La historia y la evolución de la música electrónica (y sus subgéneros)

La música electrónica puede caracterizarse como un género musical que se crea y produce utilizando instrumentos electrónicos y electromecánicos, diversos instrumentos digitales o la llamada tecnología musical basada en circuitos. Los instrumentos de música electrónica pueden incluir un oscilador electrónico, un theremin o un sintetizador, mientras que los equipos electromecánicos pueden abarcar el órgano Hammond, el piano electrónico o la guitarra electrónica.

En general, la música electrónica puede realizarse a partir de una gran variedad de recursos sonoros, desde osciladores electrónicos básicos, diversas instalaciones y programas informáticos complejos, hasta microprocesadores. Estos sonidos se graban y editan en una cinta y luego se transforman en una forma permanente que se reproduce mediante altavoces, solos o en combinación con instrumentos musicales ordinarios.

Aunque algunos afirman que el primer instrumento de música eléctrica, el Golden Dionysus, se desarrolló posiblemente en 1748, marcando el nacimiento de la música electrónica, es más probable que el género se originara, en el sentido más amplio, en el paso del siglo XIX hacia el XX. En esa época, la electrónica emergente permitió la experimentación con los sonidos y, posteriormente, con los dispositivos electrónicos. Como resultado, se desarrollaron varios instrumentos electrónicos, como el Telharmonium (un órgano eléctrico desarrollado en 1896), y más tarde, en las décadas de 1920 y 1930, el órgano Hammond (un órgano electrónico), el Ondes Martenot (un primer dispositivo electrónico que se tocaba con teclados o un anillo a lo largo de un cable), el Trautonium (un primer sintetizador electrónico) o el theremin (un invento electrónico desarrollado en 1930).

Estas innovaciones tempranas se utilizaron primero para demostraciones e interpretaciones públicas, ya que en la mayoría de los casos eran demasiado complejas, poco prácticas e incapaces de crear un sonido de cierta magnitud y profundidad. Más tarde, con la invención de los tubos de vacío, se pudieron desarrollar instrumentos más pequeños, amplificados y prácticos que fueron apareciendo en las nuevas composiciones.

Un punto de inflexión para la industria musical en general fue la invención del fonógrafo (posteriormente conocido como gramófono) creado, de forma separada, por, Thomas Alva Edison y Emile Berliner alrededor de la década de 1870/1880. Los fonógrafos fueron el primer medio de grabación y reproducción de archivos de audio (los sonidos podían capturarse y guardarse para su uso futuro) y marcaron el inicio de la industria discográfica que conocemos hoy.

Poco a poco, los tocadiscos se convirtieron en un artículo doméstico común, y con ello hacia 1925 se introdujeron las grabaciones eléctricas, hoy conocidas como discos de fonógrafo.

En la década de 1930 se realizaron más experimentos con tocadiscos que condujeron al desarrollo de la tecnología como el control de la velocidad del sonido y el sonido para películas, así como a la creación del collage sonoro y sonido gráfico. Estas tecnologías se utilizaron en la composición de las primeras bandas sonoras de películas, sobre todo en Alemania y Rusia. En 1935 se inventó la primera cinta de audio práctica, lo que supuso un punto esencial en el desarrollo histórico de la música electrónica.

Aunque se inventó a mediados de los años 30, hubo que seguir desarrollando y mejorando la tecnología de grabación en cinta. Las primeras grabaciones de prueba realizadas en estéreo se desarrollaron en 1942 en Alemania, pero se trajeron a EE.UU. justo después de la Segunda Guerra Mundial y la primera grabadora de cinta para uso comercial se acondicionó en 1948. Los compositores utilizaron este nuevo instrumento para seguir experimentando musicalmente a lo largo de la década de 1950. En esa época, la atención se centró en el desarrollo de la técnica y los estilos musicales, con una fuerte influencia en los estilos y la música de vanguardia. Después de que los músicos y artistas se familiarizaran más o menos con la grabadora, muchas composiciones de importancia histórica cobraron vida, a lo que siguió la utilización del medio en interpretaciones en vivo.

