Che cos'è la Produzione di Musica Elettronica e Come Iniziare

I producer di musica elettronica sono tra i più comuni produttori/produttrici discografici/che. Lavorano con vari software (DAW), strumenti elettronici e altra attrezzatura per modellare e manipolare i suoni, incorporare campioni, creare ritmi e loop, e applicare una vasta gamma di effetti audio per produrre canzoni. Sebbene il campionamento di suoni esistenti sia tipico nella produzione di musica elettronica, molti creano suoni propri da zero.

Il ruolo di un producer di musica elettronica è ampiamente versatile, poiché coinvolge sia un lato creativo che tecnico. Possono sfruttare la propria creatività mentre imparano a usare software e attrezzature di produzione. Possono lavorare per conto proprio o produrre la musica di altri artisti e altre artiste. Coloro che creano la propria musica e la portano sul palco vengono spesso chiamati/e DJ/Prodcer.

Ora che abbiamo compreso il ruolo del producer di musica elettronica, addentriamoci nel loro processo creativo.

L'ispirazione iniziale svolge un ruolo importante non solo prima di produrre un brano, ma anche prima di intraprendere una carriera vera e propria. Identificare il tipo di genere e le canzoni che si vorrebbero produrre dovrebbe tracciare un percorso professionale più chiaro.

Nella fase iniziale, creatività, visione e ricerca approfondita sono i protagonisti. Aiutano a determinare il tempo, il concetto e l'umore di un brano e decidere quali suoni e strumenti utilizzare. Spesso, suoni o melodie unici e casuali che si sono ascoltati o composti nella propria mente possono essere la scintilla d'ispirazione necessaria. Complessivamente, la fase dell'ispirazione pone le basi per l'intero processo di produzione.

La selezione dei suoni comporta la ricerca di suoni adatti (ad esempio preset, campioni) e il loro assemblaggio. Il sound design può essere definito come la pratica di sviluppare, manipolare o registrare elementi audio. Durante la fase di selezione, sound design e campionamento, il producer inizia a trasformare la propria visione e concetto in realtà. Qui, la creatività si intreccia con le abilità tecniche, e si utilizzano sintetizzatori, software di composizione e altri strumenti per manipolare i campioni.

All'inizio del tuo percorso di produzione, potresti sperimentare di più, immergendoti nella vasta gamma di suoni che puoi trovare o creare. Con il tempo, il processo di sound design può diventare più intenzionale, con una ricerca di suoni specifici. Ogni sessione, tuttavia, può produrre suoni nuovi e del tutto accidentali. E non è raro che i suoni più casuali a volte portino alla creazione delle canzoni più iconiche!

futuro brano. Una volta ottenuti, il passo successivo è comporre la canzone. La composizione include la scrittura degli elementi centrali di melodia, armonia, ritmo e testi. Una volta scritti — sia sotto forma di spartito, partitura o direttamente nel DAW, come più comune nella musica elettronica — il risultato di questo processo, noto anche come composizione musicale, diventa la proprietà intellettuale del compositore o della compositrice, il che significa che è protetta da copyright.

A seconda delle preferenze, il producer può comporre la propria canzone utilizzando una varietà di strumenti, come pianoforte, tastiera, chitarra o batteria, e altre attrezzature come mouse e controller MIDI. In generale, non ci sono regole o limitazioni nella composizione di una canzone. Quando si tratta di stile di scrittura, molti producer di musica elettronica optano per una scrittura basata sui loop, ovvero segmenti brevi ripetuti per creare sezioni più grandi o addirittura canzoni intere. Lo stile basato sui loop richiede spesso transizioni interessanti e l'uso di effetti per rendere la canzone vivace, insolita e, se possibile, stimolante.

Una volta composta la parte centrale delle canzoni, si passa alla fase di arrangiamento, che include la progettazione della struttura generale e la disposizione del brano. A differenza di generi come il pop e il rock, un brano elettronico tipico non segue solitamente schemi fissi o elementi strutturali tipici, come primo verso → pre-ritornello → ritornello → secondo verso → pre-ritornello → ritornello → ponte → ritornello → outro.

I producer di musica elettronica si concentrano tradizionalmente di più sulle "dinamiche”, ovvero le oscillazioni emotive, atmosferiche, strutturali e tonali. Un elemento chiave di molte canzoni elettroniche è il dramma e la tensione che si accumulano gradualmente fino a un climax musicale e a una successiva risoluzione. Inoltre, nella musica elettronica, i brani sono spesso arrangiati in modo da permettere ai/alle DJ di includerli nei loro set. Questo è uno dei motivi per cui i brani sono solitamente lunghi e molte parti sono estese.

