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L’histoire et l’évolution de la musique électronique (et de ses sous-genres)

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L’histoire et l’évolution de la musique électronique

Après avoir fait face à des pertes financières en 2020 à cause de la pandémie du Covid-19, l'industrie mondiale de la musique électronique semble connaître un nouveau souffle suite au retour des performances live. En 2021, ses revenus ont dépassé les 6 milliards de dollars et les musiciens EDM ont été parmi les artistes les plus demandés. Ce guide est consacré à l'histoire de la musique électronique, à ses caractéristiques et aux artistes les plus marquants de l'un des genres musicaux le plus vaste et le plus divers.

Les caractéristiques de la musique électronique

La musique électronique peut être définie comme un genre de musique créé et produit à l'aide d'instruments électroniques et électromécaniques, de divers instruments numériques ou d'une technologie musicale basée sur des circuits. On trouve dans les instruments de musique électronique l’oscillateur électronique, le thérémine ou le synthétiseur, tandis que les instruments électromécaniques incluent l'orgue Hammond, le piano électronique ou la guitare électronique.

D'une manière générale, la musique électronique peut être réalisée à partir d'une grande variété de ressources sonores, en passant par des oscillateurs électroniques basiques à diverses installations informatiques et logiciels complexes, jusqu’aux microprocesseurs. Ces sons sont enregistrés et édités sur une bande, puis transformés en une forme permanente qui est lue et reproduite à l'aide de haut-parleurs, seuls ou en combinaison avec des instruments de musique ordinaires.

L’histoire de la musique électronique

Fin du 19e/début du 20e siècle

Développement des premiers instruments électroniques

Années 1870-1880

Invention du phonographe

1925

Introduction de l'enregistrement électronique

1930-1935

Invention de la bande magnétique audio et du premier magnétophone audio en Allemagne

1948

Création du premier magnétophone à bande audio à usage commercial aux États-Unis & invention de la "musique concrète" en France

1952

Développement de l'”Elektronische Musik" à Cologne, Allemagne

1959

Création du Columbia Princeton Electronic Music Center

Années 1960

Implantation généralisée de studios de musique électronique dans toute l'Europe et aux États-Unis & essor de la musique électronique populaire

Années 1970 - fin des années 1980

Développement du disco et établissement d'autres sous-genre, par ex: synth pop, house, techno, acid house, trance, etc.

1983

Invention du Musical Instrument Digital Interface (MIDI)

Années 1990

Eclosion de la scène "rave" internationale telle qu'elle est aujourd'hui

Années 2000-2010

Essor des grands festivals commerciaux de musique electro, par ex: Tomorrowland, Weekend Festival, Ultra Music Festival, etc.

2020

Enorme baisse des revenus dans le secteur mondial de la musique électronique en raison de la COVID-19

2021

Hausse de 71 % des revenus du secteur, atteignant 6 milliards de dollars

Fin du 19e et début du 20e siècle

Même si certains affirment que le Denis d’or (Golden Dionysus), le premier instrument de musique électrique, aurait été créé en 1748, marquant alors la naissance de la musique électronique, le genre est plus probablement né, au sens large, au tournant des 19e et 20e siècles. À cette époque, le développement de l’électronique a permis d'expérimenter avec les sons, et par la suite avec des appareils électroniques. Cela a abouti au développement de différents instruments électroniques, dont le telharmonium (un orgue électrique mis au point en 1896), et plus tard dans les années 1920 et 1930, l'orgue Hammond (un orgue électronique), les ondes Martenot (un dispositif électronique joué avec des claviers ou un anneau le long d'un fil), le trautonium (un synthétiseur électronique) ou le thérémine (une invention électronique développée en 1930).

Ces premières innovations étaient d'abord utilisées pour des démonstrations et des représentations publiques car elles étaient dans la plupart des cas trop complexes, peu pratiques et ne pouvaient pas créer un son d'une quelconque ampleur et profondeur. Par la suite, avec l'invention des tubes à vide, des instruments plus petits, amplifiés et plus pratiques ont pu être développés et ont été progressivement utilisés dans de nouvelles compositions.

L'invention du phonographe (connu plus tard sous le nom de gramophone) de façon indépendante par Thomas Alva Edison et Emile Berliner vers les années 1870/1880 a été un tournant pour toute l'industrie musicale. Les phonographes ont été le premier moyen d'enregistrer et de reproduire des fichiers audio (les sons pouvaient être capturés et sauvegardés pour une utilisation ultérieure) et ils ont marqué le début de l'industrie de l'enregistrement que nous connaissons aujourd'hui.

