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Comment composer la musique d'une pièce de théâtre

How to make music for musical theater

« Vous êtes libre de faire ce que vous voulez, du moment que cela ne se transforme pas en concert ». Composer de la musique pour accompagner les pièces de théâtre est un art bien différent de celui des salles de concert. La musique que vous créez doit toujours être en accord avec les scènes, l'histoire et la production finale, plutôt que de chercher à sortir du lot et se démarquer. Ceci dit, cela ne veut pas dire que la musique composée pour une pièce de théâtre ne peut pas devenir par la suite un véritable album. Vous êtes libre de faire ce que vous voulez, du moment que cela ne se transforme pas en concert. Il n'y a pas de règle, à l’exception d'une : il ne s'agit pas uniquement de musique, mais d'un projet tout entier.

Recherches et développement

En plus de devoir examiner consciencieusement le sujet de la pièce et son script, vous allez devoir rencontrer le producteur, les artistes, et assister aux répétitions. Vos recherches vous mèneront à discuter avec le producteur et les comédiens pour voir quelle ambiance ils souhaitent donner à certaines scènes. Discutez des points importants, comme ce qui se passe entre deux scènes, et l'histoire entre les lignes de la trame principale. Votre musique peut donner vie à ce qui se passe derrière le rideau, et activer ou refréner l'imaginaire. Sans oublier que celle-ci est un point clé au niveau des dialogues et des actions qui se passent sur les planches. Le décor, les accessoires et les lumières de la scène doivent également être pris en compte. Tous ces éléments doivent être votre palette avec laquelle jouer lorsque vous commencerez à composer.

Comment créer vos compositions et instrumentation

Vos compositions musicales et leur instrumentation doivent soutenir les multiples aspects du spectacle, et, sans doute le plus important, ne pas éclipser les scènes. Vous devez travailler vos pièces afin de créer un puzzle dont tout s'emboîte à la perfection. N'oubliez pas que la musique que vous créez doit s'adapter à chaque moment : que ce soit entre les scènes, ou encore les parties avec du dialogue. Votre instrumentation doit être tout sauf conventionnelle : en fait, les théâtres sont les terrains de jeux les plus amusants si vous souhaitez être créatif en choisissant les instruments que vous allez utiliser. Les instruments fait-main ont toujours la cote, et leur son permet de se différencier d'un concert. Mais l'instrumentation la plus simple peut également être la plus difficile à mettre en scène lorsqu'elle est présentée sous les feux des projecteurs.

Les répétitions et les affinements

Affiner un morceau prend des heures d'entraînement, de répétitions et de travail, afin que vos compositions s'insèrent parfaitement dans une production théâtrale. Une fois votre musique développée, ils vous faut la retravailler avec toute l'équipe autant de fois que nécessaire pour un morceau final contenant uniquement son essentiel. La démarche est différente pour chaque type de production, mais le résultat est toujours le même : travailler ensemble pour un résultat optimal. L'art de l'affinement de morceau doit toujours être en concordance avec l'équipe qui vous entoure pour voir ce qui marche et ce qui ne marche pas. Les moments les plus puissants et épiques émanent souvent d'un morceau répété durant ce processus critique du travail de groupe. Parfois, des développements spontanés et des éclairs de génie émergent de ce processus créatif. Mettre des performances en musique est une des activités de groupe les plus anciennes, et l'on découvre encore ses secrets aujourd'hui. N'ayez pas peur d'essayer des choses moins conventionnelles, et aventurez-vous sur des sentiers déjà battus pour créer de nouveaux arrangements avec votre musique.

La représentation

Lorsque l'on parle de représentation, vous devez vous contenter de jouer ce que vous avez répété et travaillé, afin que les autres musiciens sachent à quoi s'attendre. Votre langage corporel doit refléter votre relation avec les autres musiciens et votre rôle dans l'orchestre, ainsi que ce qui se passe sur les planches. La présence naturelle d'un musicien est tout aussi importante que sa performance musicale : le public doit pouvoir s'identifier à ce qui se passe sur scène en en dehors. La musique pour le théâtre ne doit pas forcément être parfaite, elle doit avant tout soutenir le propos de ce qui se passe et les émotions qui doivent s'en tirer. Il vous faut trouver une connexion entre ce que vous avez travaillé, votre présence scénique, votre langage corporel, tout cela en prenant compte du monde qui vous entoure tout au long de la pièce jusqu'au rideau final.

Les samples et enregistrements playback

Vous pouvez vous amuser avec des samples et des enregistrements playbacks, mais il y a quelques éléments auxquels vous devez porter une attention toute particulière. Le premier point, c'est le timing et l'ordre : assurez vous d'avoir tous vos samples prêts dans l'ordre du spectacle sur votre station numérique d'enregistrement, afin d'éviter tous les imprévus liés au stress. Assurez-vous également de pouvoir voir vos boutons, car les salles de théâtres sont extrêmement sombres! Vous pouvez vous munir d'une petite lampe d'appoint pour éclairer votre matériel, bien que sa lumière puisse parfois être distrayante. Mais vous ne voulez pas manquer un sample ou lancer le mauvais car vous ne pouvez pas voir votre station de travail. Le second point, c'est de s'assurer que le niveau sonore des samples et des préenregistrements soient au volume adéquat. Un son trop fort ou pas assez peut ruiner une représentation.

Effets sonores et designs

Utiliser des effets comme un octaveur, des delays ou une distorsion (parmi tant d'autres choses à essayer!) sur une voix ou un instrument peut ajouter des éléments surréalistes, étranges ou effrayants. Tout cela peut être un bon ajout, du moment que c'est en accord avec le spectacle. Veillez à utiliser les effets de manières épars et cohérents, et évitez d'en utiliser trop afin de ne pas rendre le tout trop intense.

D'autres effets peuvent parfois être démodés, comme par exemple essayer de reproduire le son d'un objet réel avec un instrument ou une voix (un rimshot de batterie pour copier un coup de feu, utiliser un micro pour imiter des sons de vent, de voiture, d'animaux...)Vous pouvez plutôt utiliser vos effets et mélanger tout cela, du moment que vous ne vous emportez pas et garder la trame principale bien en tête.

Lorsque vous utilisez un séquenceur en live, assurez-vous que tous vos effets soient bien équilibrés, que chaque piste soit à sa place, et que tous vos instruments soient là où ils doivent être. Pour vous faire un ordre d'idée, partez sur la mise en place de votre station, puis de vos instruments, puis de la scène, puis de la salle toute entière. Il y a de nombreux éléments à prendre en compte, comme les batteries et piles, les câbles, les éléments électriques, et tous ceux-ci peuvent poser problème. Il est donc utile de les vérifier afin de détecter un problème avant que celui-ci n'arrive. Faites un backup de tous vos dossiers sur un disque dur externe, car bien qu'il soit peu probable que votre ordinateur ne meure cinq minutes avant le spectacle, cela est tout de même possible... Soyez préparé à tout, et surtout cherchez à sortir du cadre, car la musique de théâtre cherche à briser les codes et les frontières.

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