A história e evolução da música eletrônica (e seus subgêneros)

A música eletrônica pode ser caracterizada como um gênero de música que é criado e produzido usando instrumentos eletrônicos e eletromecânicos, vários instrumentos digitais ou a chamada tecnologia musical baseada em circuitos. Instrumentos de música eletrônica incluem um oscilador eletrônico, theremin ou um sintetizador, enquanto a engrenagem eletromecânica engloba o órgão Hammond, piano eletrônico ou guitarra eletrônica.

De modo geral, a música eletrônica pode ser feita a partir de uma extensa variedade de recursos sonoros, desde osciladores eletrônicos básicos até diversas instalações e softwares complexos de computadores, até microprocessadores. Esses sons são gravados e editados em fita e depois transformados em uma forma permanente que é reproduzida usando alto-falantes, sozinhos ou em combinação com instrumentos musicais comuns.

Embora alguns afirmem que o primeiro instrumento musical elétrico, Dioniso Dourado, foi possivelmente desenvolvido em 1748, marcando o nascimento da música eletrônica, o gênero provavelmente se originou, em sentido amplo, na virada dos séculos XIX e XX. Naquela época, a eletrônica emergente permitia a experimentação com sons e, posteriormente, com dispositivos eletrônicos. Como resultado, vários instrumentos eletrônicos foram desenvolvidos, incluindo o Telharmonium (um órgão elétrico desenvolvido em 1896), e mais tarde, nas décadas de 1920 e 1930, o órgão Hammond (um órgão eletrônico), Ondes Martenot (um dispositivo eletrônico antigo tocado com teclados ou um anel ao longo de um fio), Trautonium (um dos primeiros sintetizadores eletrônicos) ou o Theremin (uma invenção eletrônica desenvolvida em 1930).

Essas primeiras inovações foram usadas pela primeira vez para demonstrações e apresentações públicas, pois geralmente eram muito complexas, impraticáveis ​​e incapazes de criar um som de qualquer magnitude e profundidade. Mais tarde, com a invenção dos tubos de vácuo, instrumentos menores, amplificados e mais práticos puderam ser desenvolvidos e foram gradualmente apresentados em composições recém-escritas.

Um ponto de virada para a indústria da música em geral foi a invenção do fonógrafo (mais tarde conhecido como gramofone) por, independentemente, Thomas Alva Edison e Emile Berliner por volta das décadas de 1870/1880. Os fonógrafos foram os primeiros meios de gravação e reprodução de arquivos de áudio (os sons podiam ser capturados e salvos para uso futuro) e marcaram o início da indústria fonográfica que conhecemos hoje.

Os toca-discos lentamente se tornaram um item doméstico típico, com as gravações elétricas, hoje conhecidas como discos fonográficos, introduzidas em 1925.

Mais experimentos com toca-discos e inovações se seguiram na década de 1930, levando ao desenvolvimento de ajuste de velocidade do som e tecnologia de som em filme e à criação de colagens de som e som gráfico. Tais tecnologias foram então utilizadas na composição das primeiras trilhas sonoras de filmes, principalmente na Alemanha e na Rússia. Em 1935, a primeira fita de áudio prática foi inventada, tornando-se um ponto essencial no desenvolvimento histórico da música eletrônica.

Embora inventado em meados da década de 1930, mais desenvolvimento e melhorias na tecnologia de gravação em fita tiveram que ser feitos. As primeiras gravações de teste feitas em estéreo foram desenvolvidas em 1942 na Alemanha, mas foram trazidas para os EUA logo após a Segunda Guerra Mundial e o primeiro gravador para uso comercial foi remodelado em 1948. Os compositores usaram este novo instrumento para novas experimentações musicais ao longo da década de 1950. O foco principal da época era o desenvolvimento da técnica e dos estilos musicais, com forte influência nos estilos e na música de vanguarda. Depois que músicos e artistas se tornaram mais familiarizados com o gravador, muitas composições historicamente importantes ganharam vida, seguidas pela utilização do meio em apresentações ao vivo.

Depois que os gravadores ganharam seu reconhecimento, bem como apoio financeiro, na Europa, os primeiros estúdios de música eletrônica bem estruturados foram estabelecidos, principalmente em instalações de transmissão de propriedade e apoiadas pelo governo. Foi a partir de 1958 que os americanos puderam alcançar seus confrades europeus em termos de estabelecimentos de estúdio e outras inovações musicais, tanto tecnológica quanto artisticamente.

