Por que os grandes artistas estão se tornando independentes (e o que isso significa para a indústria musical)

O início do setor fonográfico é geralmente associado à patente da tecnologia de fonógrafo de Thomas Edison no final do século XIX. Mas não se preocupe, não voltaremos tão longe na história. Ainda assim, sua invenção foi um passo fundamental para o que viria a se tornar o modelo tradicional do setor, que gira em torno de grandes selos.

Tecnicamente, a Columbia Records é considerada a primeira gravadora. Ela foi fundada em 1889 e permanece ativa até hoje - a menos que você conte a Edison's Records, que se referia a cilindros e não a uma lista de artistas como entendemos os selos hoje.

O desenvolvimento da gravação de som no início do século XX - juntamente com o surgimento da transmissão global de rádio - começou a interromper o domínio comercial das editoras de partituras. Entre as décadas de 1900 e 1920, a indústria fonográfica gradualmente ultrapassou as partituras como o principal motor da receita musical, com os selos emergindo como os participantes mais poderosos do negócio.

Durante décadas, esses grandes selos atuaram como guardiões. Elas rapidamente assumiram o controle da gravação, fabricação, distribuição, marketing e direitos dos artistas. Um exemplo notável dessa mudança pode ser visto em 1902, quando o cantor de ópera italiano Enrico Caruso assinou um contrato de gravação com a British Gramophone & Typewriter Company. Dois anos depois, ele assinou um contrato exclusivo crucial com a Victor Talking Machine Company, tornando-se uma das primeiras superestrelas globais da gravação, com mais de 250 discos e milhões em receita.

Ao longo do século XX, o modelo de selo se desenvolveu e se tornou o que reconhecemos hoje. Embora os primeiros selos se concentrassem principalmente em música clássica e popular (conforme definido na época), eles se expandiram junto com a própria indústria musical, representando uma gama crescente de gêneros - do rock e pop ao rhythm and blues, metal e muito mais.

O modelo clássico das grandes gravadoras funcionava da seguinte forma: uma gravadora contratava um artista, oferecia um adiantamento (essencialmente um empréstimo), cobria os custos de gravação, cuidava da distribuição e financiava campanhas de marketing. Em troca, o selo seria o proprietário das gravações fonográficas, ficaria com a maior parte da receita de reprodução e vendas e manteria o controle criativo sobre tudo, desde o prazo de lançamento até a capa do álbum.

Em teoria, era uma troca justa - investimento em infraestrutura, especialmente em uma época em que a distribuição física e as conexões com o setor eram essenciais. Mas isso também trazia limitações. Os artistas geralmente tinham controle limitado sobre sua direção criativa, cronogramas de lançamento, como sua música era comercializada e a propriedade de longo prazo (e, portanto, o legado) de seu trabalho.

Os problemas com o modelo tradicional não desapareceram, mas as circunstâncias que o tornaram necessário desapareceram. Como resultado, o relacionamento entre artista e selo - antes desequilibrado - está mudando para modelos mais colaborativos e favoráveis aos artistas, oferecendo aos músicos acordos mais favoráveis. Ao mesmo tempo, porém, as oportunidades para os artistas se expandiram para além do ambiente dos selos, incentivando muitos a construir suas carreiras de forma independente.

Vamos dar uma olhada nas mudanças que ocorreram no setor nos últimos anos.

Essa foi uma das principais mudanças na indústria musical. Na era física, para colocar sua música nas lojas, você precisava absolutamente de relacionamentos com os selos. Esse não é mais o caso! Hoje, qualquer artista pode fazer upload de um lançamento para o Spotify, Apple Music e centenas de outras plataformas por meio de um serviço de distribuição de música digital como o iMusician - geralmente por uma pequena taxa anual ou um custo modesto por lançamento. O alcance global não é mais uma vantagem exclusiva dos selos; você pode alcançá-lo de qualquer lugar em um instante.

Hoje em dia, a viralidade é imprevisível e, o que é mais importante, não estabelece nenhuma condição para que ela ocorra. As músicas podem se tornar virais globalmente sem promoção em rádio, campanhas de relações públicas ou orçamento de marketing de um selo. Os artistas estão aumentando seu público organicamente e, em alguns casos, fazendo isso mais rápido do que a máquina tradicional do setor jamais conseguiria - é claro, dependendo de fatores como estratégia e consistência, entre outros. De modo geral, os algoritmos não se importam se você tem contrato com a Universal ou se está lançando músicas de forma independente no seu quarto.