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Phonographe, aujourd'hui connu sous le nom de gramophone

Les tourne-disques sont peu à peu devenus des objets domestiques courants, avec des enregistrements électriques, aujourd'hui connus sous le nom de disques phonographiques, introduits en 1925.

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Tourne-disque

D'autres expériences avec des tourne-disques et des innovations ont suivi dans les années 1930, conduisant au développement de la technologie du réglage de la vitesse du son et de la technologie du son-sur-pellicule, ainsi qu'à la création de collages sonores et de sons graphiques. Ces technologies ont ensuite été utilisées pour la composition des premières bandes originales de films, principalement en Allemagne et en Russie. En 1935, la première bande magnétique est inventée, marquant un point essentiel dans le développement historique de la musique électronique.

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Bande sonore

Les magnétophones dans les années 1940 et 1950

Bien qu'elle ait été inventée au milieu des années 1930, la technologie de l'enregistrement sur bande a dû être développée et améliorée. Les premiers essais d'enregistrements réalisés en stéréo ont été mis au point en 1942 en Allemagne, mais ont été importés aux États-Unis juste après la Seconde Guerre mondiale et le premier magnétophone à usage commercial a été mis au point en 1948. Les compositeurs ont continué à utiliser ce nouvel outil pour poursuivre leurs expérimentations musicales tout au long des années 1950. À l'époque, l'accent était mis sur le développement de la technique et des styles musicaux, avec une forte influence sur les styles et la musique d'avant-garde. Après que les musiciens et les artistes se soient plus ou moins familiarisés avec le magnétophone, de nombreuses importantes compositions historiques ont vu le jour, suivies par l'utilisation de ce support dans les performances live.

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Magnétophone

Le développement des studios électroniques

Musique concrète

Après que les magnétophones aient gagné en réputation et aient reçu des soutiens financiers, les premiers studios de musique électronique ont été créés en Europe, principalement dans des installations de diffusion appartenant à l'État et soutenues par celui-ci. Ce n'est qu'en 1958 que les innovateurs américains ont pu rattraper leurs confrères européens en matière de création de studios et d'innovations musicales, tant sur le plan technologique qu'artistique.

En 1948, la musique concrète, une pratique et un type de composition musicale uniques, a été inventée à Paris, en France, par deux compositeurs français, Pierre Schaeffer et Pierre Henry, dans le Studio d'Essai de la Radiodiffusion Française (RDF). La technique de la musique concrète reposait sur la création de collages de bandes ou encore de montages de sons enregistrés. Tous ces sons, par exemple des effets sonores, des fragments musicaux, des voix et d'autres sons ou bruits produits par un individu et son environnement, étaient considérés comme des matières premières "concrètes" provenant de situations et de moyens "concrets". De ce fait, la musique concrète était opposée à l'utilisation d'oscillateurs, considérés comme "artificiels", "anti-humanistes" et donc comme des sources sonores non "concrètes".

Plus qu'un style ou un mouvement musical, la musique concrète peut être considérée comme un ensemble de moyens variés de transformer le son et de créer de la musique en utilisant des techniques et des manipulations de bandes telles que l'altération et la variation de la vitesse (également appelée pitch shifting), le collage de bandes, la lecture de bandes à l'envers ou les boucles de rétroaction du signal. La première grande composition de musique concrète est la "Symphonie pour un homme seul”, écrite en 1950 par Schaffer et Henry. La seconde œuvre majeure de ce mouvement est “Orphée” (1953), ballet composé par Henry.

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Elektronische Musik

Karlheinz Stockhausen, qui a travaillé brièvement dans le studio de Schaeffer en 1952, avait une idée différente de la manière dont les sons et la musique pouvaient être transformés et altérés et a donc rejoint le studio de musique électronique de la WDR de Cologne créé par Herbert Einer. Plutôt que des sons "concrets", Stockhausen a mis l'accent sur des sons purs, générés électroniquement, et il s'est concentré sur les modifications des sons électroniques plutôt que sur la manipulation des bandes. Ce qu'il voulait faire, par le biais d'altérations sonores, telles que le filtrage et la modulation, c'était d'authentiques compositions électriques et acoustiques, c'est-à-dire des instruments acoustiques modifiés et accompagnés de sons modifiés, produits électroniquement.

