Listen, Fan-Plattformen, soziale Medien und Events – und diese Beziehungen individuell gestalten.

Daten aus erster Hand (wer sind die Fans, wo leben sie und wie interagieren sie?) werden immer wertvoller. Sie ermöglichen es den Artists, direkt an ihre User:innen zu verkaufen, ohne auf Algorithmen angewiesen zu sein. So entsteht eine Fan-Loyalität, die Karrieren über Jahrzehnte trägt. Labels geben diese wertvollen Daten naturgemäß meist nicht weiter. Viele unabhängige Artists arbeiten zwar für ihre Promotion mit externen Dienstleister:innen zusammen, doch selbst diese Beziehung fühlt sich oft authentischer und freier an als die Vorgaben eines Labels.

Der traditionelle Release-Zyklus, der auf physischen Vertrieb und langwierige Radiokampagnen setzte, war von Natur aus langsam. Es konnte Jahre dauern, bis ein Album erschien. Das bedeutete oft, dass Chancen, aus einem Trend Kapital zu schlagen, ungenutzt verstrichen, während man auf Freigaben wartete.

Die heutige Streaming-Landschaft ist deutlich schneller. Sie erlaubt es Artists, Veröffentlichungen lange im Voraus anzukündigen und Marketingkampagnen präzise zu planen. Dennoch gibt es bei Labels oft Hindernisse oder Bedingungen, die den Prozess verkomplizieren oder den Artists die Wahl des Release-Datums entziehen.

Ein oft übersehener, aber wichtiger Punkt: Artists konkurrieren bei Major-Labels häufig nicht nur mit der Konkurrenz, sondern auch mit Kolleg:innen im eigenen Haus. In diesem Umfeld erhalten einige bevorzugte Artists mehr Möglichkeiten und Privilegien – oft aufgrund früherer Erfolge. Dies führt für andere zwangsläufig zu zeitlichen und kreativen Einschränkungen.

Unabhängige Artists hingegen können sich in „Internet-Geschwindigkeit“ bewegen. Ein Track kann innerhalb weniger Tage von der ersten Idee bis zum Upload fertiggestellt werden. So lässt sich der Release-Zeitplan perfekt mit kulturellen Momenten, der Nachfrage des Publikums und dem eigenen kreativen Rhythmus synchronisieren. Ob Überraschungs-Release, zeitnaher Remix oder die schnelle Reaktion auf einen viralen Moment – diese Flexibilität ist in unserer schnelllebigen Zeit ein echter Wettbewerbsvorteil.

Wir haben viel über den Wandel der Branche gesprochen, aber entscheidend ist die Infrastruktur, die unabhängige Artists heute in jeder Phase ihrer Karriere unterstützt. In den letzten Jahren sind digitale Vertriebsplattformen zum Rückgrat der modernen Musikindustrie geworden. Sie ermöglichen es allen Artists, ihre Musik weltweit bei allen wichtigen Streamingdiensten zu veröffentlichen, ihre Tantiemen einzuziehen und die vollen Rechte an ihren Aufnahmen zu behalten – ganz ohne Label-Bindung.

Über den Vertrieb hinaus haben unabhängige Artists heute Zugang zu professionellen Tools: von der Verlagsverwaltung (für Urheberrechte an Text und Komposition) über die Monetarisierung via YouTube Content ID bis hin zu detaillierten Analysen und dem Pitchen für Playlists. Dies sind exakt jene Dienste, die früher ausschließlich Major-Labels vorbehalten waren.

Anstatt mühsam einen Vertrag zu suchen, konzentrieren sich viele Artists heute darauf, ein eigenes, nachhaltiges Team aufzubauen. Erfolgreiche Unabhängige arbeiten mit freien Manager:innen, Booking-Agent:innen, PR-Profis und Musikanwält:innen zusammen. Sie erschaffen sich ihre eigene Infrastruktur, statt von einem Label abhängig zu sein. Der entscheidende Unterschied: Jede dieser Beziehungen erfolgt zu den Bedingungen der Artists und ist nicht an einen Vertrag gekoppelt, der das Eigentum an ihrem kreativen Schaffen beansprucht.

Zusammenfassend lässt sich sagen: Die Unabhängigkeit wird heute maßgeblich durch diese neue Infrastruktur ermöglicht. Die Werkzeuge sind vorhanden – was die Artists mitbringen müssen, ist eine klare Vision und die Bereitschaft, ihre Karriere wie ein Unternehmen zu führen.