Em 1948, a “musique concrète”, uma prática única e tipo de composição musical foi inventada em Paris, França, por dois compositores franceses, Pierre Schaeffer e Pierre Henry, no Studio d'Essai da Radiodiffusion Française (RDF). A técnica musique concrète se preocupava com a criação de colagens de fitas ou montagens de sons gravados. Todos esses sons - por exemplo efeitos sonoros, fragmentos musicais, vocais e outros sons ou ruídos produzidos por um indivíduo e seu ambiente - estavam sendo vistos como matérias-primas ‘concretas’ retiradas de meios e situações ‘concretas’. Portanto, a música concreta se opunha ao uso de osciladores, pois eram considerados fontes sonoras “artificiais”, “anti-humanistas” e, portanto, não “concretas”.

Mais do que um estilo ou um movimento musical, a musique concrète pode ser vista como um conjunto de várias maneiras de transformar o som e criar música, usando técnicas e manipulações de fitas como alteração e variação de velocidade (também chamada de pitch shifting), emenda de fita, reprodução de fitas para trás, ou loops de feedback de sinal. A primeira grande composição de musique concreta foi Symphonie pour un homme seul (Sinfonia para um homem apenas) escrita em 1950 por Schaffer e Henry. O outro trabalho significativo do movimento foi a partitura de balé de Henry, Orphée, de 1953.

Karlheinz Stockhausen, que logo trabalhou no estúdio de Schaeffer em 1952, tinha uma ideia diferente das maneiras pelas quais os sons e a música podiam ser transformados e alterados e, portanto, se juntou ao Estúdio de Música Eletrônica da WDR Cologne, estabelecido por Herbert Einer. Em vez de sons ‘concretos’, Stockhausen enfatizou sons puros, gerados eletronicamente e seu foco estava em modificações de som eletrônico em vez de manipulação de fita. O que ele queria alcançar, através de alterações sonoras, como filtragem e modulação, eram composições elétricas e acústicas autênticas, ou seja, instrumentações acústicas alteradas e acompanhadas por sons modificados e produzidos eletronicamente.

Isso marcou o nascimento da Elektronische Musik, um ramo alemão da música eletrônica, que, ao contrário da musique concrète, enfatizava a grandeza e a 'pureza' dos sons eletrônicos e a necessidade de combinar a música eletrônica com uma composição seriada que usa ritmos, grupos ordenados de alturas e outros elementos musicais.

Tanto o Studio d'Essai quanto o Studio in Cologne deram exemplos para os estúdios de música eletrônica da época e, portanto, foram amplamente imitados em toda a Europa. Essa tendência continuou ao longo da década de 1960, com muitos outros estúdios sendo estabelecidos em todos os principais centros urbanos da Europa antes de atingir a cultura dos EUA.

O nascimento da música eletrônica nos Estados Unidos provavelmente começou em 1939, quando um músico, John Cage, publicou sua composição, Imaginary Landscape, No. 1, utilizando vários meios e fontes de som, como dois toca-discos de velocidade variável, gravações de frequência, piano e címbalo. Não foram utilizados meios eletrônicos de produção para a composição. Geralmente, no entanto, a produção de música eletrônica nos EUA era bastante simples e esporádica e isso durou até por volta de 1958.

O único trabalho significativo remanescente sobre música eletrônica no país foram dois projetos realizados por Cage e dois compositores da Universidade de Columbia, Otto Luening e Vladimir Ussachevsky. Entre 1942-1958, Cage completou Williams Mix (1952) e Fontana Mix (1958) e compôs mais 5 Imagery Landscapes, escritas principalmente para registros de testes da RCA e conjuntos de percussão. Ele também formou o The Music for Magnetic Tape Project junto com outros compositores e membros da New York School, incluindo Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor e Morton Feldman. A ênfase do projeto estava em experimentar a gravação de sons eletrônicos e naturais, combinando-os com música instrumental, dança e artes visuais.

O objetivo do projeto liderado por Luening e Ussachevsky era criar um estúdio de fita profissional que demonstrasse as capacidades e possibilidades musicais da fita como meio. Juntamente com Milton Babbitt, os dois compositores fundaram o Columbia-Princeton Electronic Music Center (hoje conhecido como Computer Music Center ou CMC) em 1959, que se tornou o mais antigo centro de pesquisa de música eletrônica e computacional nos EUA. Depois de 1958, mais estúdios foram montados em toda a região da América do Norte, incluindo o Experimental Music Studio na University of Illinois e o University of Toronto Studio em 1959. Esse estabelecimento dessas instalações forneceu meios para produção e educação em música eletrônica para evoluir e seguir em frente.