Cela a marqué la naissance de l'Elektronische Musik, une branche allemande de la musique électronique qui, par opposition à la musique concrète, met l'accent sur la grandeur et la "pureté" des sons électroniques et sur la nécessité de combiner la musique électronique avec une composition sérielle qui utilise des rythmes, des groupes ordonnés de hauteurs et d'autres éléments musicaux.

Le Studio d'Essai tout comme le Studio de Cologne ont servi d'exemple pour les studios de musique électronique de l'époque et ont été ainsi largement imités dans toute l'Europe. Cette tendance s'est poursuivie tout au long des années 1960 et de nombreux autres studios ont été créés dans tous les grands centres urbains d'Europe avant d'atteindre la culture des États-Unis.

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La scène musicale électronique américaine

La naissance de la musique électronique aux États-Unis a probablement commencé en 1939 lorsque le musicien, John Cage, a publié sa composition, Imaginary Landscape, No. 1, en utilisant divers supports et sources sonores tels que deux platines à vitesse variable, des enregistrements de fréquences, un piano en sourdine et une cymbale. Aucun moyen de production électronique n'a été utilisé pour la composition. En général, cependant, la production de musique électronique aux États-Unis était plutôt sobre et sporadique, et cela jusqu'en 1958 environ.

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Les seuls travaux significatifs de musique électronique dans le pays sont deux projets entrepris par Cage et deux compositeurs de l'université de Columbia, Otto Luening et Vladimir Ussachevsky. Entre 1942 et 1958, Cage finalise Williams Mix (1952) et Fontana Mix (1958) et compose 5 autres Imagery Landscapes, écrits pour la plupart pour des disques d'essai RCA et des ensembles de percussion. Il a également formé le projet Music for Magnetic Tape avec d'autres compositeurs et membres de la New York School, dont Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor et Morton Feldman. L’accent de ce projet portait sur l'expérimentation d'enregistrement de sons électroniques et naturels combinés avec de la musique instrumentale, de la danse et des arts visuels.

L'objectif du projet mené par Luening et Ussachevsky était de créer un studio professionnel de bande magnétique qui démontrent les capacités et les possibilités musicales de la bande en tant que support. Avec Milton Babbitt, les deux compositeurs ont créé en 1959 le Columbia-Princeton Electronic Music Center (aujourd'hui connu sous le nom de Computer Music Center ou CMC), qui est devenu le centre de recherche en musique électronique et informatique le plus ancien des États-Unis. Après 1958, d'autres studios ont été créés dans toute la région de l'Amérique du Nord, notamment l'Experimental Music Studio de l'université de l'Illinois et le studio de l'université de Toronto en 1959. La création de ces installations a permis à la fois à la production et à l'enseignement de la musique électronique d'évoluer et de progresser.

L'équipement des studios de musique électronique s'est également développé et transformé, de même que les diverses sources sonores (ondes sinusoïdales, ondes carrées, microphones, etc.), les moniteurs et équipements de contrôle de la qualité (analyseur de spectre, oscilloscope, amplificateurs de puissance), les systèmes d'enregistrement et de lecture, les circuits de routage et bien plus encore. Grâce à ce matériel de studio, les musiciens et les compositeurs ont pu enregistrer des sons, tant électroniques que microphoniques, ou encore effectuer des opérations telles que la modulation, la réverbération et le filtrage, pour modifier ces sons.

L'influence des instruments japonais

Dans les années 1950, les instruments de musique électronique japonais ont commencé à exercer une forte influence sur l'industrie musicale internationale. Divers fabricants japonais, comme AceTone, Korg, Matsushita, Roland et Yamaha, développent leurs propres versions d'appareils de musique électronique. Il s'agit notamment d'instruments de percussion, de Mini Pops (premières boîtes à rythmes), d'orgues électriques (par exemple, Yamaha Electone) ou de synthétiseurs.

Les synthétiseurs et les boîtes à rythmes développés par Roland Corporation ont eu une grande influence sur les décennies suivantes et la firme elle-même a été l'un des acteurs les plus importants dans la formation de la musique populaire et de la musique électronique telles qu'elles sont aujourd'hui. Un autre rôle important dans le développement de la musique électronique a été joué par la société Matsushita (aujourd'hui Panasonic) qui a inventé et développé les premières platines à entraînement direct, ce qui a ensuite conduit à l'établissement du turntablism (ou platinisme) - l'art de manipuler et de former les sons et de créer de la nouvelle musique, des effets sonores, des mixages et autres rythmes. La version ultérieure des platines de Matsushita (Technics SL-1200) a été largement développée par les artistes hip-hop et a été l'une des platines les plus populaires dans la culture DJ. Par ailleurs, les premiers synthétiseurs entièrement numériques ont été commercialisés par la société Yamaha en 1983.

