Le donne nella musica classica: storia, rappresentazione e compositori influenti

Per gran parte del XVIII e XIX secolo, la musica era considerata un'attività appropriata, se non addirittura desiderabile, per le giovani donne, in particolare nelle famiglie europee e americane dell'alta e media borghesia. Suonare il pianoforte, l'arpa, la chitarra classica o il canto era considerato un segno di raffinatezza, disciplina e cultura femminile.

In effetti, la società era così decisa a incoraggiare le donne a imparare la musica che la prima scuola di musica accreditata negli Stati Uniti, il Music Vale Seminary, fu fondata nel 1835 proprio per insegnare la musica alle donne. Tuttavia, le donne non venivano addestrate per diventare professioniste: per loro la musica doveva essere un'arte domestica, eseguita in privato o in piccoli incontri sociali controllati. L'esibizione in pubblico era spesso percepita come sconveniente, immodesta e segno di un basso status sociale.

Gli ostacoli non erano sottili. Le donne erano formalmente escluse dalla maggior parte dei conservatori europei fino al XIX secolo. Negli Stati Uniti le scuole di musica erano, in teoria, più aperte, ma i percorsi professionali rimanevano stretti. Le istituzioni ecclesiastiche, uno dei principali datori di lavoro per i talenti dell'epoca, escludevano le donne dai cori e dagli organi di molte confessioni. Le orchestre erano l'espressione più diretta della vita musicale professionale e la maggior parte di esse semplicemente non assumeva donne.

L'esclusione delle donne dalla vita musicale pubblica era raramente esplicita in termini politici. Al contrario, era radicata nelle idee sull'idoneità fisica (la sezione degli ottoni era considerata troppo impegnativa), sul decoro professionale (gli ensemble misti di genere erano considerati impropri) e sull'autorità estetica (si riteneva che il pubblico non prendesse sul serio le donne come interpreti di musica seria). E questo anche se l'esecuzione musicale era generalmente vista come un'attività altamente femminile. Nel complesso, queste giustificazioni avevano una chiara funzione: mantenere la musica classica professionale uno spazio dominato dagli uomini.

La percezione del XVIII secolo della composizione come "intellettualmente inadatta" alle donne ha influenzato direttamente chi è stato incoraggiato a scrivere musica. Coloro che riuscirono a comporre in modo prolifico durante la loro vita dovettero affrontare ulteriori sfide: la pubblicazione, l'attribuzione e l'archiviazione.

Le composizioni delle donne avevano meno probabilità di essere pubblicate. In Europa e in Gran Bretagna erano più comunemente accettate, anche se spesso con una visibilità limitata. Negli Stati Uniti, le opere delle donne erano per lo più attribuite in modo vago o non attribuite del tutto. Molte compositrici, come Fanny Mendelssohn, Augusta Holmes, Claude Arrieu e Clara Schumann, scrissero e fecero uscire discografie con nomi di fantasia maschili o nomi neutri per evitare pregiudizi.

Gli editori del XIX e dell'inizio del XX secolo avevano pochi incentivi commerciali per sostenere le compositrici. I quadri critici rafforzavano l'idea che la composizione seria fosse una specialità maschile. Il linguaggio della critica musicale di questo periodo è pieno di descrittori di genere che posizionano il lavoro delle donne come "delicato" o "affascinante" mentre riservano parole come "potente" e "monumentale" ai compositori.

Quando gli storici della musica costruirono il canone che ancora oggi viene insegnato nei conservatori, si basarono su ciò che era stato pubblicato, eseguito e sostenuto dalla critica. Questo significava attingere da un bacino già sbilanciato. Ad esempio, l'influente Musikalisches Lexikon di Heinrich Christoph Koch (1802) non conteneva alcuna voce relativa alle donne compositrici.

I libri di testo di storia della musica che hanno plasmato i curricula dei conservatori del XX secolo - da A History of Western Music di Donald Grout (pubblicato per la prima volta nel 1960 e ancora oggi disponibile in edizioni rivedute) a The Classical Style di Charles Rosen - in genere trattavano il compositore europeo maschio come soggetto predefinito di studio serio. Le compositrici femminili erano di solito menzionate solo di sfuggita, se non del tutto.

L'assenza di donne nei programmi di studio standard non dimostra che le donne non fossero compositrici. Dimostra invece che, nel corso dei secoli, le istituzioni hanno ripetutamente deciso che il lavoro delle donne non meritava la stessa attenzione.