O equipamento dos estúdios de música eletrônica também estava se desenvolvendo e mudando, incluindo várias fontes de som (onda senoidal, onda quadrada, microfones, etc.), monitores e equipamentos de controle de qualidade (analisador de espectro, osciloscópio, amplificadores de potência), gravação e reprodução sistemas, circuitos de roteamento e muito mais. Com esse equipamento de estúdio, músicos e compositores puderam gravar sons, tanto eletrônicos quanto microfonados, e realizar operações como modulação, reverberação e filtragem, para modificar esses sons.

Durante a década de 1950, os instrumentos musicais eletrônicos japoneses começaram a ter uma forte influência na indústria da música internacional. Vários fabricantes japoneses, como AceTone, Korg, Matsushita, Roland e Yamaha, estavam desenvolvendo suas próprias versões de dispositivos de música eletrônica. Estes incluíam instrumentos de percussão, os Mini Pops (as primeiras baterias eletrônicas), órgãos elétricos (por exemplo, Yamaha Electone) ou sintetizadores.

Particularmente, sintetizadores e baterias eletrônicas desenvolvidos pela Roland Corporation foram altamente influentes nas próximas décadas e a própria empresa foi um dos jogadores mais proeminentes na formação e transformação da música popular e da música eletrônica no que é hoje. Outro papel importante no desenvolvimento da música eletrônica foi desempenhado pela empresa Matsushita (agora Panasonic) que inventou e desenvolveu os primeiros toca-discos de acionamento direto que levaram ao estabelecimento do turntablism - a arte de manipular e formar sons e criar novas músicas, efeitos sonoros, mixagens e outras batidas. A versão posterior dos toca-discos da Matsushita (Technics SL-1200) foi amplamente desenvolvida por artistas de Hip Hop e foi um dos toca-discos mais populares na cultura DJ. Além disso, os primeiros sintetizadores totalmente digitais foram lançados pela empresa Yamaha em 1983.

O final da década de 1960 viu o surgimento da música eletrônica popular e sua fusão com outros gêneros musicais, especialmente pop e rock, o que levou ao estabelecimento de novos gêneros. Músicos de renome da época, como os Beatles ou os Beach Boys, começaram a integrar instrumentos eletrônicos, incluindo o theremin ou o Mellotron, em seu som. Gêneros como rock eletrônico e eletrônica foram pioneiros pela dupla americana Silver Apples e bandas de rock experimental, como White Noise e os Estados Unidos da América, que eram conhecidos por adicionar osciladores e sintetizadores ao seu som psicodélico. Na década de 1970, o rock eletrônico também foi produzido por vários músicos japoneses, como Isao Tomita ou Osamu Kitajima.

Os sintetizadores de humor tornaram-se particularmente populares entre as bandas de rock progressivo, incluindo Pink Floyd, Genesis, Yes e Emerson, Lake & Palmer. Um novo subgênero do rock progressivo, o krautrock (também conhecido como kosmische Musik) nasceu na Alemanha Ocidental no final dos anos 1960 e início dos anos 1970, representado por artistas proeminentes como Tangerine Dream, Can, Faust e, mais importante, Kraftwerk. .

A música new age e a música ambiente, particularmente o dub ambiente, foram desenvolvidas no início e meados da década de 1970 pelo impacto da ascensão da música eletrônica. A música new age foi fortemente influenciada por vários artistas, principalmente nascidos na Europa, incluindo o compositor francês Jean Michel Jarre, o músico alemão Klaus Schulze ou o compositor grego Vangelis. O dub ambiental foi iniciado por vários músicos de som jamaicanos como King Tubby, e mais tarde adotado por outros artistas internacionais como Dreadzone, The Orb ou Ott.

Depois que o disco se tornou altamente popular (por um período bastante curto de tempo) na década de 1970, o final da década de 1970 e o início da década de 1980 viram o surgimento e o sucesso crescente do synth-pop, apresentando o sintetizador como o instrumento musical dominante. O subgênero foi estreado e muito influenciado por músicos, como Ultravox com a música 'Hiroshima Mon Amour' (1977), e Depeche Mode com uma faixa chamada 'Dreaming of Me' (1980), e New Order com sua música ' Cerimônia' (1981). Outros atos importantes incluíram Eurythmics, Duran Duran, Yazoo e Spandau Ballet.

