La masterización y la guerra del volumen

¿Alguna vez has escuchado una Pista o un álbum que te pareciera demasiado alto? No en términos de volumen, porque incluso después de bajarlo, seguía pareciendo demasiado. Nos referimos a cuando una pista suena como si todo estuviera aplastado y apretado, sin espacio suficiente para que los elementos individuales respiren.

Este efecto es el resultado de lo que se conoce comúnmente como la "guerra de la sonoridad", un término muy conocido entre los que se dedican a la masterización que gira en torno a la lucha constante entre conseguir la máxima sonoridad y conservar la dinámica y claridad de una pista.

Antes de continuar, es importante que estemos de acuerdo al hablar de sonoridad. En el contexto de la masterización, sonoridad no es lo mismo que subir el volumen al máximo. Se refiere a la sonoridad percibida, es decir, al volumen que se percibe en una pista cuando la escuchas.

La sonoridad consiste en equilibrar la potencia y plenitud del sonido de una canción conservando su dinámica y claridad naturales, para que resulte impactante sin cansar al oyente. Estos aspectos se modelan y controlan con herramientas como compresores y técnicas como el ajuste del rango dinámico (la diferencia entre las partes más silenciosas y las más ruidosas de una pista).

Si no conoces la masterización, no dejes de consultar nuestro artículo "¿Qué es la masterización?" para obtener una introducción detallada.

Aunque la sonoridad ha sido un tema tratado en el pasado, la guerra en torno a ella comenzó con el auge del formato CD en las décadas de 1980 y 1990. Junto con otros avances tecnológicos, los CD permitieron a los ingenieros masterizar la música más alto que en la época del vinilo y la cinta, que tenían más limitaciones físicas y técnicas.

La tendencia también se vio muy influida por los anuncios de TV y radio. Algunos de vosotros recordaréis lo molesto que era ver una película o un programa a un volumen cómodo, sólo para correr a por el mando a distancia en el momento en que entraban los anuncios. Esta estrategia (no necesariamente exitosa) de aumentar el volumen de los anuncios se puso en práctica para captar la atención de la audiencia.

Tomando prestado este enfoque, los sellos discográficos empezaron a hacer su música más fuerte para competir, sobre todo en la radio y en las Tiendas. La intención era llamar más la atención en la radio y en las listas de reproducción. Como resultado, los ingenieros empezaron a utilizar una compresión y limitación más agresivas, reduciendo al mismo tiempo el rango dinámico, lo que acabó desencadenando lo que se conoció como la guerra de la sonoridad.

Desde el punto de vista sonoro, este enfoque a menudo daba lugar a pistas muy comprimidas y aplastadas. Cuando los ingenieros forzaban las pistas para que tuvieran el mayor volumen posible, reducían al mismo tiempo la gama dinámica, lo que hacía que las partes tranquilas y las ruidosas tuvieran casi el mismo volumen. Esto hacía que las canciones sonaran planas, fatigosas y con menos detalles. Si se forzaban demasiado los niveles, podían producirse distorsiones y recortes, que aplastaban o cortaban las formas de onda y provocaban dureza. Como resultado, muchos oyentes encontraban la música menos agradable y más cansada de escuchar con el tiempo.

Un ejemplo frecuentemente utilizado de la guerra de la sonoridad es el 9º álbum de estudio de Metallica "Death Magnetic". El siguiente vídeo lo analiza en detalle: te sugerimos que compares la versión dura de 2008 con las versiones de Guitar Hero y 2015 para comprender mejor las diferencias entre los másters.

Cuando los CD empezaron a decaer, el auge de plataformas de Streaming como Spotify o Apple Music y la introducción de la normalización de la sonoridad reconfiguraron de nuevo la forma de hacer la masterización. Al principio, este enfoque no era una práctica habitual entre las plataformas de Streaming, lo que significaba que los másters más altos seguían teniendo ventaja. Sin embargo, a medida que más y más gente empezó a acudir a los servicios de Streaming, plataformas como Spotify, Apple Music y YouTube adoptaron la normalización de la sonoridad para crear una experiencia de escucha más coherente en todas las canciones, independientemente de cómo se hubieran masterizado.

Pero, ¿qué es exactamente la normalización de la sonoridad?

La normalización de la sonoridad es una práctica que ajusta automáticamente todas las pistas a un nivel de sonoridad percibida consistente para crear una experiencia auditiva más equilibrada y agradable. La sonoridad percibida se mide en LUFS, que significa Unidades de Sonoridad a Escala Completa. A diferencia del nivel máximo, que sólo indica el volumen de la parte más alta, LUFS mide el volumen real de una pista a lo largo del tiempo. Teniendo en cuenta el contenido de frecuencia, la duración y el rango dinámico del audio. Este enfoque se aproxima mucho más al modo en que nuestros oídos perciben el volumen que los simples medidores de volumen.

Hay algunos tipos diferentes de lecturas LUFS:

• LUFS integrado, la sonoridad media de toda la Pista.

• LUFS a corto plazo, la sonoridad media en una ventana corta (como 3 segundos).

• LUFS momentánea, la sonoridad en un instante dado.

En la masterización, los LUFS integrados son el objetivo clave. Si tu pista está demasiado alta (por ejemplo, -8 LUFS), plataformas como Spotify o Apple Music la bajarán, y si la Pista está demasiado comprimida, puede sonar apagada o sin vida en comparación con másters más dinámicos. Si está demasiado baja, puede que la suban, pero puede sonar débil junto a otras pistas.

Aunque la "guerra del volumen" tal y como la conocíamos podría estar desapareciendo, el debate sobre el volumen que debe tener la música continúa. Las plataformas de Streaming han ayudado a reducir el incentivo de masterizar las pistas lo más alto posible normalizando la sonoridad percibida, pero también han introducido nuevos retos. Como cada plataforma tiene su propio objetivo de LUFS y su propio método de normalización, los ingenieros de masterización ahora tienen que equilibrar cuidadosamente la sonoridad, la dinámica y el equilibrio tonal para asegurarse de que la pista se traduce bien en todas partes.

Algunos géneros y productores siguen buscando una sonoridad agresiva para conseguir cierta energía o pegada, a menudo a expensas del rango dinámico. Sin embargo, las prácticas de masterización profesional actuales son más matizadas y se centran en cómo se siente la música en las distintas plataformas y dispositivos, no sólo en el volumen de los medidores.

En 2025, el éxito de la masterización requiere equilibrar la sonoridad con la dinámica y la claridad. En lugar de buscar la máxima sonoridad, céntrate en conseguir los niveles LUFS adecuados para tus plataformas de Lanzamiento, y evita el recorte manteniendo los picos verdaderos por debajo de -1,0 dBTP, que es lo que recomiendan la mayoría de los servicios de Streaming. De este modo, también puedes conservar la dinámica para el impacto emocional y la experiencia auditiva en general.

Si no estás seguro de cuáles son las expectativas exactas, siempre puedes consultar las guías de masterización que proporcionan algunas plataformas de Streaming, como la Guía de normalización de volumen de Spotify. Por último, asegúrate de probar tus másters en varios dispositivos y plataformas para comprobar la coherencia y detectar posibles problemas.

Nota: Las normas de sonoridad siguen evolucionando a medida que cambian la tecnología y los hábitos de escucha, por lo que mantenerse actualizado es clave.

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