Comment composer la musique d'une pièce de théâtre

En plus de devoir examiner consciencieusement le sujet de la pièce et son script, vous allez devoir rencontrer le producteur, les artistes, et assister aux répétitions. Vos recherches vous mèneront à discuter avec le producteur et les comédiens pour voir quelle ambiance ils souhaitent donner à certaines scènes. Discutez des points importants, comme ce qui se passe entre deux scènes, et l'histoire entre les lignes de la trame principale. Votre musique peut donner vie à ce qui se passe derrière le rideau, et activer ou refréner l'imaginaire. Sans oublier que celle-ci est un point clé au niveau des dialogues et des actions qui se passent sur les planches. Le décor, les accessoires et les lumières de la scène doivent également être pris en compte. Tous ces éléments doivent être votre palette avec laquelle jouer lorsque vous commencerez à composer.

Vos compositions musicales et leur instrumentation doivent soutenir les multiples aspects du spectacle, et, sans doute le plus important, ne pas éclipser les scènes. Vous devez travailler vos pièces afin de créer un puzzle dont tout s'emboîte à la perfection. N'oubliez pas que la musique que vous créez doit s'adapter à chaque moment : que ce soit entre les scènes, ou encore les parties avec du dialogue. Votre instrumentation doit être tout sauf conventionnelle : en fait, les théâtres sont les terrains de jeux les plus amusants si vous souhaitez être créatif en choisissant les instruments que vous allez utiliser. Les instruments fait-main ont toujours la cote, et leur son permet de se différencier d'un concert. Mais l'instrumentation la plus simple peut également être la plus difficile à mettre en scène lorsqu'elle est présentée sous les feux des projecteurs.

Affiner un morceau prend des heures d'entraînement, de répétitions et de travail, afin que vos compositions s'insèrent parfaitement dans une production théâtrale. Une fois votre musique développée, ils vous faut la retravailler avec toute l'équipe autant de fois que nécessaire pour un morceau final contenant uniquement son essentiel. La démarche est différente pour chaque type de production, mais le résultat est toujours le même : travailler ensemble pour un résultat optimal. L'art de l'affinement de morceau doit toujours être en concordance avec l'équipe qui vous entoure pour voir ce qui marche et ce qui ne marche pas. Les moments les plus puissants et épiques émanent souvent d'un morceau répété durant ce processus critique du travail de groupe. Parfois, des développements spontanés et des éclairs de génie émergent de ce processus créatif. Mettre des performances en musique est une des activités de groupe les plus anciennes, et l'on découvre encore ses secrets aujourd'hui. N'ayez pas peur d'essayer des choses moins conventionnelles, et aventurez-vous sur des sentiers déjà battus pour créer de nouveaux arrangements avec votre musique.

Lorsque l'on parle de représentation, vous devez vous contenter de jouer ce que vous avez répété et travaillé, afin que les autres musiciens sachent à quoi s'attendre. Votre langage corporel doit refléter votre relation avec les autres musiciens et votre rôle dans l'orchestre, ainsi que ce qui se passe sur les planches. La présence naturelle d'un musicien est tout aussi importante que sa performance musicale : le public doit pouvoir s'identifier à ce qui se passe sur scène en en dehors. La musique pour le théâtre ne doit pas forcément être parfaite, elle doit avant tout soutenir le propos de ce qui se passe et les émotions qui doivent s'en tirer. Il vous faut trouver une connexion entre ce que vous avez travaillé, votre présence scénique, votre langage corporel, tout cela en prenant compte du monde qui vous entoure tout au long de la pièce jusqu'au rideau final.

Vous pouvez vous amuser avec des samples et des enregistrements playbacks, mais il y a quelques éléments auxquels vous devez porter une attention toute particulière. Le premier point, c'est le timing et l'ordre : assurez vous d'avoir tous vos samples prêts dans l'ordre du spectacle sur votre station numérique d'enregistrement, afin d'éviter tous les imprévus liés au stress. Assurez-vous également de pouvoir voir vos boutons, car les salles de théâtres sont extrêmement sombres! Vous pouvez vous munir d'une petite lampe d'appoint pour éclairer votre matériel, bien que sa lumière puisse parfois être distrayante. Mais vous ne voulez pas manquer un sample ou lancer le mauvais car vous ne pouvez pas voir votre station de travail. Le second point, c'est de s'assurer que le niveau sonore des samples et des préenregistrements soient au volume adéquat. Un son trop fort ou pas assez peut ruiner une représentation.