Bis jetzt haben wir vor allem die Vorteile der Selbstständigkeit besprochen. Es wäre jedoch unehrlich, diesen Weg als einfach und unkompliziert darzustellen. Das ist er nämlich nicht, und die Herausforderungen zu ignorieren, wäre ein Bärendienst für alle Artists, die diesen Weg in Erwägung ziehen.

Das unmittelbarste Problem sind die Vorabinvestitionen. Labels gewähren Vorschüsse, weil die Herstellung, die Promotion und der Vertrieb von Musik Geld kosten. Unabhängige Artists benötigen entweder Ersparnisse, alternative Einkünfte oder ein realistisches Budget für die Finanzierung ihrer Releases.

Die gute Nachricht ist: Die heutige Infrastruktur der Independent-Szene macht es einfacher, Musik zu releasen und zu promoten, ohne sofort teure Spezialdienstleistungen buchen zu müssen. Viele Vertriebe, wie etwa iMusician, bieten leistungsstarke Tools zur Promotion, Analyse und Monetarisierung an.

Im Laufe der Zeit kann es jedoch notwendig sein, mehr zu investieren, um weiter zu wachsen. Dabei ist wichtig zu wissen, dass Kosten nicht nur finanzieller Natur sind, sondern auch in Zeit gemessen werden. Jeder Aspekt eines Releases – vom Songwriting und Producing über das Artwork bis hin zur Analyse der Performance – erfordert enorme Mühe. Viele Artists beginnen ihre Karriere als Nebenprojekt zum normalen Job. Dieses Pendeln zwischen Erwerbsarbeit und der Verfolgung der eigenen Träume ist zwar lohnend, kann aber auch unglaublich anstrengend und stressig sein.

Selbstständigkeit bedeutet oft, viele Hüte gleichzeitig aufzusetzen. Das Marketing ist dabei eine der wichtigsten Aufgaben, denn es sorgt dafür, dass die Musik bekannter wird und die eigene Karriere Fahrt aufnimmt. Ohne die Promotion-Maschinerie eines Labels erfordert dies viel Kreativität, Beständigkeit und oft auch ein Budget, das aufstrebende Artists nicht immer haben. Ein Publikum von Grund auf aufzubauen, ist eine wertvolle Erfahrung, aber der Weg dorthin ist gepflastert mit viel Arbeit und Fehlern.

Es geht nicht nur um Finanzen, sondern auch um das Netzwerk. Labels haben über Jahrzehnte enge Beziehungen zu Radio-Stationen, Playlist-Redaktionen, Booking-Agenturen, Markenpartner:innen und Pressekontakten aufgebaut. Diese Ressourcen machen den Einstieg in die Branche oft einfacher. Unabhängige Artists können diese Beziehungen zwar auch aufbauen, aber es dauert meist länger und erfordert deutlich mehr Eigeninitiative.

Wie bereits erwähnt, haben viele moderne Artists eine unternehmerische Einstellung. Das ist für die Unabhängigkeit auch zwingend erforderlich: Um die eigene Karriere zu managen, muss man nicht nur kreativ sein und Kontakte knüpfen, sondern auch Verträge verstehen, den Cashflow verwalten, Steuern korrekt abführen und solide Geschäftsentscheidungen treffen. Wer unabhängig ist, baut eine Marke auf und führt damit ein Unternehmen. Das bringt Anforderungen mit sich, auf die nicht jede:r gleichermaßen vorbereitet ist.

Der Aufstieg unabhängiger Artists ist nicht nur ein Trend. Er spiegelt einen breiten Wandel darin wider, wie Karrieren heute aufgebaut und aufrechterhalten werden. Das einstige System, das von Major-Labels dominiert wurde, hat sich zu einem offeneren Ökosystem entwickelt. Artists haben heute mehr Zugang zu Tools, Publikum und Möglichkeiten als je zuvor.

Für einige ist die Unabhängigkeit eine bewusste Entscheidung, für viele andere einfach der Beginn ihrer Reise. In jedem Fall ist die Möglichkeit, Musik zu veröffentlichen, sich eine Fangemeinde aufzubauen und dabei die Kontrolle zu behalten, nicht mehr nur einer Elite vorbehalten. Es wird immer mehr zur Norm.

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Credits: Frank Ocean – Foto von András Ladocsi; Tinashe – Foto von Marissa Andrea; JoJo – Foto von Dennis Leupold; Tom Odell – Foto von Sounds Like Art, Arte Concert; Lorde – Foto von Thistle Brown; Chance the Rapper – Foto von Bethany Mollenkof