De la fin des années 1960 au début des années 1980

La fin des années 1960 a vu l'essor de la musique électronique populaire et sa fusion avec d'autres genres musicaux, notamment la pop et le rock, ce qui a conduit à l'établissement de nouveaux genres. Des musiciens renommés de l'époque, comme les Beatles ou les Beach Boys, ont commencé à intégrer des instruments électroniques, notamment le thérémine ou le Mellotron, dans leur son. Des genres tels que le rock électronique et l'electronica ont été lancés par le duo américain Silver Apples et des groupes de rock expérimental, comme White Noise et les United States of America, sont connus pour avoir ajouté des oscillateurs et des synthétiseurs à leur son psychédélique. Dans les années 1970, le rock électronique a également été produit par un certain nombre de musiciens japonais, tels que Isao Tomita ou Osamu Kitajima.

Les synthétiseurs d'ambiance sont devenus particulièrement populaires parmi les groupes de rock progressif, notamment Pink Floyd, Genesis, Yes et Emerson, Lake & Palmer. Un tout nouveau sous-genre du rock progressif, le krautrock (également connu sous le nom de kosmische Musik) est né en Allemagne de l'Ouest à la fin des années 1960 et au début des années 1970, représenté par des artistes de premier plan tels que Tangerine Dream, Can, Faust et, surtout, Kraftwerk.

La musique new age et la musique ambient, en particulier le dub ambient, se sont développées au début et au milieu des années 1970 sous l'effet de la montée de la musique d'art électronique. La musique new age a été fortement influencée par divers artistes, pour la plupart d'origine européenne, dont le compositeur français Jean-Michel Jarre, le musicien allemand Klaus Schulze ou le compositeur grec Vangelis. Le dub ambient a été lancé par plusieurs musiciens jamaïcains comme King Tubby, puis adopté par d'autres artistes internationaux comme Dreadzone, The Orb ou Ott.

Après que le disco soit devenu très populaire (pendant une période assez courte) dans les années 1970, la fin des années 1970 et le début des années 1980 ont vu l'émergence et le succès croissant de la synth-pop, avec le synthétiseur comme instrument musical dominant. Ce sous-genre a été lancé et grandement influencé par des musiciens tels que Ultravox avec la chanson "Hiroshima Mon Amour" (1977), Depeche Mode avec un titre intitulé "Dreaming of Me" (1980) et New Order avec sa chanson "Ceremony" (1981). Parmi les autres groupes phares, citons Eurythmics, Duran Duran, Yazoo et Spandau Ballet.

La synth-pop a ensuite acquis une grande renommée dans le monde entier en présentant de nouveaux artistes prometteurs, comme Lime et Men Without Hats du Canada ; Propaganda, Sandra et Modern Talking d'Allemagne ou Yello de Suisse, et Telex de Belgique. Le son de la synth-pop est également devenu le trait caractéristique de l'Italo-disco. Les synthétiseurs à clavier se sont tellement répandus que même les groupes de rock heavy metal les ont utilisés dans leur musique. Des groupes comme Van Halen avec son titre "Jump" (1983) ou encore Europe avec la célèbre chanson "The Final Countdown” (1986) ont connu un grand succès mondial.

Les années 1980 ont également été marquées par l'invention du Musical Instrument Digital Interface (MIDI), une norme technique qui décrit et normalise un protocole de communication, l'interface numérique et les connecteurs électriques entre divers instruments de musique électroniques, des logiciels informatiques et d'autres gadgets audio permettant d'enregistrer, d'éditer et de jouer de la musique. La norme MIDI a été finalisée en 1983 et la technologie a facilité le développement de sons purement électroniques.

De la fin des années 1980 aux années 1990

Le grand succès de la synth-pop s'est poursuivi tout au long de la décennie 1980, le genre se rapprochant de plus en plus de la musique dance, comptant parmi les groupes les plus influents les Pet Shop Boys, Erasure ou encore The Communards. Cependant, les années 1980 ont été marquées par le développement et la popularité croissante de la musique de danse électronique (EDM) et, progressivement, de ses sous-genres, comme la house, la techno, l'acid house, la trance, etc.