Después de que las grabadoras de cinta obtuvieran reconocimiento, y apoyo financiero, se crearon en Europa los primeros estudios de música electrónica bien establecidos, principalmente en instalaciones de radiodifusión de propiedad y apoyo gubernamental. No fue hasta 1958 cuando los innovadores estadounidenses pudieron alcanzar a sus colegas europeos en cuanto a la creación de estudios y otras innovaciones musicales, tanto tecnológicas como artísticas.

En 1948, dos compositores franceses, Pierre Schaeffer y Pierre Henry, inventaron en París, Francia, la musique concrète, una práctica única y un tipo de composición musical, en el Studio d'Essai de Radiodiffusion Française (RDF). La técnica de la Musique concrète consistía en la creación de collages de cintas o montajes de sonidos grabados. Todos estos sonidos -por ejemplo, efectos sonoros, fragmentos musicales, voces y otros sonidos o ruidos producidos por un individuo y su entorno- se consideraban materias primas "concretas" extraídas de medios y situaciones "concretas". Por lo tanto, la música concrète se oponía al uso de osciladores por considerarlos "artificiales", "antihumanistas" y, por lo tanto, no eran fuentes de sonido "concretas".

Más que un estilo o un movimiento musical, la musique concrète podría considerarse como un conjunto de diversas formas de transformar el sonido y crear música, utilizando técnicas y manipulaciones de cintas como la alteración y variación de la velocidad (también llamada pitch shifting), el corte de cintas, la reproducción de cintas al revés o los loops del feedback de la señal. La primera composición importante de música concreta fue la Sinfonía para un hombre solo, escrita en 1950 por Schaffer y Henry. La otra obra importante del movimiento fue la partitura de ballet de Henry, Orphée, de 1953.

Karlheinz Stockhausen, quien trabajó poco tiempo en el estudio de Schaeffer en 1952, tenía una idea diferente de las formas en que se podían transformar y alterar los sonidos y la música, por lo que se unió al Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia, creado por Herbert Einer. En lugar de sonidos "concretos", Stockhausen hizo hincapié en los sonidos puros generados electrónicamente y se centró en las modificaciones electrónicas del sonido más que en la manipulación de cintas. Lo que quería conseguir, a través de las alteraciones del sonido, como el filtrado y la modulación, eran auténticas composiciones eléctricas más acústicas, es decir, instrumentos acústicos alterados y acompañados por sonidos modificados y producidos electrónicamente.

Esto marcó el nacimiento de la Elektronische Musik, una rama alemana de la música electrónica que, a diferencia de la musique concrète, enfatizaba la grandeza y la "pureza" de los sonidos electrónicos y la necesidad de combinar la música electrónica con una composición en serie que utiliza ritmos, grupos ordenados de tonos y otros elementos musicales.

Tanto el Studio d'Essai como el de Colonia fueron ejemplos para los estudios de música electrónica de la época y, por lo tanto, fueron ampliamente imitados en toda Europa. Esta tendencia continuó a lo largo de la década de 1960 y se crearon muchos más estudios en los principales centros urbanos de Europa antes de llegar a la cultura de los Estados Unidos.

El nacimiento de la música electrónica en Estados Unidos comenzó probablemente en 1939, cuando un músico, John Cage, publicó su composición, Imaginary Landscape, No. 1, en la que utilizaba diversos medios y fuentes de sonido, como dos giradiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, un piano con sordina y un platillo. Para la composición no se utilizaron medios electrónicos de producción. Sin embargo, en general, la producción de música electrónica en los Estados Unidos era más bien escasa y esporádica, que duró hasta aproximadamente 1958.