Plataformas como Bandcamp, Patreon, Even e Substack permitem que os artistas contornem os intermediários e ganhem receita diretamente de seus fãs - notavelmente, sem que um selo receba uma parte. Isso não se limita a discos de música; abrange tudo relacionado à música que os artistas agora podem monetizar livremente por conta própria. As principais oportunidades incluem mercadorias, conteúdo exclusivo, Assinaturas de fãs, Vendas de ingressos ao vivo e experiências digitais ou virtuais de alto valor.

Essas opções ajudam os artistas a obter margens de lucro mais altas - às vezes até dobrando sua renda com apenas uma pequena parte de seus fãs - enquanto mantêm o controle criativo, a liberdade de decisão e o acesso a dados valiosos dos fãs.

Hoje, os artistas mais jovens estão entrando no setor com uma mentalidade e uma compreensão completamente diferentes de como ele funciona. Eles não são "apenas" músicos com paixões criativas esperando para serem descobertos e contratados por um selo.

Em vez disso, muitos estão iniciando suas carreiras com uma abordagem focada nos negócios, reconhecendo que a arte não é apenas uma forma de autoexpressão, mas também um Produto que requer estratégia, marketing, planejamento financeiro e valor centrado no cliente. Eles estão criando seus próprios empreendimentos, detendo sua propriedade intelectual e pensando no valor do catálogo desde o primeiro dia - tudo isso mantendo sua autenticidade sem limites.

É importante que você reconheça que a independência não é uma coisa única. Alguns artistas optam por deixar o sistema de selos, outros nunca entram nele e alguns encontram maneiras criativas de trabalhar adjacentes a ele em seus próprios termos. O melhor dos caminhos desses artistas é que cada um deles conta uma narrativa diferente, o que permite que qualquer outro artista que esteja trilhando seu próprio caminho se inspire e aplique isso à sua própria história.

Alguns dos casos mais convincentes de independência vêm de artistas que têm experiência em primeira mão com o sistema de selos e depois decidem sair (alguns temporariamente, outros permanentemente). Você pode argumentar que sair de um selo depois de alcançar um grande sucesso é muito fácil. No entanto, é importante reconhecer que até mesmo os maiores e mais bem-sucedidos artistas se beneficiam da infraestrutura e do suporte financeiro fornecidos pelos selos, de modo que se manter por conta própria ainda significa entrar no desconhecido e enfrentar riscos potenciais sozinho.

Vamos começar com talvez o caso mais interessante e lendário de um artista que lutou por sua independência: Prince. Sua disputa de um ano com a Warner Bros. começou na década de 1990 e se concentrou na liberdade criativa e na propriedade de suas masterizações. Sentindo-se limitado, ele mudou seu nome para um símbolo impronunciável (o chamado "Símbolo do Amor") e começou a fazer aparições públicas com "ESCRAVO" escrito em seu rosto. Ele acabou sendo lançado de seu contrato com a Warner em 1996, mas, notoriamente, assinou alguns contratos de um único disco com outros selos e, finalmente, reconciliou-se com a Warner Music em 2014, retornando ao selo e ganhando a propriedade de suas masterizações em um acordo histórico.

Frank Ocean talvez seja o exemplo definitivo de sua geração. Com contrato com a Def Jam, Ocean passou anos em um impasse legal e criativo antes de lançar Blonde em 2016 por meio de seu próprio selo, Boys Don't Cry. Ao mesmo tempo, ele cumpriu seu contrato com a Def Jam com um álbum visual, Endless, e depois se afastou, primeiro negociando a compra de suas masterizações. A mudança foi calculada e ousada, tornando-se um sucesso comercial e de crítica em seus termos, e permitiu que ele assumisse o controle de sua direção criativa, cronograma de lançamentos e ganhos maiores com as reproduções.

Tinashe assinou pela primeira vez um contrato com a RCA Records em 2012 e, embora o relacionamento tenha produzido três álbuns bem recebidos, o último projeto foi marcado por uma frustração crescente com o selo, causada em parte por atrasos e diferenças criativas. Ela acabou saindo em 2019, descrevendo-a como uma separação amigável, e desde então lançou alguns de seus trabalhos mais criativos e aventureiros de forma independente.

