Qu'est-ce que la production de musique électronique et comment débuter ?

Les producteur·rice·s de musique électronique font partie des types de producteur·rice·s de disques les plus courants. Ils et elles travaillent avec divers logiciels (DAW), des instruments électroniques et d'autres équipements pour façonner et manipuler des sons, incorporer des samples, créer des beats et des loops, et appliquer une large gamme d'effets audio pour produire des chansons. Bien que le sampling de sons existants soit une pratique courante dans la production de musique électronique, de nombreux producteur·rice·s créent leurs propres sons à partir de zéro.

Le rôle d'un·e producteur·rice de musique électronique est très varié, car il implique à la fois un aspect créatif et un aspect technique. Les producteur·rice·s peuvent mettre à profit leur créativité florissante tout en apprenant à utiliser des logiciels et du matériel de production. Ils ou elles peuvent travailler à produire pour leur propre musique ou bien à produire la musique d'autres artistes. Celles et ceux qui créent leur propre musique et la présentent ensuite sur scène sont souvent appelés DJs/Producteurs.

Maintenant que nous connaissons le rôle d'un·e producteur·rice de musique électronique, nous allons nous pencher sur son processus créatif.

L'inspiration initiale joue un rôle important non seulement avant de produire un morceau, mais aussi, de manière générale, avant de poursuivre une carrière de producteur·rice. Identifier le genre et les chansons que l'on souhaite produire devrait permettre de s'engager sur une voie professionnelle plus claire.

Au départ, la créativité, la vision et les recherches approfondies sont les acteurs principaux. Elles aident le producteur ou la productrice à déterminer le tempo, le concept et l'ambiance d'un morceau et à décider des sons et des instruments à utiliser. Souvent, des sons ou des mélodies uniques et spontanées que vous avez entendus ou imaginés peuvent être l'étincelle d'inspiration qu'il vous faut. Globalement, l'étape de l'inspiration jette les bases de l'ensemble du processus de production.

La sélection des sons consiste à rechercher des sons appropriés (par exemple, des préréglages, des samples) et à les assembler. La conception sonore peut être définie comme la pratique du développement, de la manipulation ou de l'enregistrement d'éléments audio. Pendant la phase de sélection, de conception sonore et d'échantillonnage, le ou la producteur·rice commence à transformer sa vision et son concept en réalité. C'est ici que la créativité se mêle aux compétences techniques, le·la producteur·rice utilisant des synthétiseurs, des logiciels de composition et d'autres instruments pour manipuler les samples.

Au début de votre parcours de production, vous pouvez expérimenter davantage en vous plongeant dans la grande variété de sons que vous pouvez trouver ou créer. Avec le temps, le processus de conception sonore peut devenir plus intentionnel et vous pouvez rechercher un son particulier. Cependant, chaque session peut donner lieu à des sons tout à fait nouveaux et totalement accidentels. Et il n'est pas rare que les sons les plus aléatoires conduisent parfois à la création des chansons les plus emblématiques !

Les sons uniques que vous trouvez ou créez au cours du processus de conception sonore deviendront la base de votre future piste. Une fois que vous les avez, l'étape suivante consiste à composer la chanson. L’acte de composer comprend l'écriture des éléments essentiels que sont la mélodie, l'harmonie, le rythme et les paroles. Une fois écrit - que ce soit sous la forme d'une partition, d'une feuille de chant ou directement dans l'ordinateur, comme c'est le plus souvent le cas pour la musique électronique - le résultat de ce processus, également appelé composition musicale, devient la propriété intellectuelle de l'auteur·rice, c'est-à-dire qu'il est protégé par le droit d'auteur.

En fonction des conditions requises, un·e producteur·rice peut composer sa chanson à l'aide d'une variété d'instruments. Il peut s'agir d'un piano, d'un clavier, d'une guitare ou d'une batterie, ainsi que d'autres équipements, tels qu'une souris et un contrôleur MIDI. Il n'y a généralement pas de règles ou de limites à la composition d'une chanson. En ce qui concerne le style d'écriture, de nombreux producteurs de musique électronique optent pour l'écriture en boucle, qui repose sur de courts segments mis en boucle pour créer des sections plus importantes, voire des chansons entières. Le style basé sur des boucles nécessite souvent des transitions intéressantes et l'utilisation d'effets pour rendre la chanson vivante, inhabituelle et, si possible, stimulante.