Los únicos trabajos de importancia que sobrevivieron en el ámbito de la música electrónica fueron dos proyectos emprendidos por Cage y dos compositores de la Universidad de Columbia, Otto Luening y Vladimir Ussachevsky. Entre 1942 y 1958, Cage completó Williams Mix (1952) y Fontana Mix (1958) y compuso otros 5 Imagery Landscapes, escritos en su mayoría para discos de prueba de la RCA y conjuntos de percusión. También formó The Music for Magnetic Tape Project junto con otros compositores y miembros de la Escuela de Nueva York, como Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman. El objetivo del proyecto era experimentar con la grabación de sonidos electrónicos y naturales, combinándolos con la música instrumental, la danza y las artes visuales.

El objetivo del proyecto dirigido por Luening y Ussachevsky era crear un estudio de cinta profesional que demostrara las capacidades y posibilidades musicales de la cinta como medio. Junto con Milton Babbitt, los dos compositores crearon en 1959 el Columbia-Princeton Electronic Music Center (hoy conocido como Computer Music Center o CMC), que se ha convertido en el centro de investigación de música electrónica y computacional más antiguo de Estados Unidos. Después de 1958, se crearon más estudios en toda la región de Norteamérica, como el Estudio de Música Experimental de la Universidad de Illinois y el Estudio de la Universidad de Toronto en 1959. El establecimiento de estas instalaciones permitió que tanto la producción como la enseñanza de la música electrónica evolucionaran y avanzaran.

El equipo en los estudios de música electrónica también se fue desarrollando y cambiando, incluyendo diversas fuentes de sonido (ondas sinusoidales, ondas cuadradas, micrófonos, etc.), monitores y equipos de control de calidad (analizador de espectro, osciloscopio, amplificadores de potencia), sistemas de grabación y reproducción, circuitos de enrutamiento y mucho más. Con estos equipos de estudio, los músicos y compositores podían grabar sonidos, tanto electrónicos como microfónicos, y modificar esos sonidos al realizar operaciones como modulación, reverberación y filtrado.

Durante la década de 1950, los instrumentos musicales electrónicos japoneses empezaron a tener una fuerte influencia en la industria musical internacional. Varios fabricantes japoneses, como AceTone, Korg, Matsushita, Roland y Yamaha, desarrollaron sus propias versiones de dispositivos musicales electrónicos. Entre ellos se encontraban los instrumentos de percusión, las Mini Pops (los primeros drum machines), los órganos eléctricos (por ejemplo, la Yamaha Electone) o los sintetizadores.

En particular, los sintetizadores y los drums machines desarrollados por Roland Corporation ejercieron una gran influencia durante las siguientes décadas y la propia empresa fue uno de los actores más destacados a la hora de configurar y convertir la música popular y la música electrónica en lo que es hoy. Otro papel importante en el desarrollo de la música electrónica fue el desempeñado por la empresa Matsushita (ahora Panasonic), que inventó y desarrolló los primeros tocadiscos de transmisión directa, lo que condujo al establecimiento del tocadiscos, el arte de manipular y formar sonidos y crear nueva música, efectos de sonido, mezclas y otros ritmos. La versión posterior de los tocadiscos de Matsushita (Technics SL-1200) fue ampliamente desarrollada por los artistas de Hip Hop y fue uno de los tocadiscos más populares en la cultura de los DJ. Además, los primeros sintetizadores totalmente digitales fueron lanzados por la empresa Yamaha en 1983.

A finales de la década de 1960 se produjo el auge de la música electrónica popular y su fusión con otros géneros musicales, especialmente el pop y el rock, lo que dio lugar a la creación de nuevos géneros. Músicos de renombre de la época, como los Beatles o los Beach Boys, empezaron a integrar en su sonido instrumentos electrónicos, como el theremin o el Mellotron. Géneros como el rock electrónico y la electrónica fueron promovidos por el dúo estadounidense Silver Apples y grupos de rock experimental, como White Noise y United States of America, que se caracterizaron por añadir osciladores y sintetizadores a su sonido psicodélico. En los años 70, el rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, como Osamu Kitajima y Isao Tomita.