Ao contrário de Tinashe, JoJo teve uma saída muito menos amigável de seu selo. Ela entrou com um processo contra a Blackground Records e sua gravadora Da Family Entertainment duas vezes em quatro anos por estagnar sua música e causar "danos irreparáveis à sua carreira profissional". Como ela assinou um contrato pela primeira vez em 2003, aos 12 anos de idade, seu caso também aumentou a conscientização sobre a complexidade e o escrutínio envolvidos no lançamento de músicas por um selo por menores de idade. A disputa legal acabou sendo resolvida com um acordo fora do tribunal. Mais tarde, JoJo assinou um contrato com a Atlantic Records, mas acabou se tornando independente e começou a lançar suas músicas por meio de seu empreendimento, a Clover Music, em 2017. Em 2018, ela regravou e lançou seus primeiros álbuns para reivindicar a propriedade depois que suas gravações originais foram suprimidas.

Lorde é um dos mais novos grandes artistas que optaram por se tornar independentes. Em uma série de notas de voz da Community compartilhadas com os fãs em março de 2026, ela revelou que seu contrato de anos com a UMG - assinado pela primeira vez em 2009 - expirou no final de 2025, dando a ela uma nova "lousa em branco" e uma oportunidade de explorar seu verdadeiro eu e sua criatividade - algo que ela não podia realmente fazer quando assinou aos 12 anos. No entanto, Lorde descreveu seu tempo com a UMG como uma experiência incrível e não descartou a possibilidade de assinar com um selo, possivelmente até com a Universal, no futuro.

Tom Odell cumpriu seu contrato com a Sony em 2021, marcando o início de sua jornada independente. Ele criou seu próprio selo independente, UROK Management (em parceria com a Virgin Music), e lançou três álbuns desde então. Ele descreveu a mudança como sendo Grátis, dizendo que isso lhe permitiu fazer músicas mais pessoais e autênticas, sem a pressão de produzir algo para persuadir um grande selo a lançá-lo. Você pode ver isso em sua própria música.

Raye literalmente tomou conta do cenário musical em 2023, quando seu single Escapism se tornou viral nas mídias sociais e seu álbum de estreia, My 21st Century Blues (2023), recebeu muitos elogios da crítica. Sua ascensão à fama, há muito esperada, também destacou a dura realidade de alguns artistas que assinam contrato com grandes selos e acabam sendo deixados de lado. Ela assinou um contrato de quatro álbuns com a Polydor em 2014, mas na verdade não teve permissão para lançar um álbum por sete anos - abrangendo todo o período em que esteve com a Polydor até deixar o selo em 2021. Ela comemorou o lançamento de seu primeiro álbum instalando uma exibição escultural de alto-falantes e instrumentos brancos quebrados (essencialmente a capa de seu álbum) diretamente em frente aos escritórios da Polydor em Londres.

Além dos artistas que assinaram com um selo e depois optaram por se tornar independentes, há aqueles que provaram que você não precisa de um grande contrato com uma gravadora para chegar ao topo. Eles construíram suas carreiras de forma independente desde o início e, mesmo quando lhes foram oferecidos contratos com grandes selos, optaram por permanecer na cena DIY.

Chance the Rapper fez história em 2017 ao se tornar o primeiro artista sem contrato e somente para reprodução a ganhar um Grammy de Álbum do Ano, levando para casa o prêmio de Melhor Álbum de Rap por sua mixtape Coloring Book. Notavelmente, seu single No Problem (com participação de 2 Chainz e Lil Wayne) também ganhou o prêmio de Melhor Performance de Rap. Até hoje, ele lançou todas as suas músicas de forma independente, mantendo 100% de seus direitos e propriedade, e construindo sua carreira em torno de uma base de fãs ferozmente leal por meio da autenticidade e da Community.

Macklemore & Ryan Lewis autofinanciaram The Heist e o lançaram de forma independente em 2012. O álbum vendeu milhões de cópias, produziu vários singles de platina e ganhou quatro prêmios Grammy - tudo isso sem um contrato com um grande selo. Notavelmente, Macklemore continuou sua jornada como artista independente, lançando suas músicas por meio de serviços de distribuição e publicação com suporte, em vez de assinar com um grande selo. Ele é considerado um dos artistas independentes mais bem-sucedidos, tendo alcançado sucesso multi-platina e ganhador do Grammy.