Mais tarde, o synth-pop tornou-se amplamente conhecido em todo o mundo apresentando novos artistas promissores, como Lime e Men Without Hats do Canadá; Propaganda, Sandra e Modern Talking da Alemanha ou Yello da Suíça e Telex da Bélgica. O som do synth-pop também se tornou a característica definidora do Italo-disco. Os sintetizadores de teclado tornaram-se tão difundidos que até bandas de heavy metal rock os apresentavam em suas músicas. Bandas como Van Halen com sua faixa 'Jump' (1983) e Europe com a conhecida música 'The Final Countdown' (1986) alcançaram grande sucesso global.

Também significativa na década de 1980 foi a invenção do Musical Instrument Digital Interface (MIDI), um padrão técnico que descreve e padroniza um protocolo de comunicação, a interface digital e conectores elétricos entre vários instrumentos musicais eletrônicos, software de computador e outros dispositivos de áudio relacionados para gravação, edição e reprodução de música. O MIDI foi finalizado em 1983 e a tecnologia facilitou muito o desenvolvimento do som puramente eletrônico.

O grande sucesso do synth-pop continuou por toda a década de 1980, aproximando-se cada vez mais da dance music, com os atos mais proeminentes, incluindo Pet Shop Boys, Erasure e The Communards. No entanto, a década de 1980 foi definida principalmente pelo desenvolvimento e crescente popularidade da música eletrônica de dança (EDM) e, gradualmente, seus subgêneros, como house, techno, acid house, trance e muitos mais.

No final da década de 1980, o EDM ganhou reputação como 'drug music' e o gênero, hoje usado como um termo genérico para outros subgêneros, foi adotado em clubes, bem como em muitos lugares subterrâneos, academias, campos ou armazéns, em toda a Europa. . Em 1987, um DJ britânico Danny Ramplimg começou a organizar uma festa semanal, chamada Shoom em uma das academias de Londres, e logo essas festas, muitas vezes ocorrendo ilegalmente, se espalharam para outros países europeus, principalmente a Alemanha. Ali, na cidade de Frankfurt, nasceu outro importante subgênero, o trance.

No final da década de 1990, a cena 'rave' estava parecida com a aparência atual e o desenvolvimento gradual do EDM e seus subgêneros, permitiu que o estilo musical progredisse e eventualmente se tornasse uma parte essencial da indústria da música mainstream como nunca antes. Além disso, a eletrônica, um termo genérico para gêneros eletrônicos destinados a ouvir em vez de estritamente dançar, tornou-se popular na cena musical britânica. Os artistas mais renomados dessas subculturas foram, por exemplo, Astralwerks, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, DJ Keoki e Sims.

O gênero de música eletrônica nas décadas de 2000 e 2010 foi fortemente moldado pelos avanços tecnológicos e pela invenção e maior acessibilidade da tecnologia computacional e software musical. Não só muitas inovações tecnológicas foram introduzidas no novo milênio, como CDs ou DVDs (substituindo discos de vinil), mas também outros produtos relevantes surgiram no mercado, como a estação de trabalho de áudio digital (DAW) Ableton Live (2001) ou o emulação de estúdio Reason (2000). Esses dispositivos forneceram alternativas menos complexas, mais econômicas e viáveis ​​aos tradicionais estúdios de produção baseados em hardware e, portanto, tornou-se possível produzir música de alta qualidade simplesmente usando um pouco mais do que um laptop. Particularmente, o Ableton Live é considerado um dos primeiros aplicativos de música a combinar automaticamente a batida de uma música e tem sido amplamente utilizado por DJs para shows e outras apresentações ao vivo, bem como para compor, gravar e masterizar um disco.

A popularidade da música eletrônica e seus subgêneros foi crescendo ao longo da primeira década do século XXI. Músicos e produtores como David Guetta, Daft Punk, Tiësto ou Skrillex estavam recebendo aclamação internacional e, no final dos anos 2000, todos os DJs renomados se apresentavam regularmente nos maiores estádios dos EUA (principalmente Los Angeles) e da Europa. Além disso, os anos 2000 e 2010 também experimentaram o surgimento de festivais e festas comerciais de grande escala, como o Tomorrowland na Bélgica, o Weekend Festival na Estônia, o Ultra Music Festival na Flórida e o Electric Daisy Carnival em Las Vegas.