I progressi delle donne nella musica classica sono stati lenti e guadagnati con fatica. Prima del XX secolo, le donne che si esibivano professionalmente suonavano per lo più in ensemble interamente femminili come la Vienna Damen Orchester( Orchestrafemminile di Vienna) o Das Erste Europäische Damenorchester(La prima orchestra femminile europea), entrambe fondate nel 1873.

Nel 1913, la Queen's Hall Orchestra di Londra divenne una delle prime grandi orchestre europee ad assumere una donna, segnando una pietra miliare significativa per l'epoca. Negli Stati Uniti, le prime assunzioni femminili di rilievo avvennero nel 1918, quando Djina Ostrowska (arpa), Helen Burr-Brand (arpa) e Ida Divinoff (violino) furono ammesse alla Detroit Symphony Orchestra.

Tuttavia, per un'inclusione più ampia ci vollero decenni. Nel 1947, le donne rappresentavano solo l'8% dei talenti nelle principali orchestre sinfoniche. Nel 1982, questa percentuale era salita a circa il 26,8%. Tuttavia, le donne rimasero una minoranza in molte sezioni e furono praticamente assenti dai ruoli dirigenziali per molto tempo ancora.

La Filarmonica di Vienna, una delle orchestre più prestigiose al mondo, ha iniziato ad accettare donne come membri permanenti solo nel 1997. La prima donna musicista è stata nominata nel 2003. L'istituzione ha avuto un divieto esplicito di accettare membri donne per più di 150 anni, anche se ha continuato a fare tournée internazionali ed è stata celebrata come l'apice del successo classico. La decisione di abolire il divieto non è stata improvvisa: è arrivata dopo una forte pressione da parte del pubblico, proteste durante le esibizioni e minacce di tagli al bilancio da parte del governo austriaco.

Uno dei cambiamenti strutturali più efficaci avvenne con l'introduzione delle blind auditions negli anni '70 e '80, in cui gli interpreti si presentavano dietro uno schermo in modo che i valutatori non potessero vederli. Questo metodo ha permesso agli artisti di nascondere la propria identità e ha contribuito a mitigare le pratiche di assunzione basate sul genere.

Una ricerca degli economisti Claudia Goldin e Cecilia Rouse, pubblicata originariamente nel 2000, ha rilevato che le audizioni al buio hanno contribuito all'aumento del numero di talenti orchestrali di sesso femminile tra il 30% e il 55% durante questo periodo.

Oggi il quadro delle orchestre è notevolmente più equilibrato rispetto a cinquant'anni fa, soprattutto a livello di strumenti. In molte grandi orchestre in Europa e negli Stati Uniti, le donne rappresentano oggi tra il 35% e il 50% dei talenti, con una forte presenza nelle sezioni di archi.

Tuttavia, le donne sono ancora sottorappresentate nei ruoli dirigenziali e come soliste. Ad esempio, uno studio del 2020 del Centro Tedesco di Informazione Musicale ha mostrato che la percentuale media di donne in posizioni come concertmaster, capo sezione e solista nelle 129 orchestre tedesche finanziate con fondi pubblici è del 28,4%. Nelle orchestre più pagate, questa percentuale scende al 21,9%.

Allo stesso modo, ruoli come il direttore musicale e il direttore principale - le posizioni più importanti, più pagate e di maggior talento nelle orchestre - continuano a essere ricoperti prevalentemente da uomini. Secondo l'indagine del Concorso La Maestra del 2021, delle 778 orchestre intervistate, solo 62 avevano una donna come direttore musicale, pari al 7,9%. Inoltre, un rapporto del 2023 della League of American Orchestras afferma che solo un'orchestra statunitense su 9 è guidata da un direttore musicale donna. Nelle orchestre più grandi, questo rapporto scende a 1 su 18 (5,5%).

La direzione d'orchestra è stata tradizionalmente uno dei ruoli più ostinatamente maschili della musica classica. L'autorità necessaria per stare di fronte a un'orchestra e dirigerla era considerata culturalmente maschile e particolarmente resistente al cambiamento. Le donne che hanno intrapreso la carriera di direttore d'orchestra nel XX secolo hanno spesso affrontato una vera e propria ostilità da parte di orchestre, critici e pubblico.

