¿Qué es la producción de música electrónica y cómo empezar?

Los productores de música electrónica se encuentran entre los tipos más comunes de productores de discos. Trabajan con varios programas de software (DAW), instrumentos electrónicos y otros equipos para dar forma y manipular sonidos, incorporar muestras, crear ritmos y bucles y aplicar una amplia gama de efectos de audio para producir canciones. Si bien el muestreo de sonidos existentes es típico en la producción de música electrónica, muchos productores crean sus propios sonidos desde cero.

El papel de un productor de música electrónica es muy versátil, ya que implica tanto un lado creativo como técnico. Los productores pueden utilizar su floreciente creatividad mientras aprenden a operar software y equipos de producción. Pueden trabajar por sí mismos o producir la música de otros artistas. Aquellos que crean su propia música y luego la llevan al escenario a menudo se les llama DJ/Productores.

Entonces, ahora que entendemos el papel de un productor de música electrónica, profundicemos en su proceso creativo.

La inspiración inicial juega un papel importante no sólo antes de producir un tema sino, en general, antes de seguir una carrera como productor. Identificar el tipo de género y canciones que uno querría producir debería encaminarlos hacia un camino profesional más claro.

En la etapa inicial, la creatividad, la visión y la investigación profunda son los protagonistas. Ayudan al productor a determinar el tempo, el concepto y el estado de ánimo de una pista y a decidir qué sonidos e instrumentos utilizar. A menudo, los sonidos o melodías únicos y aleatorios que uno ha escuchado o compuesto en su mente pueden ser la chispa de inspiración que uno necesita. En general, la etapa de inspiración sienta las bases de todo el proceso de producción.

La selección de sonido implica el proceso de buscar sonidos adecuados (por ejemplo, ajustes preestablecidos, muestras) y ensamblarlos. El diseño de sonido se puede definir como la práctica de desarrollar, manipular o grabar elementos de audio. Durante la fase de selección, diseño de sonido y muestreo, un productor comienza a transformar su visión y concepto en realidad. Aquí es donde la creatividad se entrelaza con las habilidades técnicas, y el productor utiliza sintetizadores, software de composición y otros instrumentos para manipular muestras.

Al comienzo de tu viaje de producción, es posible que haya más experimentación a medida que profundizas en la amplia variedad de sonidos que puedes encontrar o crear. Con el tiempo, el proceso de diseño de sonido puede volverse más intencional y buscar un sonido en particular. Sin embargo, cada sesión puede generar sonidos completamente nuevos y totalmente accidentales. ¡Y no es raro que los sonidos más aleatorios a veces conduzcan a la creación de las canciones más icónicas!

Los sonidos únicos que encuentres o crees durante el proceso de diseño de sonido se convertirán en la base de tu futura pista. Una vez que los tengas, el siguiente paso es componer la canción. El acto de componer incluye escribir los elementos centrales de la melodía, la armonía, el ritmo y la letra. Una vez escrito –ya sea en forma de particella, partitura principal o directamente en el DAW, como es más común en la música electrónica — el resultado de este proceso, también llamado simplemente composición musical, se convierte en la decisión del compositor, propiedad intelectual, lo que significa que está protegido por derechos de autor.

Dependiendo de sus requisitos previos, un productor puede componer su canción utilizando una variedad de instrumentos. Estos pueden incluir un piano, teclado, guitarra o batería, y otros equipos, como un mouse y un controlador MIDI. Generalmente no existen reglas ni limitaciones para componer una canción. Cuando se trata del estilo de escritura, muchos productores de música electrónica optan por la escritura basada en bucles, que se basa en segmentos cortos en bucle para crear secciones más grandes o incluso canciones completas. El estilo basado en bucles a menudo requiere transiciones interesantes y el uso de efectos para hacer que la canción sea vivaz, inusual y, si es posible, estimulante.