A partir de hoje, particularmente em 2022, a indústria da música eletrônica parece estar fervilhando mais uma vez, mesmo depois de sofrer uma enorme perda financeira em 2020. O valor da indústria cresceu em um total de 16 países, liderado por ganhos de participação de mercado principalmente no Reino Unido e na Alemanha. Além disso, a música eletrônica gravada cresceu até 18%, com as vendas em formato físico crescendo pela primeira vez em 20 anos, juntamente com os ganhos de artistas e DJs subindo 111%.

Como dito anteriormente, a música eletrônica é um dos gêneros musicais mais amplos que existem e pode ser usado como um termo abrangente para mais de 300 subgêneros. Abaixo, veremos alguns dos subgêneros mais renomados da música eletrônica.

Como gênero de música eletrônica e subgênero do garage do Reino Unido, o 2-step, também conhecido como 2-step garage, é caracterizado por um ritmo irregular que perde um padrão de bumbo muito frequente em outros estilos eletrônicos com uma frequência regular de quatro - batida no chão.

O som de 2-step, por outro lado, pode ser caracterizado por bumbos sincopados que saltam uma batida; um ritmo embaralhado; ou o uso de tuplets/triplets que se fundem com outros elementos de percussão. O que também é comum no 2-step é o uso de vocais femininos.

Artistas relevantes: Craig David (feat. Artful Dodger), Dem 2, Dreem Teem

Acid house, também conhecido simplesmente como acid, é um subgênero desenvolvido a partir da house music em meados da década de 1980 por DJs em Chicago, EUA. O estilo é definido por um som suave e a linha de baixo de um baixo eletrônico sintetizador-sequenciador da Roland (Roland TB-300).

Acid house tornou-se particularmente popular no Reino Unido, onde era uma parte essencial das cenas rave locais. No final da década de 1980, o acid house tornou-se mainstream britânico e mais tarde teve uma forte influência em vários estilos pop e dance, incluindo trance, hardcore, jungle, techno e trip-hop.

Artistas relevantes: DJ Pierre, Sleezy D

A música ambient é um gênero de música que destaca o tom e a atmosfera do som, em vez de sua estrutura e ritmo musicais tradicionais. Pode, portanto, faltar composição líquida, batida e melodia estruturada. Embora um pouco diferente de outros gêneros eletrônicos, a música ambient foi desenvolvida nas décadas de 1960 e 1970, quando novos instrumentos musicais, como sintetizadores, foram introduzidos no mercado mais amplo.

Com seu desenvolvimento e, principalmente, integração com outros gêneros, muitos subgêneros derivados foram estabelecidos, incluindo techno ambient, pop ambient e industrial ambient.

Breakbeat estreou na década de 1970 (principalmente nos EUA e no Reino Unido) e é conhecido pelo uso de samples das primeiras gravações de hip hop, jazz, R&B e funk. Não há velocidade fixa para breakbeats e o gênero é caracterizado por um ritmo dançante e vários efeitos de áudio, como filtros hi-pass.

A partir da década de 1980, os breakbeats foram integrados em gêneros não-hip-hop e, em seguida, na década de 1990, novos subgêneros foram derivados do breakbeat, incluindo breakbeat hardcore, breakbeat psicodélico e nu-skool breaks.

Artistas relevantes: The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Prodigy, Death By Vegas

A música chill-out descreve um estilo bastante descontraído de música popular que é caracterizado por tempos lentos e um clima relaxado e "frio". De modo geral, deve referir-se à música moderna que se destina à audição fácil. Gêneros como EDM, downtempo, dance, jazz, ambiente, lounge ou hip hop são frequentemente associados ao chill-out.

Artistas relevantes: DJ Alex Petterson, DJ Jimmy Cauty

Como um subgênero do EDM, o Eurodance se originou, como o próprio nome indica, na Europa no final dos anos 80. É conhecido por sua ênfase no uso de vocais ricos, muitas vezes com versos de rap. Além disso, o gênero é caracterizado por sintetizadores de ponta, ganchos melódicos fortes e ritmo intenso de baixo. O Eurodance também combina elementos de outros gêneros, como house music, techno, hip hop e Euro disco.