A rapper britânica Little Simz construiu toda a sua carreira de forma independente, lançando discos aclamados pela crítica por meio de seu próprio selo, AGE 101 Music. Seu quarto álbum, Sometimes I Might Be Introvert, foi considerado o melhor álbum de 2021 por várias publicações e até ganhou o prestigioso Mercury Prize em 2022. Ela declarou em uma entrevista que, embora tenha tentado, nenhum selo importante quis contratá-la no início de sua carreira e, à medida que foi obtendo mais sucesso, sentiu que as ofertas de contrato que recebeu tinham o objetivo de limitar sua arte. Por esse motivo, ela permaneceu independente, lançando suas músicas por conta própria até hoje.

Muitas das histórias de artistas que escolhemos para este artigo estão ligadas a temas como liberdade criativa limitada, autoexpressão e questões de propriedade relacionadas a contratos com selos. Esses são apenas alguns motivos comuns pelos quais os artistas costumam deixar seus selos. Vamos dar uma olhada mais de perto nesses motivos - e em alguns outros.

A propriedade das gravações fonográficas é a base de tudo no setor musical. As masterizações são as gravações originais, e quem as detém controla como são licenciadas, onde aparecem e o que ganham com o tempo. Conforme discutido anteriormente, durante décadas, esperava-se que os artistas cedessem suas masterizações às gravadoras como condição para garantir um contrato.

O ponto de virada cultural moderno nessa questão ocorreu com Taylor Swift. Em 2019, seu antigo selo, Big Machine, juntamente com as masterizações de seus seis primeiros álbuns de estúdio (e gravações, vídeos e capas relacionadas), foram vendidos para a empresa de Scooter Braun sem seu envolvimento, consentimento ou a oportunidade de comprá-los. Posteriormente, Braun vendeu os direitos para uma empresa de capital privado, a Shamrock Holdings, Inc. - notavelmente, sob a condição de que ele continuasse a lucrar com os direitos. Swift reagiu regravando todo o seu catálogo para criar versões de sua propriedade, obtendo sucesso comercial e elogios da crítica.

Sua luta altamente divulgada pela propriedade de sua música provocou um amplo debate sobre os direitos dos artistas, propriedade intelectual, capital privado e ética do setor, influenciando não apenas os membros do setor, mas também os ouvintes. Milhões de fãs de música que nunca haviam pensado em acordos de publicação de repente se interessaram pelo assunto e expressaram suporte aos direitos dos artistas. Em maio de 2025, ela reivindicou suas masterizações da Shamrock, ganhando a propriedade de todo o seu trabalho.

Diferentemente dos artistas tradicionais, os músicos independentes normalmente mantêm suas masterizações por padrão. Isso significa que o catálogo que eles criaram ao longo de suas carreiras pertence a eles e pode aumentar de valor com o tempo. Seja você diretamente motivado pela disputa de masterização de Swift ou não, para muitos artistas, a capacidade de possuir sua arte acaba se tornando um motivo importante para escolher a independência.

As conversas sobre controle criativo podem parecer abstratas até que os artistas compartilhem como é realmente a vida no selo. Vimos isso nas histórias de Jojo ou Raye: datas de lançamento adiadas por anos, álbuns suspensos indefinidamente, singles escolhidos por um comitê, capas rejeitadas ou som moldado pelo que o A&R achava que seria lançado.

O lançamento de músicas sob um contrato pode se tornar uma batalha constante para criar algo autêntico, permitir a autoexpressão e também atender à visão do selo e, o mais importante, vender discos. Às vezes, os artistas não conseguem lançar músicas porque sua arte - não importa o quanto eles a ajustem - não corresponde às demandas comerciais do selo, que mudam com frequência. Em outros casos, quando a pessoa que originalmente assinou com eles deixa a empresa, os artistas podem se encontrar sem suporte ou defesa interna.

A independência elimina muitas dessas restrições. Os artistas decidem quando fazer o lançamento, como será o som, como será a capa e como será apresentado ao mundo. Para muitos, esse nível de controle é essencial para criar um trabalho que pareça honesto e sustentável.

A economia da reprodução tem sido infinitamente debatida, mas o princípio básico permanece simples: os artistas independentes retêm uma parte muito maior de seus ganhos. Em um contrato típico com um grande selo, um artista pode receber de 15% a 20% da receita de gravação, somente depois de recuperar o adiantamento. Na realidade, muitos artistas nunca recuperam nada.

Com as plataformas de distribuição digital, os artistas independentes podem ficar com 80% a 100% de sua receita de reprodução, dependendo do serviço. As taxas por reprodução são as mesmas, mas a divisão da receita - e, portanto, o resultado - pode ser muito diferente.