Los sintetizadores Mood se hicieron especialmente populares entre los grupos de rock progresivo, como Pink Floyd, Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer. Un nuevo subgénero del rock progresivo, el krautrock (también conocido como kosmische Musik), nació en Alemania Occidental a finales de los años 60 y principios de los 70, representado por destacados artistas como Tangerine Dream, Can, Faust y, sobre todo, Kraftwerk.

La música new-age y la música ambiental, especialmente el ambient dub, se desarrollaron a principios y mediados de los años 70 por el impacto de la creciente música artística electrónica. La música de la nueva era estuvo fuertemente influenciada por varios artistas, en su mayoría nacidos en Europa, como el compositor francés Jean Michel Jarre, el músico alemán Klaus Schulze o el compositor griego Vangelis. El ambient dub fue promovido por varios músicos sonoros jamaicanos como King Tubby, y posteriormente adoptado por otros artistas internacionales como Dreadzone, The Orb u Ott.

Después de que la música disco se hiciera muy popular (durante un periodo de tiempo bastante corto) en la década de los 70, a finales de la década de los 70 y principios de los 80 surgió el synth-pop, con el sintetizador como instrumento musical dominante. El subgénero se estrenó y recibió una gran influencia de músicos como Ultravox con la canción "Hiroshima Mon Amour" (1977), Depeche Mode con una pista llamada "Dreaming of Me" (1980) y New Order con su canción "Ceremony" (1981). Otros grupos clave fueron Eurythmics, Duran Duran, Yazoo y Spandau Ballet.

Más tarde, el synth-pop se hizo ampliamente conocido en todo el mundo presentando artistas nuevos y muy reconocidos, como Lime y Men Without Hats de Canadá; Propaganda, Sandra y Modern Talking de Alemania o Yello de Suiza, y Telex de Bélgica. El sonido del synth-pop también se convirtió en el rasgo definitorio del Italo-disco. Los sintetizadores de teclado se extendieron tanto que incluso los grupos de rock heavy metal los incorporaron a su música. Grupos como Van Halen, con su pista "Jump" (1983), y Europe, con la conocida canción "The Final Countdown" (1986), lograron un gran éxito mundial.

También fue importante en la década de 1980 la invención de la Interfaz Digital para Instrumentos Musicales (MIDI), una norma técnica que describe y estandariza un protocolo de comunicación, la interfaz digital y los conectores eléctricos entre diversos instrumentos musicales electrónicos, programas informáticos y otros dispositivos de audio para grabar, editar y reproducir música. El MIDI se finalizó en 1983 y la tecnología facilitó mucho el desarrollo del sonido puramente electrónico.

El amplio éxito del synth-pop continuó durante toda la década de los 80 acercándose cada vez más a la música de baile, con los espectáculos más destacados como Pet Shop Boys, Erasure y The Communards. Sin embargo, la década de 1980 se caracterizó sobre todo por el desarrollo y la creciente popularidad de la música electrónica de baile (EDM) y, gradualmente, de sus subgéneros, como el house, el techno, el acid house, el trance y muchos más.

A finales de la década de 1980, la EDM se ganó la reputación de "música para drogarse" y el género, que hoy en día se utiliza como término paraguas para otros subgéneros, se instaló en clubes y en muchos lugares clandestinos, gimnasios, campos o almacenes, en toda Europa. En 1987, un DJ británico, Danny Ramplimg, empezó a organizar una fiesta semanal, llamada Shoom, en uno de los gimnasios de Londres, y pronto este tipo de fiestas, que a menudo se celebraban de forma ilegal, se extendieron a otros países europeos, sobre todo a Alemania. Allí, en la ciudad de Frankfurt, nació otro importante subgénero, el trance.