Inoltre, questo campo sta cambiando. Diverse donne sono riconosciute come pioniere della direzione d'orchestra, aprendo la strada a molte altre che meritano di essere ascoltate. Nadia Boulanger (di cui parleremo più avanti) è conosciuta come una delle prime donne a dirigere grandi orchestre, tra cui la New York Philharmonic e la Boston Symphony. Ad Antonia Brico, invece, viene spesso attribuito il merito di aver infranto le barriere di genere all'inizio del XX secolo, diventando la prima donna a dirigere la Filarmonica di Berlino nel 1930. Nel 2005, Simone Young è stata la prima donna a dirigere la Filarmonica di Vienna. Questi sono solo alcuni momenti emblematici.

Nonostante queste pietre miliari, però, le disuguaglianze persistono. Uno studio del 2024 ha dimostrato che per la stagione concertistica 2024-2025, su 159 direttori d'orchestra alla guida delle 21 principali orchestre degli Stati Uniti per almeno un concerto, 33 erano donne (20,8%). Inoltre, un'altra ricerca ha indicato che nel 2023 solo l'11,2% dei direttori d'orchestra rappresentati dal management dei talenti era di sesso femminile.

Il divario nella programmazione richiede un'attenzione particolare perché è il punto in cui l'esclusione diventa più visibile e più radicata e perché riflette anche scelte deliberate di talento e istituzionali.

Uno studio condotto tra il 2020 e il 2021 ha dimostrato che tra le 100 migliori orchestre del mondo, solo il 5% della musica programmata per l'esecuzione era composta da donne. Inoltre, solo l'1% era composto da compositrici asiatiche e nere. Le ricerche indicano che per le compositrici nere e asiatiche la disparità è ancora maggiore. I dati disponibili suggeriscono che anche nella piccola percentuale di opere programmate da donne, la maggior parte è composta da compositori bianchi europei o americani. Florence Price, probabilmente la compositrice nera più importante nella storia della musica classica americana, ha visto le sue opere largamente assenti dalla programmazione delle grandi orchestre fino a poco tempo fa.

Uno studio più recente della Donne Foundation ha dimostrato che nella stagione 2023-2024, in 111 orchestre di 30 paesi, solo il 7,5% delle opere programmate erano composte da donne - un leggero calo rispetto al 7,7% dell'anno precedente. Di queste opere, il 5,8% era composto da donne bianche, mentre le donne della maggioranza globale rappresentavano solo l'1,6%. Le opere maschili rappresentavano il 92,5% del repertorio in programma, con l'89,3% composto da uomini bianchi. In particolare, il 78,4% di tutti i brani programmati sono stati composti da uomini bianchi deceduti, rispetto al 76,4% del periodo di analisi precedente.

La Donne Foundation ha anche condotto un'analisi dettagliata della programmazione dei BBC Proms 2024. I risultati mostrano che 42 degli 89 concerti includevano almeno un'opera scritta da una donna (47%). Sebbene queste cifre sembrino promettenti, la programmazione totale consisteva in 7.193 minuti di musica, con l'89,9% (6.467 minuti) composto da uomini. Inoltre, l'8,6% (617 minuti) è stato composto da donne e solo l'1,2% è stato scritto da compositori di genere sconosciuto o da compositori multipli di genere misto.

Sebbene la storia suggerisca spesso che la musica classica sia prevalentemente bianca e maschile, la verità è che alle donne non sono state date abbastanza possibilità di registrare, pubblicare ed esibirsi. In realtà, sono oltre 5.000 le compositrici di cui si ha notizia, a partire dal 450 a.C..

Anche se meno riconosciute, le donne non sono meno importanti dei loro colleghi maschi e la musica dei compositori non è inferiore in termini di qualità. Le seguenti 10 aretiste classiche, tra cui due sorelle, ne sono la prova evidente.

Ildegarda di Bingen era una badessa benedettina tedesca che oggi è considerata non solo una santa in diverse religioni cristiane, ma anche una delle prime compositrici conosciute. Si ritiene che abbia composto circa 70 opere, tra cui l'Ordo Virtutum che si ritiene sia la più antica opera morale sopravvissuta, un genere di teatro medievale e dei primi Tudor.

Ildegarda scrisse anche diverse Tracce liturgiche che furono poi raccolte in un ciclo musicale chiamato Symphonia armoniae celestium revelationum. Oltre a comporre le melodie, scrisse anche i testi per la sua musica.

Compositrice e cantante veneziana, Barbara Strozzi era determinata a sfidare le norme del XVII secolo. Nel corso della sua vita, compose e pubblicò otto volumi di musica propria e diede alle stampe più musica profana di qualsiasi altro compositore del suo tempo, sia donna che uomo. In particolare, riuscì a fare tutto ciò senza alcun supporto finanziario da parte della Chiesa o senza il sostegno costante della nobiltà.