Um dos benefícios mais negligenciados da independência é a conexão direta que ela permite entre os artistas e seu público. Sem um selo no meio, os artistas podem criar suas próprias comunidades - por meio de listas de e-mail, plataformas de fãs, mídias sociais e eventos - e realmente possuir esses relacionamentos.

Os dados primários (saber quem são seus fãs, onde eles estão e como eles se envolvem) estão se tornando mais valiosos. Com eles, os artistas podem vender diretamente, comunicar-se sem algoritmos e desenvolver o tipo de fidelidade dos fãs que sustenta suas carreiras por décadas. Os selos, por natureza, não compartilham esses dados.

É verdade que muitos artistas independentes, quando podem, trabalham com serviços externos para lidar com a promoção de suas músicas. Ainda assim, mesmo essa relação muitas vezes parece mais genuína e cheia de liberdade do que ter os selos fazendo isso.

O ciclo tradicional de lançamento de álbuns, centrado na distribuição física, nas campanhas de rádio e nas vitrines de varejo, era lento por definição, e um álbum podia levar anos para ser lançado. Isso geralmente significava que uma oportunidade de capitalizar uma tendência poderia facilmente desaparecer enquanto você aguardava as aprovações.

O cenário atual de reprodução costuma ser mais rápido, permitindo que os artistas anunciem a data de lançamento com bastante antecedência e planejem as campanhas de marketing de acordo. Ainda assim, muitas vezes há obstáculos ou condições estabelecidas pelo selo que podem atrasar ou complicar o processo, ou até mesmo impedir que os artistas escolham suas próprias datas de lançamento.

Algo que ainda não mencionamos, e que é importante reconhecer, é que os artistas frequentemente competem não apenas com artistas de outros selos, mas também com outros artistas do mesmo selo. Nesses contextos, alguns artistas podem receber mais oportunidades, confiança e privilégios - geralmente com base em seu sucesso comercial anterior - resultando em restrições de tempo e criatividade para outros.

Os artistas independentes, por outro lado, podem se mover na velocidade da Internet. Uma faixa pode ir da ideia ao upload de lançamento em apenas alguns dias, permitindo que eles sincronizem sua programação de lançamento com momentos culturais, demanda do público e seu próprio ritmo criativo. Seja um lançamento surpresa, um remixer oportuno ou uma resposta rápida a um momento viral, essa flexibilidade pode proporcionar a você uma vantagem competitiva real no ambiente acelerado de hoje.

Já falamos bastante sobre o que mudou no setor e que ajudou os artistas a abandonar ou evitar o modelo tradicional de selo, mas é importante falar especialmente sobre a infraestrutura que existe agora para dar suporte aos artistas independentes em cada estágio de sua carreira.

Nos últimos dois anos, as plataformas de distribuição de música digital se tornaram a espinha dorsal da música independente moderna. Elas permitem que qualquer artista coloque sua música em todos os principais serviços de streaming do mundo (muitas vezes ao lado de plataformas específicas por gênero, por exemplo, para música clássica e eletrônica), receba seus royalties e mantenha todos os direitos sobre suas gravações - sem precisar de qualquer tipo de relacionamento com um selo.

Além da distribuição, os artistas independentes hoje têm acesso a ferramentas para a administração de publicações (garantindo que os royalties de composição sejam recolhidos), coleta de direitos de vizinhança, monetização do Content ID do YouTube, análise de música e pitching de playlist. Esses são praticamente todos os serviços que antes estavam disponíveis exclusivamente por meio do sistema de grandes selos.

Em vez de se esforçarem para assinar - ou continuar - um contrato, muitos artistas hoje se concentram em criar uma equipe sustentável que os ajude a gerenciar todos os aspectos de suas carreiras. Os artistas independentes mais bem-sucedidos trabalham com gerentes independentes, agentes de reservas, profissionais de RP e marketing e advogados especializados em música, montando sua própria infraestrutura em vez de depender de um selo independente. A diferença é que cada um desses relacionamentos é feito nos termos do artista, e não em um acordo que também reivindica a propriedade de sua produção criativa.

Em resumo, a independência é, em grande parte, possibilitada por essa infraestrutura. As ferramentas existem. O que os artistas trazem é a visão e a vontade de administrar suas carreiras como um negócio.

Até agora, discutimos os motivos e principalmente os benefícios de se tornar independente. Entretanto, seria certamente desonesto fazer com que a independência parecesse fácil e direta. Porque não é, e ignorar os desafios seria um desserviço para qualquer artista que esteja considerando esse caminho.