Il mixaggio e il mastering sono gli ultimi passaggi prima di raggiungere la versione finale del brano. Il mixaggio si riferisce al processo di regolazione dei livelli e delle frequenze di ciascun suono per creare una fusione coesa, equilibrata e gradevole all'ascolto. Il mastering, invece, comporta l'ottimizzazione del mix finale e l'aggiunta degli ultimi ritocchi per garantire che la registrazione suoni bene su vari supporti e sistemi di riproduzione.

Questa fase richiede un alto livello di competenza tecnica e un buon orecchio per la qualità del suono. È anche importante notare che queste attività non devono necessariamente essere svolte dai producer; possono essere eseguite da ingegneri o ingegnere del mixaggio e del mastering, che migliorano e potenziano la versione creata dal producer.

Una volta completato il brano, solitamente è necessario distribuirlo per renderlo disponibile su varie piattaforme (a meno che non sia una piattaforma su cui puoi caricare autonomamente, come SoundCloud). Puoi scegliere tra vari distributori, come iMusician, per mettere la tua traccia elettronica su servizi di streaming e download come Spotify, Apple Music, Deezer, Beatport e TraxSource.

Tuttavia, la distribuzione non è l'ultimo passo nel percorso del brano. Per attirare ascoltatori/ascoltatrici e generare ascolti e download, è necessario promuovere il brano utilizzando varie strategie di marketing, che possono includere metodi sia offline che online, come campagne sui social media, annunci sponsorizzati, marketing con influencer e altro.

Raccogliere l'arsenale musicale giusto (ovvero l'attrezzatura) è fondamentale per la produzione di musica elettronica. Dopotutto, la musica elettronica, alla sua base, ruota attorno alle tecnologie digitali, agli strumenti e agli attrezzi artificiali. Fortunatamente, non serve molto per iniziare il tuo percorso di produzione.

Un buon computer (che funzioni senza intoppi), una workstation audio digitale (DAW) a tua scelta, e un set di cuffie di alta qualità saranno sufficienti. Ricorda che la produzione di musica elettronica consiste spesso nel sfruttare al massimo le risorse disponibili, soprattutto nelle fasi iniziali.

Un computer che funzioni bene

Il computer o la computer che usi è il cuore del tuo processo di produzione. Ancora una volta, non deve essere uno dei modelli più nuovi sul mercato — in genere, il computer o il laptop o la laptop che già possiedi è più che sufficiente. Assicurati solo che abbia un sistema CPU funzionante, una memoria di sistema sufficiente e una memoria esterna, e un software di elaborazione grafica ottimale.

DAW a tua scelta

Una DAW è l'attrezzatura fondamentale per produrre musica. In parole semplici, è l'insieme definitivo per la creazione musicale, sia un dispositivo elettronico che un'applicazione software utilizzata per registrare, modificare e produrre file audio. Ci sono numerose opzioni eccellenti per scegliere quale DAW usare.

Ad esempio, FL Studio, sviluppato dalla società belga Image-Line, è stato la scelta preferita da Martin Garrix e fortemente popolarizzato da Avicii. La DAW è apprezzata per essere facile da usare per i principianti e rendere la produzione musicale veloce e divertente.

Nel frattempo, grandi stelle come Skrillex, Diplo e Deadmau5 hanno usato Ableton Live, considerata una DAW incredibilmente potente, intuitiva e di alta qualità sonora.

Logic Pro è un'altra DAW popolare, usata da musicisti come David Guetta, Calvin Harris e Armin van Buuren. Il software sviluppato da Apple ha un'interfaccia semplice e intuitiva e offre risultati potenti e professionali.

Qualunque sia l'opzione che scegli — tra queste tre o le molte altre DAW esistenti — fai una ricerca approfondita e familiarizza con le caratteristiche dello strumento e i suoi pro e contro prima di investirci. Molti programmi software offrono anche versioni di prova gratuite, che sono un'occasione perfetta per farti un'esperienza diretta.

Detto ciò, è essenziale riconoscere che qualsiasi DAW è capace di creare buona musica. Quindi, non perderti per settimane cercando di scegliere "la migliore". Se hai dubbi, puoi optare per una DAW più economica. Una volta acquisita maggiore esperienza e conoscenza, potrai semplicemente passare a un'altra.