La maggior parte delle sue opere furono composte per soprano e, come già detto, l'artista scrisse principalmente musica profana, ad eccezione di una raccolta di Tracce sacre. Quando creava le sue melodie, utilizzava testi di poeti del suo tempo, soprattutto del poeta italiano Marino.

Se Robert Schumann è ampiamente considerato uno dei più grandi compositori dell'epoca romantica, sua moglie, Clara Schumann, era considerata una delle pianiste più illustri dell'epoca. Si dice addirittura che averla sentita suonare durante un concerto a casa abbia ispirato Schumann a lasciare gli studi di legge per dedicarsi alla musica.

Durante i suoi 61 anni di carriera concertistica, Clara non fu solo fonte di ispirazione per altri pianisti e compositori, ma fu anche una forza significativa nel cambiare la struttura e il repertorio dei recital per pianoforte solo. Il suo obiettivo era quello di ridurre l'enfasi sulle opere interamente virtuosistiche. Inoltre, fu una delle prime pianiste classiche a memorizzare la musica per le sue esibizioni.

Durante la vita del marito, Clara fece debuttare molte delle sue composizioni, oltre a opere di Johannes Brahms. Tuttavia, era anche una compositrice. Era nota soprattutto per aver scritto pezzi per pianoforte solo, tra cui il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore, Op. 7, opere da camera, pezzi corali e altre Tracce.

Sebbene abbiamo già citato alcune rinomate compositrici europee, Amy Beach era originaria del New Hampshire, negli Stati Uniti. È stata la prima donna americana a essere riconosciuta come compositrice di musica d'arte su larga scala. È anche da notare che Beach fu in gran parte autodidatta e non beneficiò dell'istruzione europea che all'epoca era considerata lo standard. Si fece conoscere con la sua Messa in Mi bemolle maggiore, che fu eseguita per la prima volta nel 1892 dall'orchestra della Handel and Haydn Society.

Questa fu la prima volta dalla sua fondazione che l'orchestra eseguì un brano composto da una donna. L'opera ricevette il plauso della critica e fu spesso paragonata alle Messe di Bach e Cherubini. Nel 1896, la Boston Symphony Orchestra eseguì in anteprima la sua Gaelic Symphony, la prima sinfonia scritta e pubblicata da una donna americana. Come acclamata pianista, si esibì anche in tournée. Una sua cara amica era la cantante d'opera americana Marcella Craft, che spesso interpretava le sue Tracce, tra cui l'opera più conosciuta di Beach, The Year's at the Spring.

Nata in una zona del sud-est di Londra chiamata Sidcup, Ethel Smyth è stata una compositrice inglese e un'appassionata attivista, nota soprattutto come membro del Movimento per il suffragio femminile. La sua composizione del 1911 , The March of the Women, divenne addirittura un inno del movimento. Fu notoriamente "eseguita" dalle attiviste nel cortile della prigione di Holloway, con Smyth che dirigeva vigorosamente la folla con uno spazzolino da denti mentre si sporgeva da una finestra. Lei stessa stava scontando due mesi di prigione per aver rotto la finestra del politico Lewis Harcourt, che si era pubblicamente opposto al voto per le donne.

Per tutta la sua vita, sembrava che come compositrice donna non potesse mai avere abbastanza successo. Quando produceva composizioni più delicate e ricche di sfumature, veniva considerata solo una "signora compositrice", il cui lavoro non avrebbe mai potuto eguagliare quello dei suoi colleghi maschi.

Tuttavia, molti hanno lodato il suo talento e la musica che ha creato. La sua opera The Boatswain's Mate fu definita da alcuni "una delle opere comiche più deliziose mai messe in scena". Nel 1922 fu nominata Dama dell'Impero Britannico, la prima compositrice donna a ricevere il titolo di Dama.

Le sorelle Boulanger sono tra le famiglie musicali più influenti dell'inizio del XX secolo. La più giovane, Lili (1893-1918), fu considerata una bambina prodigio fin dall'età di 2 anni e guadagnò rapidamente fama come acclamata compositrice francese. Aveva solo 19 anni quando divenne la prima donna a vincere il prestigioso Prix de Rome per la sua cantata Faust et Hélène. Purtroppo soffrì di una malattia cronica e morì tragicamente all'età di 24 anni.