Une fois le noyau des chansons composé, le ou la producteur·rice passe à l'écriture de l'arrangement, qui consiste à concevoir la structure générale et la disposition de la chanson. Contrairement à des genres comme la pop ou le rock, un morceau de musique électronique typique ne suit généralement pas de limites fixes ou d'éléments de structure typiques, tels que premier couplet → pré-chorus → refrain → deuxième couplet -pré-chorus → refrain → pont → refrain -> outro.

Les producteur·rice·s de musique électronique se concentrent traditionnellement sur la "dynamique" de leurs chansons, c'est-à-dire les variations émotionnelles, atmosphériques, structurelles et tonales. L'un des éléments clés de nombreuses chansons d’électro est le drame et la tension qui se développent progressivement jusqu'à l'apogée et la descente de la tension dans la musique. En outre, dans la musique électronique, les morceaux sont souvent arrangés de manière à permettre aux DJ de les inclure dans leur set. C'est l'une des raisons pour lesquelles les pistes sont généralement longues et que de nombreuses parties sont prolongées.

Le mixage et le mastering sont les étapes finales avant d'arriver à la version définitive de la piste d'un producteur. Le mixage consiste à ajuster les niveaux et les fréquences de chaque son afin de créer un mélange cohérent, équilibré et agréable. Le mastering consiste donc à améliorer le mixage final et à ajouter les dernières touches pour s'assurer que l'enregistrement sonne bien sur les différents supports et systèmes de lecture.

Cette phase requiert un haut niveau d'expertise technique ainsi qu'une bonne oreille pour la qualité du son. Il est également important de noter que ces activités ne doivent pas nécessairement être menées par les producteur·rice·s directement. En effet, elles peuvent être réalisées par des ingénieur·e·s de mixage et de masterisation, qui améliorent et renforcent la version de la piste créée par le ou la producteur·rice.

Une fois le morceau terminé, il faut généralement le distribuer pour le rendre disponible sur différentes plateformes (à moins qu'il ne s'agisse d'une plateforme sur laquelle vous pouvez uploader votre titre vous-même, comme SoundCloud). Vous pouvez choisir parmi une gamme de distributeurs, comme iMusician, pour que votre morceau soit diffusé sur des services de streaming et de téléchargement tels que Spotify, Apple Music, Deezer, Beatport et Traxsource.

Cependant, la distribution n'est pas la dernière étape du parcours du morceau. Pour attirer les auditeur·rice·s et générer des streams et des téléchargements, vous devez promouvoir la piste à l'aide de différentes stratégies de marketing. Il peut s'agir de méthodes hors ligne et en ligne, telles que les campagnes sur les médias sociaux, les publicités sponsorisées, le marketing d'influence, etc.

Rassembler le bon arsenal musical (c'est-à-dire l'équipement) est essentiel à la production de musique électronique. Après tout, la musique électronique, dans ses fondements, tourne autour des technologies numériques ainsi que des instruments et des outils artificiels. Heureusement, vous n'avez pas besoin de grand-chose pour vous lancer dans la production.

Un bon ordinateur (qui fonctionne bien), une station de travail audio numérique (DAW) de votre choix et un casque de haute qualité suffisent. N'oubliez pas que la production de musique électronique consiste souvent à tirer le meilleur parti des ressources disponibles, en particulier pour commencer.

Un ordinateur qui fonctionne bien

L'ordinateur que vous utilisez est au cœur de votre processus de production. Là encore, il n'est pas nécessaire qu'il s'agisse de l'un des modèles les plus récents du marché. En général, l'ordinateur ou le portable que vous possédez déjà fera l'affaire. Veillez simplement à ce qu'il dispose d'un système d'unité centrale performant, d'une mémoire système et d'une mémoire externe suffisantes et d'un logiciel de traitement graphique optimal.

DAW de votre choix

Un logiciel d'enregistrement est l'équipement de base pour produire de la musique. En d'autres termes, il s'agit de la suite ultime de création musicale, soit un appareil électronique ou une application logicielle utilisée pour enregistrer, éditer et produire des fichiers audio. Il existe une grande variété d'options pour le choix de l'outil de travail audionumérique.

Par exemple, FL Studio, développé par la société belge Image-Line, a été le choix privilégié de Martin Garrix et a été fortement popularisé par Avicii. Ce logiciel est réputé pour être convivial pour les débutant·e·s et pour rendre la production musicale rapide et agréable.

De leur côté, des artistes comme Skrillex, Diplo et Deadmau5 utilisent Ableton Live, qui est considéré comme un logiciel d'enregistrement incroyablement puissant, intuitif et de qualité.