Una vez compuesto el núcleo de las canciones, el productor pasa a la práctica de los arreglos, que incluye el diseño de la estructura amplia y el diseño de la canción. A diferencia de géneros como el pop y el rock, una pista electrónica típica no suele seguir límites establecidos ni elementos estructurales fuertes típicos, como primer verso → pre-estribillo → estribillo → segundo verso –pre-estribillo → estribillo → puente → estribillo —> final.

Los productores de música electrónica tradicionalmente se centran más en la "dinámica" de sus canciones, es decir, los cambios emocionales, atmosféricos, estructurales y tonales. Un elemento clave de muchas canciones electrónicas es el drama y la tensión que gradualmente se acumulan hasta llegar a un eventual clímax y liberación musical. Además, en la música electrónica, las pistas suelen estar organizadas de una manera que permite a los DJ incluirlas en sus sets. Ésta es una de las razones por las que las pistas suelen ser largas y por las que muchas partes se alargan.

La mezcla y la masterización son los pasos finales antes de llegar a la versión definitiva de la pista de un productor. Mezclar se refiere al proceso de ajustar los niveles y frecuencias de cada sonido para crear una mezcla cohesiva, equilibrada y que suene agradable. La masterización, entonces, implica mejorar la mezcla final y agregar los últimos toques para garantizar que la grabación suene bien en varios medios y sistemas de reproducción.

Esta fase requiere un alto nivel de experiencia técnica, así como un buen oído para la calidad del sonido. También es importante señalar que estas actividades no necesariamente tienen que ser realizadas por los propios productores. En cambio, se pueden hacer mediante ingeniero(es) de mezcla y masterización, quienes realzan y potencian la versión del track creada por el productor.

Una vez que la pista está completa, generalmente es necesario distribuirla para que esté disponible en varias plataformas (a menos que sea una plataforma donde puedas cargar tu lanzamiento por tu cuenta, como SoundCloud). Puede elegir entre una variedad de distribuidores, como iMusician, para obtener su pista electrónica en servicios de transmisión y descarga de música como Spotify, Apple Music, Deezer, Beatport y TraxSource.

Sin embargo, la distribución no es el último paso en el recorrido de la pista. Para atraer oyentes y generar transmisiones y descargas, es necesario promocionar la pista mediante diversas estrategias de marketing. Estos pueden incluir métodos tanto en línea como fuera de línea, como campañas en las redes sociales, anuncios patrocinados, marketing de influencers y más.

Reunir el arsenal musical (también conocido como equipo) adecuado es clave para la producción de música electrónica. Después de todo, la música electrónica, en su esencia, gira en torno a tecnologías digitales e instrumentos y herramientas artificiales. Afortunadamente, no necesitas mucho para comenzar tu viaje de producción.

Una buena computadora (que funcione sin problemas), una estación de trabajo de audio digital (DAW) de tu elección y un par de auriculares de alta calidad serán suficientes. Recuerda que la producción de música electrónica muchas veces consiste en aprovechar al máximo los recursos disponibles, especialmente en las etapas iniciales.

Una computadora que funcione bien

La computadora que utilizas es el núcleo de tu proceso de producción. Nuevamente, no es necesario que sea uno de los modelos más nuevos del mercado; por lo general, la computadora o computadora portátil que ya posees es suficiente. Sólo asegúrate de que tenga un sistema CPU que funcione bien, suficiente almacenamiento del sistema y memoria externa, y un software de procesamiento gráfico óptimo.

DAW de tu elección

Un DAW es el equipo fundamental para producir música. En pocas palabras, es el paquete de creación musical definitivo, ya sea un dispositivo electrónico o una aplicación de software utilizada para grabar, editar y producir archivos de audio. Existe una excelente variedad de opciones disponibles para qué DAW utilizar.

Por ejemplo, FL Studio, desarrollado por la empresa belga Image-Line, ha sido la elección preferida para Martín Garrix y también fue fuertemente popularizado por avicii. El DAW es elogiado por ser apto para principiantes y hacer que la producción musical sea rápida y agradable.