A finales de la década de los 90, la escena "rave" se asemejaba a la actual y el desarrollo gradual de la EDM y sus subgéneros, permitió que el estilo musical progresara y acabara convirtiéndose en una parte esencial de la industria musical dominante como nunca antes. Asimismo, la electrónica, término que engloba los géneros electrónicos destinados a la escucha y no estrictamente al baile, se hizo popular en la escena musical británica. Los artistas más conocidos de estas subculturas fueron, por ejemplo, Astralwerks, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, DJ Keoki y Sims.

El género de la música electrónica en las décadas de 2000 y 2010 estuvo fuertemente marcado por los avances tecnológicos y la invención y mayor accesibilidad de la tecnología informática y el software musical. No solo se introdujeron muchas innovaciones tecnológicas en el nuevo milenio, como los CD o DVD (que sustituyeron a los discos de vinilo), sino que también surgieron en el mercado otros productos relevantes, como la estación de trabajo de audio digital (DAW) Ableton Live (2001) o la emulación de estudio Reason (2000). Estos dispositivos han proporcionado alternativas menos complejas, más rentables y viables a los estudios de producción tradicionales basados en hardware y, por tanto, se ha hecho posible producir música de alta calidad utilizando simplemente algo más que una computadora portátil. En particular, Ableton Live está considerada como una de las primeras aplicaciones musicales que permite ajustar automáticamente el ritmo de una canción y ha sido ampliamente utilizada por los DJ para sus espectáculos y conciertos en directo, así como para componer, grabar y masterizar un disco.

La popularidad de la música electrónica y sus subgéneros fue creciendo a lo largo de la primera década del siglo XXI. Músicos y productores como David Guetta, Daft Punk, Tiësto o Skrillex recibían elogios internacionales y, a finales de la década de 2000, todos los DJ de renombre actuaban regularmente en los mayores estadios de Estados Unidos (principalmente Los Ángeles) y Europa. Además, los años 2000 y 2010 también experimentaron el auge de los festivales y fiestas comerciales a gran escala, como Tomorrowland en Bélgica, el Weekend Festival en Estonia, el Ultra Music Festival en Florida y el Electric Daisy Carnival en Las Vegas.

Actualmente, sobre todo en 2022, la industria de la música electrónica parece estar de nuevo en ebullición, incluso después de sufrir una enorme pérdida financiera en 2020. El valor de la industria ha crecido en un total de 16 países, liderado por el aumento de la cuota de mercado sobre todo en el Reino Unido y Alemania. Además, la música electrónica grabada ha crecido hasta un 18%, con un aumento de las ventas en formato físico por primera vez en 20 años, y los ingresos de los artistas y los DJs han subido un 111%.

Como ya hemos dicho, la música electrónica es uno de los géneros musicales más amplios que existen y puede utilizarse como término paraguas para más de 300 subgéneros. A continuación veremos algunos de los subgéneros más conocidos de la música electrónica.

Como género de música electrónica y subgénero del garaje británico, el 2-step, también conocido como 2-step garage se caracteriza por un ritmo irregular que se salta un patrón de kick que es muy frecuente en otros estilos electrónicos con un ritmo regular de cuatro por cuatro.

El sonido 2-step, por su parte, puede caracterizarse por unos kicks sincopados que se saltan un tiempo; un ritmo arrastrado; o el uso de tuplets/triplets que se fusionan con otros elementos de percusión. Lo que también es habitual en el 2-step es el uso de voces femeninas.

Artistas relevantes: Craig David (feat. Artful Dodger), Dem 2, Dreem Teem

El acid house, también conocido simplemente como acid, es un subgénero desarrollado a partir de la música house a mediados de la década de 1980 por los DJs de Chicago, Estados Unidos. El estilo se define por un sonido suave y la línea de bajo de un sintetizador-secuenciador electrónico de Roland (Roland TB-300).