A differenza di Lily, sua sorella maggiore, Nadia Boulanger (1887-1979), riteneva di non avere un particolare talento per il compositore e decise invece di diventare un'insegnante di musica. Divenne molto influente in questo campo, insegnando a generazioni di giovani compositori, solisti e direttori d'orchestra di talento, soprattutto se provenienti dagli Stati Uniti o da altri paesi di lingua inglese. Tra i suoi studenti più famosi ci sono il direttore d'orchestra argentino Daniel Barenboim, la compositrice polacca Grażyna Bacewicz e il produttore discografico americano Quincy Jones. Oltre alla sua carriera di insegnante, Nadia si è esibita anche come pianista o organista e, soprattutto, come direttrice d'orchestra, come già detto.

Florence Price è un'altra donna all'avanguardia nella storia americana: è stata la prima donna afroamericana riconosciuta come compositrice sinfonica. La sua prima sinfonia, la Sinfonia n. 1 in Mi minore, vinse il noto Concorso Rodman Wanamaker nel 1932. Inoltre, Price è stata la prima compositrice afroamericana la cui musica è stata eseguita da un grande ensemble, la Chicago Symphony Orchestra.

Come compositrice, ebbe una vita molto produttiva e creò più di 300 opere, tra cui sinfonie, pezzi orchestrali, concerti, Tracce corali, opere da camera e musica per strumenti solisti. La maggior parte delle sue opere e dei suoi documenti sono stati ritrovati nella sua casa estiva abbandonata in Illinois nel 2009, più di 50 anni dopo la sua scomparsa.

Nata in Inghilterra da una famiglia americano-tedesca, Rebecca Clarke era una compositrice e, soprattutto, una rinomata virtuosa della viola. Per questo motivo, fu una delle prime donne a diventare un'orchestrale professionista. L'attività di compositrice passava in secondo piano rispetto a quella di esecutrice e la sua opera complessiva non era particolarmente vasta. Secondo quanto riferito, Clarke soffriva di una forma cronica di depressione che, unita alla mancanza di incoraggiamento per il suo lavoro, la rendeva poco propensa a comporre. Alla fine smise di comporre completamente dopo il suo matrimonio.

Nel corso della sua vita, ottenne la maggior parte dei riconoscimenti per la sua musica da camera, che componeva essenzialmente per se stessa o per gli ensemble da camera interamente femminili con cui si esibiva. Oltre ai pezzi da camera, Clarke compose anche Tracce, opere corali, una Sonata per viola e il Trio per pianoforte. Ad oggi, più della metà delle sue composizioni e la maggior parte dei suoi scritti rimangono inediti e sono custoditi privatamente dalla sua famiglia e non si sa se saremo mai in grado di accedere al suo repertorio completo.

Spostandoci nel presente, Judith Weir è riconosciuta come una delle più grandi compositrici di musica classica contemporanea (insieme a Kaija Saariaho, Meredith Monk, Unsuk Chin e molte altre). La Weir è conosciuta soprattutto per le sue opere, tra cui Blond Eckbert, Amida e The Black Spider, oltre che per opere teatrali come The Skriker. La sua musica si ispira in gran parte alla storia medievale, alle storie tradizionali e alla musica della Scozia, paese di origine dei suoi genitori.

Nel 2014 è stata nominata dalla Regina Elisabetta II Master of the Queen's Music (ora Master of the King's Music). È stata la prima donna a ricoprire questa posizione e ha composto musica per eventi reali importanti come incoronazioni, compleanni, matrimoni e anniversari, oltre a offrire consulenza su questioni musicali.

Le storie di Ildegarda di Bingen, Ethel Smyth, Florence Price, Judith Weir e degli altri straordinari talenti della nostra lista (e di molti altri ancora) dimostrano che la storia delle donne nella musica classica non è definita dall'assenza, ma dall'esclusione: dalle istituzioni, dalle reti editoriali, dalle scelte di programmazione e, in definitiva, dal canone stesso. Sebbene l'accesso all'istruzione e ai ruoli orchestrali sia migliorato notevolmente nell'ultimo secolo, il repertorio e le posizioni dirigenziali riflettono ancora disuguaglianze strutturali profondamente radicate.

Per colmare queste lacune non bastano atti simbolici, ma occorrono scelte di programmazione coerenti, responsabilità istituzionale e un più ampio riconoscimento del lavoro che viene considerato abbastanza prezioso da essere conservato e riproposto. Riequilibrare la musica classica non significa riscrivere la storia. Si tratta di ampliarla, assicurandosi che i compositori, i direttori d'orchestra e gli interpreti che danno forma al campo oggi non siano ancora una volta esclusi dalla storia di domani.