Logic Pro est une autre station de travail numérique populaire utilisée par des musiciens tels que David Guetta, Calvin Harris et Armin van Buuren. Le logiciel développé par Apple possède une interface simple et conviviale et permet d'obtenir des résultats puissants et professionnels.

Quelle que soit l'option que vous choisirez - parmi ces trois logiciels ou les nombreux autres DAW existants - faites des recherches approfondies et familiarisez-vous avec les caractéristiques, les avantages et les inconvénients de l'outil avant d'investir. De nombreux logiciels proposent également des essais gratuits, ce qui vous donne l'occasion d'acquérir une première expérience.

Cela dit, il est essentiel de reconnaître que n'importe quel logiciel d'enregistrement est capable de créer de la bonne musique. Par conséquent, ne restez pas bloqué pendant des semaines en essayant de choisir le "meilleur". Si vous n'êtes pas sûr·e de vous et que vous vous sentez dépassé·e, n'hésitez pas à opter pour un logiciel moins cher. Une fois que vous aurez acquis plus d'expérience et de connaissances, vous pourrez simplement passer à un autre.

Casque audio

Même si vous disposez d'un excellent ordinateur et des meilleurs logiciels, vous ne pourrez pas produire de la musique sans un casque de qualité. C'est la seule façon d'entendre et d'écouter un fichier audio dans un environnement contrôlé, ce qui vous permet d'obtenir une reproduction sonore plus précise et plus claire. Cela vous permet de prendre des décisions plus précises en matière de mixage audio.

Contrôleur MIDI

Un contrôleur MIDI est un type d'appareil d'entrée utilisé pour envoyer et recevoir des données MIDI (Musical Instrument Digital Interface) vers et depuis un ordinateur. Il vous permet essentiellement de contrôler le matériel ou les logiciels musicaux d'une manière similaire à l'utilisation de votre clavier ou d'une souris pour contrôler un ordinateur. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un élément fondamental de votre suite musicale, il facilitera considérablement votre production musicale et la rendra moins fastidieuse.

Les contrôleurs MIDI se présentent sous différentes formes, telles qu'un clavier, des boutons de contrôle ou un pad de batterie, et leur prix varie de 60 à plus de 300 dollars.

La conception sonore et la théorie musicale jouent toutes deux un rôle fondamental dans la production musicale. Alors que la conception sonore fait référence à l'art de créer un paysage sonore désiré (à l'aide d'une variété d'outils et de techniques), la théorie musicale s'intéresse aux principes de la création musicale et de la composition.

Par le passé, nous avons déjà exploré la question de savoir ce qu'un·e producteur·rice de musique doit savoir en matière de théorie musicale. Bien qu'il ne soit pas nécessaire de maîtriser la théorie musicale pour devenir un bon producteur de musique, il est bon de comprendre certains éléments pour rationaliser votre processus de production.

Dans l'ensemble, une bonne compréhension de la théorie musicale et de la conception sonore vous aidera à construire plus facilement des progressions d'accords et des mélodies, à atteindre l'expression souhaitée dans les morceaux, à prendre des décisions éclairées dans votre composition musicale, à améliorer vos capacités d'écoute et à créer un style unique en tant qu'artiste, entre autres choses.

La musique électronique comprend une palette riche et variée de genres et de sous-genres, ce qui peut rendre le choix du style à créer quelque peu déconcertant. Nous n'insinuons pas que vous devez choisir un style ou un genre spécifique et vous y tenir tout au long de votre parcours de producteur·rice. Cependant, le fait de se concentrer sur des genres et des styles qui vous passionnent peut vous orienter dans les premières phases, avant que vous ne développiez votre propre signature sonore.

Si vous n'êtes pas encore sûr·e de ce que vous aimez, écouter tous les types de musique électronique, explorer les genres et découvrir de nouveaux et nouvelles artistes est une excellente façon de procéder. Une fois que vous aurez trouvé quelques styles qui vous plaisent, vous pourrez analyser leurs caractéristiques et leurs arrangements et appliquer ces connaissances à votre processus de production.

Se concentrer sur des genres et des styles spécifiques peut fournir des indications précieuses lorsque vous commencez à produire de la musique, mais il est important de ne pas se limiter. En fait, s'enfermer dans un ou deux genres peut limiter vos compétences, vos connaissances et votre créativité. La production de musique, en particulier dans le domaine de la musique électronique généralement connue pour sa structure non linéaire, offre des possibilités infinies de créer des compositions uniques et magiques.