El acid house se hizo especialmente popular en el Reino Unido, donde era una parte esencial de las escenas rave locales. A finales de la década de 1980, el acid house se convirtió en la corriente principal británica y más tarde tuvo una fuerte influencia en varios estilos pop y de baile, como el trance, el hardcore, el jungle, el techno y el trip-hop.

Artistas relevantes: DJ Pierre, Sleezy D

La música ambiental es un género musical que resalta el tono y la atmósfera del sonido más que su estructura musical y ritmo tradicionales. Por tanto, puede carecer de composición definida, de ritmo y melodía estructurada. Aunque es un poco diferente de otros géneros electrónicos, la música ambient se desarrolló en las décadas de 1960 y 1970, cuando se introdujeron en el mercado nuevos instrumentos musicales, como los sintetizadores.

Con su desarrollo y, sobre todo, su integración con otros géneros, se establecieron muchos subgéneros derivados, como el ambient techno, el ambient pop y el ambient industrial.

El breakbeat debutó en la década de los 70 (sobre todo en Estados Unidos y el Reino Unido) y es conocido por el uso de muestras de las primeras grabaciones de hip hop, jazz, R&B y funk. No hay una velocidad fija para los breakbeats y el género se caracteriza más bien por un ritmo bailable y varios efectos de audio, como los filtros de hi-pass.

A partir de la década de 1980, los breakbeats se integraron en géneros distintos del hip-hop y luego, en la década de 1990, surgieron nuevos subgéneros a partir del breakbeat, como el breakbeat hardcore, el breakbeat psicodélico y el nu-skool breaks.

Artistas relevantes: The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Prodigy, Death By Vegas

La música chill-out describe un estilo de música popular más bien relajado que se caracteriza por sus ritmos lentos y un estado de ánimo relajado. En general, se refiere a la música moderna destinada a ser escuchada con tranquilidad. Géneros como la EDM, el downtempo, el dance, el jazz, el ambient, el lounge o el hip hop se asocian muy a menudo con el chill-out.

Artistas relevantes: DJ Alex Petterson, DJ Jimmy Cauty

Como subgénero del EDM, el Eurodance se originó, como su nombre indica, en Europa a finales de los años ochenta. Es conocido por su énfasis en el uso de voces ricas, a menudo con versos rapeados. El género se caracteriza además por sintetizadores de vanguardia, fuertes enganches melódicos y un intenso ritmo de bajo. El eurodance también combina elementos de otros géneros, como la música house, el techno, el hip hop y la eurodiscoteca.

Artistas relevantes: Snap!, Jam and Spoon, Intermission

El dance-pop es un subgénero musical popular que se desarrolló entre los años 70 y 80. Por lo general, se refiere a la música uptempo que está pensada tanto para bailar en los clubes nocturnos como para escuchar en la radio de éxitos contemporáneos. Además, el dance-pop se caracteriza por sus estructuras de canción sencillas y fáciles, sus ritmos fuertes, sus melodías pegadizas y sus melodías existosas

Hoy en día, el dance-pop es un estilo musical muy popular y, por lo tanto, hay muchos músicos y grupos en este género. Entre ellos están Katy Perry, Paula Abdul, Cher, Madonna, Michael Jackson, Backstreet Boys y muchos más.

La música disco es un género de música de baile mundialmente conocido, así como una subcultura, que debutó en Nueva York en la década de 1970. Fue el primer género que trajo la idea de ir y bailar en los clubes durante toda la noche. La música disco se define por un ritmo típico de cuatro por cuatro, secciones de cuerda, vientos, piano eléctrico, sintetizadores, líneas de bajo sincopadas y guitarras eléctricas.

A lo largo de la década de 1970, el género adquirió una gran popularidad tanto en Estados Unidos como en Europa, y entre los artistas más destacados se encuentran ABBA, Donna Summer, los Bee Gees, Chaka Khan, Boney M y muchos más.