Artistas relevantes: Snap!, Jam and Spoon, Intermission

Dance-pop descreve um subgênero de música popular que se desenvolveu na virada dos anos 1970 e 1980. Geralmente, refere-se à música uptempo que se destina tanto para dançar em boates quanto para ouvir em rádios de sucesso contemporâneos. Além disso, o dance-pop pode ser caracterizado por estruturas musicais simples e fáceis, batidas fortes, melodias cativantes e fortes melodias de sucesso.

Hoje em dia, o dance-pop é um estilo de música popular e, portanto, há muitos músicos e bandas que criam e se apresentam no gênero. Estes incluem Katy Perry, Paula Abdul, Cher, Madonna, Michael Jackson, Backstreet Boys e muitos mais.

Disco é um gênero de dance music mundialmente conhecido, bem como uma subcultura, que estreou em Nova York na década de 1970. Foi o primeiro gênero que trouxe a ideia de ir e dançar em boates a noite toda. Disco é definido por uma batida típica de quatro no chão, seções de cordas, trompas, piano elétrico, sintetizadores, linhas de baixo sincopadas e guitarras elétricas.

Ao longo da década de 1970, o gênero ganhou enorme popularidade nos EUA e em toda a Europa, com os artistas mais proeminentes, incluindo ABBA, Donna Summer, Bee Gees, Chaka Khan, Boney M e muitos outros.

Outros artistas relevantes: Giorgio Moroder, Village People, Sister Sledge, Thelma Houston

Drum & Bass (D&B) e jungle são gêneros de dance music que foram desenvolvidos a partir da cena rave do Reino Unido, bem como da cultura do sistema de som na década de 1990. Ambos os estilos podem ser caracterizados por breakbeats muito rápidos, até mesmo rápidos, de 150-200 BPM (165-185 BPM para D&B), linhas de baixo sub-pesadas a pesadas, amostras vocais e efeitos sintetizados.

Enquanto o jungle evoluiu para dois ramos principais - ragga jungle e jump-up -, o D&B tem três subgêneros principais: D&B pesado, leve e principal.

Artistas relevantes: Leviticus, DJ Hype, Afrodite, Blondie, Pendulum

Dizem que o dubstep se originou no início dos anos 2000 no sul de Londres e, portanto, é considerado um ramo bastante novo da música eletrônica. No entanto, os primeiros elementos do dubstep já podiam ser vistos com o crescimento da cena do sistema de som jamaicano no início dos anos 80.

Além disso, este gênero é definido por batidas sincopadas que têm uma velocidade em torno de 130-140 BPM, com frequências sub-graves proeminentes e uma pausa no intervalo. Depois de se tornar um sucesso comercial no Reino Unido no final dos anos 2000/início dos anos 2010, a popularidade do dubstep se espalhou também para os EUA, liderada principalmente pelo músico americano Skrillex.

Artistas relevantes: Skrillex, Major Lazer, DJ Snake, SLANDER

House, assim como seu derivado, acid house, teve origem em Chicago no final dos anos 1970, em uma boate gay local, Westhouse. O gênero foi liderado principalmente pelos DJs Frankie Knuckles e Marshall Jefferson e é caracterizado por uma batida repetitiva de quatro no chão, um ritmo típico de 120 BPM e o Roland Bassline Synthesizer TB-303.

Enquanto em seus estágios iniciais, o house era uma mistura de eurodisco futurista e pesado de sintetizadores, mesclado com gêneros como jazz, soul e funk, em suas versões posteriores, teve uma forte influência no pop e na dance music e se desenvolveu em muitos outros subgêneros, como future house (surgido na década de 2010 no Reino Unido), deep house, garage house, leftfield house, melodic house (com um forte som melódico e pesado), afro house, tech house, vocal house e casa com alma.

Artistas relevantes: Daft Punk, Fatboy Slim, Swedish House Mafia, Avicii

Também derivado do house, o electro house é um gênero de dance music eletrônica, caracterizado por seu baixo pesado, na maioria dos casos na forma de linhas de baixo vibrantes, e um ritmo de cerca de 130 BPM.

Artistas relevantes: Benny Benassi, Steve Aoki, Skrillex, Daft Punk

O termo electronica refere-se a um grupo bastante amplo de subgêneros musicais que são puramente destinados à dança e a uma cena musical que se originou no Reino Unido no início dos anos 90. Nos EUA, o termo é para descrever a música eletrônica geral.