Pour exploiter pleinement ces possibilités, il est essentiel que vous fassiez preuve de curiosité, ce qui vous ouvrira les portes de l'expérimentation. Une soif incessante et illimitée d'exploration et d'aventure musicale permet de repousser les limites familières et de créer des sons qui dépassent l'imagination la plus folle.

1. Maîtrisez votre DAW. Si le choix d'un logiciel d'enregistrement est la première étape, il est essentiel d'apprendre à l'utiliser. Comme nous l'avons souligné précédemment, n'importe quel logiciel d'enregistrement peut vous aider à faire de la musique correcte, mais seulement si vous avez les compétences nécessaires pour l'utiliser.

2. Soyez cohérent·e et prenez des habitudes qui vous pousseront à vous développer. La constance est la clé d'un progrès continu et d'une évolution en tant qu'artiste. Il est également bénéfique de développer des habitudes qui favorisent votre croissance et renforcent votre confiance en vous. Ces habitudes peuvent inclure l'écoute active, la formation régulière par la lecture ou les tutoriels, la création d'un emploi du temps pour vous-même et la fixation d'objectifs mensuels pour progresser. Il est important de comprendre que même si vous êtes enthousiaste et motivé·e au début de votre parcours de production, la motivation et l'inspiration ne seront pas toujours là pour vous soutenir. Dans ces moments-là, la constance peut vous permettre d'aller de l'avant.

3. Collaborez avec d'autres artistes (si possible). Travailler avec d'autres artistes et producteur·rice·s, surtout en personne, est un excellent moyen d'apprendre quelque chose de nouveau, d'améliorer vos compétences et de vous exposer à une nouvelle source d'idées et de créativité. Cela peut aussi être très amusant !

4. Entraînez vos oreilles. Nous n'avons pas encore abordé ce point, mais vos oreilles sont un outil incroyablement puissant qui peut déterminer la qualité de votre production. Il est donc important de les former. Vous pouvez pratiquer l'écoute active et utiliser des pistes de référence pour vous aider dans cette tâche ou envisager le "gymnase pour vos oreilles" pour un entraînement supplémentaire de l'oreille fourni par SoundGym.

5. Équilibrer l'apprentissage et la pratique. L'apprentissage actif est essentiel pour améliorer vos compétences et vos connaissances, que ce soit en lisant des livres ou des articles pertinents, en regardant des tutoriels ou en suivant des cours. Il est tout aussi important de passer du temps dans votre DAW pour appliquer ce que vous avez appris. Trouver un équilibre entre l'apprentissage et la pratique est crucial pour votre croissance en tant qu'artiste. Certains suggèrent une répartition 80/20 - passer 80 % de son temps à s'entraîner et 20 % à apprendre de nouvelles matières - mais nous pensons qu'un équilibre adapté à vos besoins personnels peut être plus bénéfique.

6. Vous ne trouverez pas tout dans les tutoriels. L'accent mis sur la résolution des problèmes est important dans la production musicale. Avec les possibilités infinies de créer des compositions uniques et le grand nombre d'outils et de fonctionnalités de votre logiciel, vous rencontrerez inévitablement des problèmes et des difficultés que les tutoriels n'abordent pas. Acceptez de vous débrouiller seul. Cette approche vous permettra d'apprendre plus rapidement et, en fin de compte, de devenir un·e meilleur·e producteur·rice.

7. Dans un premier temps, privilégiez la quantité à la qualité. Dans l'intérêt de l'apprentissage et de l'amélioration de vos compétences, il est important que vous donniez la priorité à la création d'un grand nombre de morceaux plutôt qu'au perfectionnement de chacun d'entre eux. Même si tout n'est pas parfait, il est plus avantageux pour votre progression de travailler rapidement et de terminer vos projets, quelle que soit leur qualité, plutôt que de passer des semaines ou des mois à peaufiner un seul morceau. Par exemple, une erreur fréquente chez les débutant·e·s est de passer des heures à essayer de trouver le kick, le clap ou le hi-hat parfait. Cette forme de perfectionnisme peut toutefois entraîner une fatigue de l'oreille et ralentir votre processus d'apprentissage.

8. Ne supprimez jamais votre travail. Vous pourriez penser que, puisque la qualité n'est pas au centre des préoccupations, votre travail fini n'a pas beaucoup d'importance, en particulier les premiers morceaux ou ceux que vous ne considérez pas comme très bons. Cependant, même dans ces pistes, vous pourriez découvrir de bonnes idées qui mériteraient d'être revisitées à l'avenir.