Mientras tanto, grandes estrellas como Skrillex, Diplo, y Deadmau5 han usado Ableton en vivo, que se considera un DAW increíblemente potente, intuitivo y con un sonido de calidad.

Logic Pro es otro DAW popular utilizado por músicos como David Guetta, Calvin Harris, y Armin van Buuren. El software desarrollado por Apple tiene una interfaz sencilla y fácil de usar y ofrece resultados potentes y con sonido profesional.

Cualquiera que sea la opción que elijas, entre estas tres o muchas otras DAW existentes, investiga a fondo y familiarízate con las características, ventajas y desventajas de la herramienta antes de invertir en ella. Muchos programas de software también ofrecen pruebas gratuitas, lo que es una oportunidad perfecta para que obtengas experiencia de primera mano.

Dicho esto, es fundamental reconocer que cualquier DAW es capaz de crear buena música. Por lo tanto, no se quede estancado durante semanas tratando de seleccionar el "mejor". Si no estás seguro y te sientes abrumado, no dudes en optar por un DAW más económico. Una vez que obtengas más experiencia y conocimiento, simplemente puedes cambiar a uno diferente.

Auriculares

Incluso si tienes una computadora estelar y el mejor software que existe, producir música no será posible sin unos auriculares con un sonido de calidad. Solo así podrás escuchar y escuchar un archivo de audio en un entorno controlado, lo que te brindará una reproducción de sonido más precisa y clara. Como resultado, esto te permite tomar decisiones de mezcla de audio más precisas.

Controlador midi

Un controlador MIDI es un tipo de dispositivo de entrada que se utiliza para enviar y recibir datos MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales) hacia y desde una computadora. Básicamente, le permite controlar hardware o software musical de una manera similar a usar el teclado o el mouse para controlar una computadora. Si bien no es una parte fundamental de tu suite musical, hará que tu producción musical sea sustancialmente más fácil y menos tediosa.

Los controladores MIDI vienen en varias formas y formas, como un teclado, controladores de perilla o pad de batería, y sus precios oscilan entre $60 y $300+.

Tanto el diseño de sonido como la teoría musical juegan un papel fundamental en la producción musical. Mientras que el diseño de sonido se refiere al arte de crear un paisaje sonoro deseado (utilizando una variedad de herramientas y técnicas), la teoría musical se ocupa de los principios de la creación y composición musical.

En el pasado, ya hemos explorado la cuestión de cuánta teoría musical necesita saber un productor musical. Si bien definitivamente no es imprescindible dominar la teoría musical para convertirse en un buen productor musical, es bueno comprender algunos elementos para agilizar el proceso de producción.

En general, una comprensión sólida de la teoría musical y el diseño de sonido te ayudará a crear progresiones de acordes y melodías más fácilmente, lograr la expresión deseada en las pistas, tomar decisiones informadas en tu composición musical, mejorar tus habilidades auditivas y crear un estilo único como artista, entre otras cosas.

La música electrónica abarca una gama vibrante y diversa de géneros y subgéneros, lo que puede resultar abrumador a la hora de decidir qué estilo crear. Ahora bien, no estamos insinuando que elijas un estilo o un género específico y lo mantengas durante todo tu recorrido como productor. Sin embargo, centrarse en los géneros y estilos que te apasionan puede proporcionarle dirección en las primeras fases antes de desarrollar su propio sonido característico.

Si estás en una etapa en la que aún no estás seguro de lo que te gusta, escuchar todo tipo de música electrónica, explorar géneros y descubrir nuevos artistas es una excelente manera de hacerlo. Una vez que haya encontrado algunos estilos que te gusten, podrás profundizar en sus características y disposiciones y aplicar este conocimiento a tu proceso de producción.

Centrarse en géneros y estilos específicos puede proporcionar una guía valiosa cuando empiezas a producir música, pero es importante no limitarte. De hecho, limitarse a uno o dos géneros puede limitar tus habilidades, conocimientos y creatividad. Producir música, particularmente en el ámbito de la música electrónica, generalmente conocida por su estructura no lineal, ofrece infinitas posibilidades para crear composiciones únicas y mágicas.