À la fin des années 1980, l'EDM a acquis une réputation de "musique de drogue" et le genre, aujourd'hui utilisé comme un terme générique pour d'autres sous-genres, a été adopté dans les clubs ainsi que dans de nombreux lieux underground, centres de fitness, champs ou entrepôts, à travers l'Europe. En 1987, un DJ britannique, Danny Ramplimg, a commencé à organiser une fête hebdomadaire, appelée Shoom, dans l'un des clubs de fitness de Londres. Très vite ces fêtes qui se déroulaient souvent de manière illégale, se sont étendues à d'autres pays européens, notamment en Allemagne. C'est là, dans la ville de Francfort, qu'est né un autre sous-genre important, la trance.

À la fin des années 1990, la scène "rave" ressemblait à ce qu'elle est aujourd'hui et le développement progressif de l'EDM et de ses sous-genres a permis à ce style musical de progresser pour finalement devenir un élément essentiel de l'industrie musicale grand public comme jamais auparavant. De même l'electronica, terme générique pour désigner les genres électroniques destinés à être écoutés plutôt que strictement dansés, est devenue populaire sur la scène musicale britannique. Les artistes les plus célèbres de ces sous-cultures sont, par exemple, Astralwerks, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, DJ Keoki ou encore Sims.

La musique électronique dans les années 2000, 2010 et aujourd'hui

La musique électronique dans les années 2000 et 2010 a été fortement façonnée par les avancées et inventions technologiques, ainsi que par la plus grande accessibilité de la technologie informatique et des logiciels musicaux. Non seulement de nombreuses innovations technologiques ont été introduites durant le nouveau millénaire, comme les CD ou les DVD (qui remplacent les disques vinyles), mais d'autres produits essentiels sont apparus sur le marché, comme la station de travail audio numérique (DAW) Ableton Live (2001) ou l'émulation de studio Reason (2000). Ces dispositifs ont fourni des alternatives moins complexes, plus rentables et plus viables aux studios de production traditionnels basés sur le matériel et, par conséquent, il est devenu possible de produire de la musique de haute qualité en utilisant à peine plus qu'un ordinateur portable. Ableton Live en particulier est considéré comme l'une des premières applications musicales permettant d'adapter automatiquement le rythme d'une chanson et a été largement utilisé par les DJ pour les performances live ainsi que pour la composition, l'enregistrement et le mastering d'un disque.

La popularité de la musique électronique et de ses sous-genres n'a cessé de croître tout au long de la première décennie du 21e siècle. Des musiciens et des producteurs tels que David Guetta, Daft Punk, Tiësto ou Skrillex ont reçu une renommée internationale et, à la fin des années 2000, ces DJ de renom se produisaient régulièrement dans les plus grands stades des États-Unis (principalement à Los Angeles) et d'Europe. Par ailleurs, les années 2000 et 2010 ont également connu l'essor de festivals et de fêtes commerciales de grande envergure, tels que Tomorrowland en Belgique, le Weekend Festival en Estonie, Ultra Music Festival en Floride ou encore Electric Daisy Carnival à Las Vegas.

De nos jours, et plus particulièrement en 2022, l'industrie de la musique électronique semble à nouveau bourdonner, malgré l'énorme perte financière en 2020. Les revenus de l’industrie ont augmentés dans 16 pays au total, grâce à des gains de parts de marché principalement au Royaume-Uni et en Allemagne. En outre, la musique électronique enregistrée a connu une croissance de 18 %, les ventes de formats physiques augmentant pour la première fois en 20 ans, tandis que les revenus des artistes et des DJ ont augmenté de 111 %.

Sous-genres de la musique électronique

Comme indiqué précédemment, la musique électronique est l'un des genres musicaux les plus vastes qui existe et peut être utilisée comme terme générique pour plus de 300 sous-genres. Nous vous présentons ci-dessous quelques-uns des sous-genres les plus connus de la musique électronique.

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2-step

En tant que genre de musique électronique et sous-genre du UK garage, le 2-step, également connu sous le nom de 2-step garage, se caractérise par un rythme irrégulier auquel il manque un motif de grosse caisse très fréquent dans d'autres styles électroniques avec un rythme régulier de quatre temps.

Le son 2-step, quant à lui, peut se caractériser par des grosses caisses syncopées qui sautent un temps, un rythme haché ou l'utilisation de tuplets/triplets qui sont fusionnés avec d'autres éléments de percussions. Ce qui est également habituel pour le 2-step est l'utilisation de voix féminines.