O problema mais imediato é o investimento inicial. Os selos fornecem adiantamentos porque os discos custam dinheiro para serem produzidos, promovidos e distribuídos. Os artistas independentes precisam economizar, ter uma renda alternativa ou um plano realista para financiar seus lançamentos.

Agora, a boa notícia, como já discutimos, é que a infraestrutura da cena independente atual, dominada por distribuidores, torna mais fácil para qualquer pessoa lançar e promover sua música sem precisar de serviços especializados, pelo menos no início da carreira. Muitos distribuidores, como a iMusician, oferecem uma ampla gama de ferramentas poderosas para que você promova, analise e monetize sua música.

No entanto, talvez seja necessário mais investimento ao longo do tempo, à medida que sua carreira avança e você deseja continuar crescendo. Também é importante reconhecer que os custos não são apenas financeiros; eles também podem ser medidos em termos de tempo. Gerenciar todos os aspectos de um lançamento - desde a composição e a gravação até a produção, o design da capa, o lançamento, a promoção e a análise do desempenho - exige tempo e esforço significativos. Naturalmente, muitos artistas iniciam suas carreiras como projetos paralelos enquanto mantêm um emprego fixo, o que geralmente significa alternar entre ganhar dinheiro e perseguir seus sonhos. Isso é gratificante, mas também pode ser incrivelmente exaustivo e estressante.

Acabamos de mencionar que ser independente geralmente significa fazer as coisas por conta própria, o que basicamente envolve usar vários chapéus ao mesmo tempo. O marketing, talvez, seja um dos mais importantes, pois funciona como um impulso para tornar a música mais conhecida, vendê-la e, por fim, desenvolver a carreira.

Sem o maquinário de promoção de um selo, fazer com que a música seja ouvida requer criatividade, consistência e, muitas vezes, um orçamento que os artistas emergentes simplesmente não têm. Construir um público do zero muitas vezes se torna uma experiência incrível e uma oportunidade de aprendizado, mas a jornada exige muito trabalho, erros (e tempo).

Não se trata apenas das finanças e dos serviços que um selo oferece, mas também de sua rede. Ao longo dos anos, os selos construíram relacionamentos sólidos com programadores de rádio, editores de playlists, agentes de reserva, parceiros de marca e contatos de imprensa. Todos esses recursos são acessíveis aos artistas contratados, o que facilita a entrada no setor (embora nem sempre).

Isso não significa que os artistas independentes não possam, eventualmente, desenvolver esses relacionamentos, mas isso geralmente leva mais tempo e requer mais iniciativa e esforço ativo.

Mencionamos no início deste artigo que muitos dos artistas de hoje têm uma mentalidade de artista como negócio, abordando a música mais como um negócio do que apenas como uma carreira artística. Isso, por si só, pode ser um desafio significativo para os artistas independentes. Além de criar e promover a música e cultivar conexões que possam ajudar você a progredir, gerenciar sua própria carreira musical também exige a compreensão de contratos, o gerenciamento do fluxo de caixa, a declaração correta de impostos e, o mais importante, a tomada de decisões comerciais sólidas.

A ascensão de artistas independentes não é apenas uma tendência; ela reflete uma mudança mais ampla na forma como as carreiras musicais são construídas e sustentadas atualmente. O que antes era um sistema dominado por guardiões na forma de grandes selos evoluiu para um ecossistema mais aberto, onde os artistas têm mais acesso a ferramentas, públicos e oportunidades do que nunca.

Para alguns, a independência é uma escolha consciente. Para muitos outros, é simplesmente onde sua jornada começa. De qualquer forma, a capacidade de lançar músicas, criar uma base de fãs e manter o controle não está mais reservada a poucos selecionados. Em vez disso, está se tornando cada vez mais a norma.

A iMusician oferece distribuição de música digital, Music Analytics, Monetização do YouTube e tudo o mais que você precisa para lançar sua música profissionalmente, manter a propriedade total dos seus direitos e transformar seu trabalho em uma carreira sustentável.

Créditos: Frank Ocean - Foto de András Ladocsi; Tinashe - Foto de Marissa Andrea; JoJo - Foto de Dennis Leupold; Tom Odell - Foto de Sounds Like Art, Arte Concert; Lorde - Foto de Thistle Brown; Chance the Rapper - Foto de Bethany Mollenkof