Para aprovechar al máximo estas posibilidades, es vital que abraces tu curiosidad, que luego te abrirá las puertas a la experimentación. Tener una sed implacable e ilimitada de exploración y aventuras musicales es fantástico para ir más allá de los límites familiares y crear sonidos que van más allá de tu imaginación más salvaje.

1. Domina tu DAW. Si bien elegir una DAW es el primer paso, aprender a utilizarla es esencial. Como hemos señalado antes, cualquier DAW puede ayudarte a hacer música decente, pero sólo si tienes las habilidades para usarla.

2. Se constante y desarrolla hábitos que te impulsen a crecer. La constancia es clave para lograr un progreso continuo y crecer como artista. Lo que también es beneficioso es desarrollar hábitos para promover aún más tu crecimiento y aumentar tu confianza. Estos hábitos pueden incluir escuchar activamente, educarse periódicamente mediante lecturas o tutoriales, crear un horario para usted y establecer metas mensuales de progreso. Es importante darse cuenta de que, si bien puedes estar entusiasmado y motivado al comienzo de tu viaje de producción, la motivación y la inspiración no siempre estarán ahí para apoyarte. En esos momentos, la constancia puede hacer que sigas avanzando.

3. Colabora con otros artistas (si es posible). Trabajar con otros artistas y productores, especialmente en persona, es una excelente manera de aprender algo nuevo, mejorar tus habilidades y exponerte a una nueva fuente de ideas y creatividad. ¡También puede ser muy divertido!

4. Entrena tus oídos. No hemos cubierto esto todavía, pero tus oídos son una herramienta increíblemente poderosa que puede determinar la calidad de tu producción. Por eso es importante entrenarlos. Puedes practicar la escucha activa y utilizar pistas de referencia para ayudarte con esto o considerar el llamado "gimnasio para tus oídos" para un entrenamiento auditivo adicional proporcionado por SoundGym.

5. Equilibra el aprendizaje y la práctica. El aprendizaje activo es esencial para mejorar sus habilidades y conocimientos, ya sea leyendo libros o artículos relevantes, viendo tutoriales o tomando cursos. Igualmente importante es dedicar tiempo en tu DAW para aplicar lo que has aprendido. Encontrar un equilibrio entre aprender y practicar es crucial para tu crecimiento como artista. Algunos sugieren una división 80/20 (dedicar el 80 % de su tiempo a practicar y el 20 % a aprender material nuevo), pero creemos que un equilibrio adaptado a sus necesidades personales puede ser más beneficioso.

6. No encontrarás todo en los tutoriales. Centrarse en la resolución de problemas es importante en la producción musical. Con infinitas posibilidades para crear composiciones únicas y la gran cantidad de herramientas y funciones de tu software, inevitablemente encontrarás problemas y problemas que los tutoriales no analizan. Acepta descubrir las cosas por tu cuenta. Este enfoque te ayudará a aprender más rápido y, en última instancia, a convertirte en un mejor productor.

7. Al principio, céntrate en la cantidad sobre la calidad. Para aprender y mejorar tus habilidades, es importante que priorices la creación de una gran cantidad de pistas antes que el perfeccionamiento de cada una. Si bien no todo puede parecer genial, es más beneficioso para tu progreso trabajar rápidamente y terminar tus proyectos, independientemente de la calidad, en lugar de pasar semanas o meses afinando una sola pista. Por ejemplo, un error común de los principiantes es pasar horas tratando de encontrar el bombo, la palmada o el charles perfecto. Sin embargo, esta forma de perfeccionismo puede provocar fatiga del oído y ralentizar el proceso de aprendizaje.

8. Nunca borres tu trabajo. Podrías pensar que como la calidad no es el foco, tu trabajo terminado no tiene mucha importancia, especialmente aquellos primeros temas o los que no consideras muy buenos. Sin embargo, incluso en estos temas, es posible que descubras grandes ideas que valga la pena revisar en el futuro.