Artistes majeurs: Craig David (feat. Artful Dodger), Dem 2, Dreem Teem

Acid

L'acid house, également connu simplement sous le nom d'acid, est un sous-genre développé à partir de la musique house au milieu des années 1980 par des DJ de Chicago, aux États-Unis. Le style est défini par un son doux et la ligne de basse d'un synthétiseur-séquenceur de basse électronique Roland (Roland TB-300).

L'acid house est devenue particulièrement populaire au Royaume-Uni où elle était un élément essentiel des scènes rave locales. À la fin des années 1980, l'acid house est devenue le courant dominant en Grande-Bretagne et a ensuite exercé une forte influence sur divers styles de pop et de dance, notamment la trance, le hardcore, la jungle, la techno et le trip-hop.

Artistes majeurs: DJ Pierre, Sleezy D

Ambient

La musique ambient est un genre de musique qui met en avant le ton et l'atmosphère du son plutôt que sa structure musicale et son rythme traditionnels. Elle peut donc manquer de composition nette, de rythme et de mélodie structurée. Bien qu'un peu différente des autres genres électroniques, la musique ambiante s'est développée dans les années 1960 et 1970, lorsque de nouveaux instruments de musique, comme les synthétiseurs, ont été introduits sur le marché.

Avec son développement et, la plupart du temps, son intégration à d'autres genres, de nombreux sous-genres dérivés ont été créés, dont l'ambient techno, l'ambient pop et l'ambient industrial.

Breakbeat

Le breakbeat est apparu dans les années 1970 (principalement aux États-Unis et au Royaume-Uni) et est connu pour son utilisation d'échantillons des premiers enregistrements de hip-hop, de jazz, de R&B et de funk. Il n'y a pas de vitesse fixe pour les breakbeats et le genre est plutôt caractérisé par un rythme dansant et divers effets audio, comme les filtres hi-pass.

À partir des années 1980, les breakbeats ont été intégrés à des genres non hip-hop, puis dans les années 1990, de nouveaux sous-genres ont été dérivés du breakbeat, notamment le breakbeat hardcore, le breakbeat psychédélique et le nu-skool breaks.

Artistes majeurs: The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Prodigy, Death By Vegas.

Chill-out

La musique chill-out décrit un style de musique populaire plutôt décontracté qui se caractérise par des tempos lents et une ambiance détendue et “chilled”. En règle générale, il s'agit de musique moderne destinée à être écoutée facilement. Des genres tels que l’EDM, le downtempo, la dance, le jazz, l’ambient, le lounge ou le hip hop sont très souvent associés au chill-out.

Artistes majeurs: DJ Alex Petterson, DJ Jimmy Cauty

Eurodance

Sous-genre de l'EDM, l'Eurodance est née, comme son nom l'indique, en Europe à la fin des années 1980. Il est connu pour l'importance qu'il accorde à l'utilisation de voix riches, souvent accompagnées de couplets rappés. Le genre se caractérise en outre par des synthétiseurs d'avant-garde, des accroches mélodiques fortes et un rythme de basse intense. L'eurodance combine également des éléments d'autres genres, comme la house music, la techno, le hip hop et l'eurodisco.

Artistes majeurs: Snap !, Jam and Spoon, Intermission

Dance-pop

La dance-pop décrit un sous-genre de musique populaire qui s'est développé au tournant des années 1970 et 1980. En général, il s'agit d'une musique rythmée destinée à la fois à être dansée dans les boîtes de nuit qu'écoutée sur les radios consacrées aux hits populaires. Par ailleurs, la dance-pop peut être caractérisée par des structures de chansons simples et faciles, des rythmes forts, des airs accrocheurs et des mélodies à succès.

De nos jours, la dance-pop est un style de musique populaire grand public et, par conséquent, il existe de nombreux musiciens et groupes qui créent et se produisent dans ce genre. Parmi eux, Katy Perry, Paula Abdul, Cher, Madonna, Michael Jackson, Backstreet Boys, et bien d'autres.

Disco

Le disco est un genre de musique dance connu dans le monde entier, ainsi qu'une sous-culture qui a vu le jour à New York dans les années 1970. C'est le premier genre qui a donné l'idée d'aller dans les clubs et d'y danser toute la nuit. Le disco est défini par un battement typique four-on-the-floor, des sections de cordes, des cors, un piano électrique, des synthétiseurs, des lignes de basse syncopées et des guitares électriques.