Otros artistas relevantes: Giorgio Moroder, Village People, Sister Sledge, Thelma Houston

El Drum & Bass (D&B) y el jungle son géneros de música de baile que se desarrollaron a partir de la escena rave del Reino Unido, así como de la cultura de los sistemas de sonido en la década de 1990. Ambos estilos se caracterizan por ritmos muy rápidos, incluso rápidos, de 150-200 BPM (165-185 BPM en el caso del D&B), líneas de bajo entre sub-pesadas y pesadas, muestras vocales y efectos sintetizados.

Mientras que el jungle ha evolucionado desde entonces en dos ramas principales - ragga jungle y jump-up -, el D&B tiene tres subgéneros principales: D&B pesado, ligero y mainline.

Artistas relevantes: Leviticus, DJ Hype, Aphrodite, Blondie, Pendulum

Se dice que el dubstep se originó a principios de la década de 2000 en el sur de Londres, por lo que se considera una rama bastante nueva de la música electrónica. Sin embargo, los primeros elementos del dubstep ya se podían ver con el crecimiento de la escena de las fiestas con sistemas de sonido jamaicanos a principios de la década de 1980.

Además, este género se define por ritmos sincopados que tienen una velocidad de alrededor de 130-140 BPM, con frecuencias subgraves destacadas y un espacio a medio tiempo. Tras alcanzar el éxito comercial en el Reino Unido a finales de la década de 2000 y principios de la de 2010, la popularidad del dubstep se extendió también a Estados Unidos, encabezada principalmente por el músico estadounidense Skrillex.

Artistas relevantes: Skrillex, Major Lazer, DJ Snake, SLANDER

El house, al igual que su derivado, el acid house, se originó en Chicago a finales de la década de 1970, en una discoteca gay local, Westhouse. El género fue encabezado principalmente por los DJ Frankie Knuckles y Marshall Jefferson y se caracteriza por un ritmo repetitivo de cuatro por cuatro, un tempo típico de 120 BPM y el sintetizador Roland Bassline TB-303.

Mientras que en sus inicios, el house era más bien una mezcla de eurodisco futurista cargado de sintetizadores, fusionado con géneros como el jazz, el soul y el funk, en sus versiones posteriores, tuvo una fuerte influencia en el pop y la música de baile y se ha desarrollado en muchos más subgéneros, como el future house (surgido en la década de 2010 en el Reino Unido), el deep house, el garage house, el leftfield house, el melodic house (con un fuerte sonido pesado y melódico), el afro house, el tech house, el vocal house y el soulful house.

Artistas relevantes: Daft Punk, Fatboy Slim, Swedish House Mafia, Avicii, Kerri Chandler

También derivado del house, el electro house es un género de música electrónica de baile, caracterizado por sus intensos graves, en la mayoría de los casos en forma de líneas de bajo retumbantes, y un tempo de alrededor de 130 BPM.

Artistas relevantes: Benny Benassi, Steve Aoki, Skrillex, Daft Punk

El término electrónica se refiere tanto a un grupo bastante amplio de subgéneros musicales destinados exclusivamente al baile como a una escena musical que se originó en el Reino Unido a principios de la década de 1990. En Estados Unidos, el término sirve para describir la música electrónica en general.

El género se desarrolló especialmente gracias a los avances tecnológicos y a la creación de muchos instrumentos musicales electrónicos, como sintetizadores, secuenciadores, cajas de ritmos y muchos más. Como resultado, la electrónica utiliza una variedad bastante amplia de estilos y actos musicales que se distinguen por una producción electrónica potente.

El hardcore, también conocido como hardcore techno o hardcore house, es un subgénero de la EDM cuyo origen se remonta a principios de los años 90 en el Reino Unido, Alemania, Bélgica y los Países Bajos. Se define por los tempos más rápidos (160-200 BPM o más), los distorsionados e intensos kicks de diente de sierra, la línea de bajo sintetizada y las texturas temáticas y sonido violentos.