O gênero foi desenvolvido principalmente pelos avanços tecnológicos e o estabelecimento de muitos instrumentos musicais eletrônicos, incluindo sintetizadores, sequenciadores, baterias eletrônicas e muitos mais. Como resultado, a eletrônica usa uma variedade bastante ampla de estilos e atos musicais que se distinguem pela produção eletrônica excessivamente forte.

Hardcore, também conhecido como hardcore techno ou hardcore house, é um subgênero de EDM cuja origem remonta ao início dos anos 1990 no Reino Unido, Alemanha, Bélgica e Holanda. É definido por tempos mais rápidos (160-200 BPM ou mais), bumbos dente de serra distorcidos e intensos, linhas de baixo sintetizadas e texturas sonoras e com temas violentos.

Alguns de seus subgêneros derivados são gabber, speedcore, industrial hardcore e breakcore.

Artistas relevantes: Sefa, Angerfist, Dr. Peacock

IDM, como abreviação de Intelligent Dance Music (ou também conhecido como braindance), refere-se a um estilo de música eletrônica que é considerado mais adequado para ouvir em casa do que dançar. Originou-se no Reino Unido no início dos anos 90, mas diz-se que o nome do gênero vem dos EUA, onde a origem foi inspirada na compilação da Warp 'Artificial Intelligence'.

O IDM é descrito como um tipo de música focado mais na experimentação individual do que em características específicas de gênero e engloba textura e paisagens sonoras ambientais.

Artistas relevantes: Aphex Twin, Speedy J, The Black Dog, The Orb

Techno é de longe um dos maiores gêneros da música eletrônica e um subgênero relevante da música eletrônica de dança (EDM). Foi desenvolvido em Detroit em meados da década de 1980 e suas principais características são uma batida sólida e constante de quatro no chão variando de 120 a 150 BPM e o uso de instrumentos eletrônicos, como baterias eletrônicas (como o Roland TR- 808 e o TR-909), sequenciadores, sintetizadores e estações de trabalho de áudio digital (DAWs).

A palavra 'techno' para se referir a um tipo de música eletrônica foi estabelecida na Alemanha no início da década de 1980 e, no final dessa década, o gênero se tornou muito popular em toda a Europa, principalmente no Reino Unido, Bélgica, Holanda e Alemanha. . Na Europa, variações regionais e estilos derivados do techno foram desenvolvidos no início da década de 1990, incluindo acid techno, hardcore, bleep techno, deep techno ou dub techno.

Artistas relevantes: Juan Atkins, The Prodigy, The Chemical Brothers, Apparat

A música trance, muitas vezes considerada um híbrido de techno e house, é um subgênero de EDM que derivou da cena musical britânica da nova era e das cenas alemãs de techno e hardcore da década de 1990. As características definidoras do trance são um tempo em algum lugar entre 128-150 BPM, a ênfase na melodia e frases melódicas repetitivas e o uso de tensão e outros elementos ao longo da faixa que geralmente atinge 1 ou 2 'picos' ou 'quedas'.

Além disso, o gênero é principalmente instrumental com vocais femininos, às vezes misturados. Geralmente não há uma estrutura tradicional de versos/refrão. Ao longo dos anos, o trance foi fortemente influenciado por outros gêneros, como techno, house, pop, chill-out, ambiente, música clássica ou música de cinema. Como resultado, novos subgêneros de trance foram estabelecidos, incluindo trance progressivo, trance psicodélico, trance edificante e trance vocal.

Dizem que o trance fez sua primeira aparição na década de 1990 em boates alemãs (principalmente na cidade de Frankfurt) antes de se espalhar por toda a Europa. Ganhou popularidade global com artistas como DJ Tiësto, Ferry Corsten e, mais tarde, Armin Van Buuren.

Artistas relevantes: DJ Tiësto, Armin Van Buuren, Nina Kraviz, Paul van Dyk

Trap, também conhecido como EDM trap, é outro subgênero do EDM (não deve ser confundido com o subgênero hip-hop do trap) que se originou nos EUA na década de 2010. O gênero combina os elementos do hip hop do sul do gênero trap 'outro' com elementos de EDM, como build-ups, colapsos e drops.

Artistas relevantes: Bro Safari, DJ Snake, 12th Planet

O Trip Hop teve origem no início dos anos 90 no Reino Unido, particularmente na cidade de Bristol. O gênero tem tempos bastante mais lentos e um som psicodélico e combina elementos de hip hop e eletrônica e outros elementos de jazz, soul-funk, dub, reggae e R&B.

Artistas relevantes: Massive Attack, Tricky, Portishead