Tout au long des années 1970, le genre a gagné en popularité à la fois aux États-Unis et en Europe, avec des artistes de premier plan comme ABBA, Donna Summer, les Bee Gees, Chaka Khan, Boney M et bien d'autres.

Artistes majeurs: Giorgio Moroder, Village People, Sister Sledge, Thelma Houston

Drum & Bass

La Drum & Bass (D&B) et la jungle sont des genres de musique dance qui se sont développés à partir de la scène rave britannique, ainsi que de la culture des sound systems dans les années 1990. Les deux styles se caractérisent par des breakbeats très rapides, voire accélérés, de 150-200 BPM (165-185 BPM pour le D&B), des lignes de basse sub-lourdes à lourdes, des échantillons vocaux et des effets synthétiques.

Alors que la jungle a évolué en deux branches principales: ragga jungle et jump-up, la D&B compte trois sous-genres principaux : la D&B heavy, la D&B light et la D&B mainline.

Artistes majeurs: Leviticus, DJ Hype, Aphrodite, Blondie, Pendulum

Dubstep

On dit que le dubstep est né au début des années 2000 dans le sud de Londres, et de ce fait il est considéré comme une branche plutôt récente de la musique électronique. Pourtant les premiers éléments du dubstep étaient déjà visibles lors du développement des soirées sound system Jamaïcaines au début des années 1980.

Ce genre se définit par des rythmes syncopés dont la vitesse est d'environ 130-140 BPM, avec des fréquences sub-basses proéminentes et un break à la mi-temps. Après avoir connu un succès commercial au Royaume-Uni vers la fin des années 2000/début des années 2010, la popularité du dubstep s'est étendue aux États-Unis également, principalement sous l'impulsion du musicien américain Skrillex.

Artistes majeurs: Skrillex, Major Lazer, DJ Snake, SLANDER

House

La house, tout comme son dérivé, l'acid house, est née à Chicago à la fin des années 1970 dans une boîte de nuit gay locale, la Westhouse. Le genre a été lancé principalement par les DJ Frankie Knuckles et Marshall Jefferson et se caractérise par un rythme four-on-the-floor répétitif, un tempo typique de 120 BPM et l'utilisation d'un synthétiseur Roland Bassline TB-303.

Même si à ses débuts, la house était plutôt un mélange d'eurodisco futuriste forte en synthétiseurs, le tout fusionné avec des genres tels que le jazz, la soul et le funk, elle a plus tard fortement influencé la pop et la dance music et s'est développée en de nombreux sous-genres, comme la future house (apparue dans les années 2010 au Royaume-Uni), la deep house, la garage house, la leftfield house, la melodic house (avec un fort son mélodique et lourd), l'afro house, la tech house, la vocal house ou encore la soulful house.

Artistes majeurs: Daft Punk, Fatboy Slim, Swedish House Mafia, Avicii

Electro house

Également dérivée de la house, l'electro house est un genre de dance musique électronique, caractérisé par des basses lourdes, le plus souvent sous la forme de lignes de basse bourdonnantes, et un tempo d'environ 130 BPM.

Artistes majeurs: Benny Benassi, Steve Aoki, Skrillex, Daft Punk

Electronica

Le terme electronica désigne à la fois un groupe assez large de sous-genres musicaux purement destinés à la danse et une scène musicale née au Royaume-Uni au début des années 1990. Aux États-Unis, le terme désigne la musique électronique en général.

Le genre s'est développé notamment grâce aux progrès technologiques et à la mise en place de nombreux instruments de musique électronique, dont les synthétiseurs, les séquenceurs, les boîtes à rythmes, etc. En conséquence, l'electronica regroupe une assez grande variété de styles et d'artistes qui se distinguent par une production électronique très forte.

Hardcore / Hard techno

Le hardcore, également connu sous le nom de techno hardcore ou house hardcore, est un sous-genre de l'EDM dont l'origine remonte au début des années 1990 au Royaume-Uni, en Allemagne, en Belgique et aux Pays-Bas. Il se définit par des tempos rapides (160-200 BPM ou plus), des kicks distordus et intenses, des lignes de basse synthétisées et des textures sonores souvent violentes.

Parmi ces sous-genres on retrouve le gabber, le speedcore, le hardcore industriel ou encore le breakcore.