Algunos de sus subgéneros derivados son el gabber, el speedcore, el hardcore industrial y el breakcore.

Artistas relevantes: Sefa, Angerfist, Dr. Peacock

IDM, como abreviatura de Intelligent Dance Music (o también conocido como braindance), se refiere a un estilo de música electrónica que se considera más adecuado para escuchar en casa que para bailar. Se originó en el Reino Unido a principios de los años 90, aunque se dice que el nombre del género procede de Estados Unidos, donde el origen se inspiró en el recopilatorio de Warp "Artificial Intelligence".

La IDM se describe como un tipo de música centrada más en la experimentación individual que en las características específicas del género y abarca la textura y los paisajes sonoros más bien ambientales.

Artistas relevantes: Aphex Twin, Speedy J, The Black Dog, The Orb

El techno es por mucho uno de los mayores géneros de la música electrónica y un subgénero relevante de la música electrónica para bailar (EDM). Se desarrolló en Detroit a mediados de la década de 1980 y sus características principales son un ritmo sólido y constante de cuatro por cuatro que oscila entre 120 y 150 BPM y el uso de instrumentos electrónicos, como drum machines (como la Roland TR-808 y la TR-909), secuenciadores, sintetizadores y estaciones de trabajo de audio digital (DAW).

La palabra "techno" para referirse a un tipo de música electrónica se estableció en Alemania a principios de los años 80 y, a finales de esa década, el género se hizo muy popular en toda Europa, sobre todo en el Reino Unido, Bélgica, los Países Bajos y Alemania. En Europa, a principios de los 90 se desarrollaron variaciones regionales y estilos derivados del techno, como el acid techno, el hardcore, el bleep techno, el deep techno o el dub techno.

Artistas relevantes: Juan Atkins, The Prodigy, The Chemical Brothers, Apparat

La música trance, a menudo considerada un híbrido del techno y el house, es un subgénero de la EDM que deriva de la escena musical new-age británica y de las escenas techno y hardcore alemanas de la década de 1990. Las características que definen el trance son un tempo entre 128-150 BPM, el énfasis en la melodía y las frases melódicas repetitivas, y el uso de la tensión y otros elementos a lo largo de la pista que suele alcanzar 1 o 2 "picos" o "drops".

Además, el género es mayoritariamente instrumental con voces, principalmente femeninas, a veces mezcladas. No suele haber una estructura tradicional de verso/estribillo. A lo largo de los años, el trance se ha visto fuertemente influenciado por otros géneros, como el techno, el house, el pop, el chill-out, el ambient, la música clásica o la música de cine. Como resultado, se establecieron nuevos subgéneros del trance, como el trance progresivo, el trance psicodélico, el trance uplifting y el trance vocal.

Se dice que el trance apareció por primera vez en los años 90 en las discotecas alemanas (sobre todo en la ciudad de Frankfurt) antes de extenderse por toda Europa. Ganó popularidad mundial con artistas como DJ Tiësto, Ferry Corsten y, más tarde, Armin Van Buuren.

Artistas relevantes: DJ Tiësto, Armin Van Buuren, Nina Kraviz, Paul van Dyk

El trap, también conocido como EDM trap, es otro subgénero de la EDM (que no debe confundirse con el subgénero hip-hop del trap) que se originó en Estados Unidos en la década de 2010. El género combina los elementos de hip hop sureño del "otro" género trap con elementos de EDM, como build-ups, breakdowns y drops.

Artistas relevantes: Bro Safari, DJ Snake, 12th Planet

El Trip Hop se originó a principios de los años 90 en el Reino Unido, principalmente en Bristol. El género tiene tempos más bien lentos y un sonido psicodélico y combina los elementos del hip hop y la electrónica y otros elementos de jazz, soul-funk, dub, reggae y R&B.

Artistas relevantes: Massive Attack, Tricky, Portishead