Artistes majeurs: Sefa, Angerfist, Dr. Peacock

IDM / Experimental

L'IDM, abréviation d'Intelligent Dance Music (aussi connue sous le nom de braindance), désigne un style de musique électronique considéré comme mieux adapté à l'écoute à la maison que pour danser. Il est né au Royaume-Uni au début des années 90, mais le nom du genre viendrait des États-Unis, où il a été inspiré par la compilation Warp appelée "Artificial Intelligence".

L'IDM est décrit comme un genre de musique centré davantage sur l'expérimentation individuelle que sur les caractéristiques d'un genre spécifique et il prend en compte à la fois la texture et les paysages sonores ambiants.

Artistes majeurs: Aphex Twin, Speedy J, The Black Dog, The Orb

Techno

La techno est de loin l'un des genres les plus importants de la musique électronique et un sous-genre essentiel de l'EDM. Elle a été développée à Detroit au milieu des années 1980 et ses principales caractéristiques sont un rythme solide et régulier de 120 à 150 BPM et l'utilisation d'instruments électroniques, tels que des boîtes à rythmes (comme le Roland TR-808 et le TR-909), des séquenceurs, des synthétiseurs et des stations de travail audio numériques (DAW).

Le mot "techno" pour désigner un type de musique électronique est apparu en Allemagne au début des années 1980. À la fin de cette décennie, le genre est devenu très populaire dans toute l'Europe, principalement au Royaume-Uni, en Belgique, aux Pays-Bas et en Allemagne. En Europe, des variations et des styles régionaux dérivés de la techno ont été développés au début des années 1990, notamment l'acid techno, le hardcore, la bleep techno, la deep techno ou encore la dub techno.

Artistes majeurs: Juan Atkins, The Prodigy, The Chemical Brothers, Apparat

Trance

La musique trance, souvent considérée comme un hybride de techno et de house, est un sous-genre de l'EDM issu de la scène musicale new-age britannique et des scènes techno et hardcore allemandes des années 1990. Les caractéristiques de la trance sont un tempo compris entre 128 et 150 BPM, un accent sur la mélodie et les phrases mélodiques répétitives, et l'utilisation de la tension et d'autres éléments tout au long du morceau qui atteignent généralement 1 ou 2 "pics" ou "chutes".

Par ailleurs, le genre est surtout instrumental avec parfois des voix, principalement féminines. Il n'y a généralement pas de structure traditionnelle couplet/refrain. Au fil des ans, la trance a été fortement influencée par d'autres genres, notamment la techno, la house, la pop, le chill-out, l'ambient, la musique classique ou la musique de film. C'est ainsi que de nouveaux sous-genres de trance ont vu le jour, comme la trance progressive, la trance psychédélique, la trance uplifting et la trance vocale.

On dit que la trance est d'abord apparue au cours des années 1990 dans les boîtes de nuit allemandes (en particulier dans la ville de Francfort) avant de se répandre dans toute l'Europe. Elle a acquis une popularité mondiale grâce à des artistes tels que DJ Tiësto, Ferry Corsten et, plus tard, Armin Van Buuren.

Artistes majeurs: DJ Tiësto, Armin Van Buuren, Nina Kraviz, Paul van Dyk

Trap

La trap, également appelée EDM trap, est un autre sous-genre de l'EDM (à ne pas confondre avec la trap comme sous-genre du hip-hop ) qui a vu le jour aux États-Unis dans les années 2010. Le genre combine des éléments du southern hip-hop, avec des éléments de l'EDM, comme les build-ups, les breakdowns et les drops.

Artistes majeurs: Bro Safari, DJ Snake, 12th Planet

Trip-hop

Le trip-hop est né au début des années 1990 au Royaume-Uni, en particulier dans la ville de Bristol. Le genre a des tempos plutôt lents et un son psychédélique et combine des éléments du hip-hop, de l'electronica, du jazz, de la soul-funk, du dub, du reggae ou encore du R&B.

Artistes majeurs: Massive Attack, Tricky, Portishead

Conclusion

En l'espace d'un siècle la musique électronique est devenue l'un des genres musicaux le plus varié, avec plus de 300 sous-genres. Dans ce guide, nous avons mis l’accent sur ces styles musicaux particuliers et avons consacré une grande partie du guide au développement historique de la musique électronique qui a fortement façonné la scène musicale internationale dans son ensemble.

Si vous souhaitez en savoir plus sur l’un des des sous-genres les plus populaires de la musique électronique, n'hésitez pas à vous plonger dans notre article sur ce l'EDM et les artistes qui définissent le genre !

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