Cuffie

Anche se hai un computer o una computer eccellente e il miglior software disponibile, produrre musica non sarà possibile senza cuffie di qualità. Solo in questo modo puoi ascoltare e sentire un file audio in un ambiente controllato, che ti offre una riproduzione sonora più accurata e chiara. Questo, di conseguenza, ti consente di prendere decisioni più precise nel mixaggio audio.

Controller MIDI

Un controller MIDI è un tipo di dispositivo di input usato per inviare e ricevere dati MIDI (Interfaccia Digitale per Strumenti Musicali) tramite un computer. In sostanza, ti permette di controllare hardware o software musicali in modo simile a come utilizzi la tastiera o il mouse per controllare un computer. Sebbene non sia una parte fondamentale del tuo set di produzione, renderà la produzione musicale notevolmente più facile e meno noiosa.

I controller MIDI sono disponibili in varie forme e dimensioni, come tastiere, controller a manopole o drum pad, e i loro prezzi variano da circa 60€ a oltre 300€.

Sia il sound design che la teoria musicale svolgono un ruolo fondamentale nella produzione musicale. Mentre il sound design si riferisce all'arte di creare un paesaggio sonoro desiderato (utilizzando una varietà di strumenti e tecniche), la teoria musicale riguarda i principi della composizione musicale.

In passato abbiamo già esplorato la questione di quanta teoria musicale debba conoscere un produttore musicale. Sebbene non sia necessario padroneggiare la teoria musicale per diventare un producer di successo, comprendere alcuni elementi può semplificare il tuo processo di produzione.

In generale, una solida comprensione della teoria musicale e del sound design ti aiuterà a costruire progressioni di accordi e melodie più facilmente, a raggiungere l'espressione desiderata nei brani, a prendere decisioni informate nella tua composizione musicale, a migliorare le tue capacità di ascolto e a creare uno stile unico come artista, tra le altre cose.

La musica elettronica comprende una vasta gamma di generi e sottogeneri, che possono sembrare travolgenti quando si decide quale stile creare. Ora, non intendiamo che tu debba scegliere uno stile o un genere specifico e seguirlo per tutto il tuo percorso di produzione. Tuttavia, concentrarti su generi e stili che ti appassionano può fornirti una direzione nelle fasi iniziali, prima di sviluppare il tuo suono distintivo.

Se sei nella fase in cui sei ancora alla scoperta di cosa ti piaccia, ascoltare tutti i tipi di musica elettronica, esplorare generi e scoprire nuovi artisti e artiste è un ottimo modo per procedere. Una volta trovato qualche stile che ti piace, puoi approfondirne le caratteristiche e le strutture e applicare questa conoscenza al tuo processo di produzione.

Concentrarsi su generi e stili specifici può fornire una guida preziosa quando inizi a produrre musica, ma è importante non limitarsi. Infatti, limitarsi a uno o due generi può restringere le tue competenze, conoscenze e creatività. Produrre musica, specialmente nel campo della musica elettronica, nota per la sua struttura non lineare, offre infinite possibilità di creare composizioni uniche e magiche.

Per sfruttare appieno queste possibilità, è fondamentale abbracciare la tua curiosità, che aprirà le porte alla sperimentazione. Avere una sete inarrestabile e sconfinata di esplorazione e avventura musicale è ottimo per superare i confini familiari e creare suoni oltre la tua immaginazione.

1. Padroneggia la tua DAW. Scegliere una DAW è il primo passo, ma imparare a usarla è essenziale. Come abbiamo detto in precedenza, qualsiasi DAW può aiutarti a fare buona musica, ma solo se possiedi le competenze necessarie per utilizzarla.
2. Sii costante e costruisci abitudini che ti spingano a crescere. La costanza è la chiave per fare progressi continui e crescere. È utile anche sviluppare abitudini che promuovano la tua crescita e aumentino la tua fiducia. Queste abitudini possono includere l'ascolto attivo, l'educazione continua attraverso la lettura o tutorial, la creazione di un programma e l'impostazione di obiettivi mensili per il progresso. È importante capire che, anche se l’emozione e l’eccitazione dovessero prendere il sopravvento all'inizio del tuo percorso di produzione, la motivazione e l'ispirazione non saranno sempre presenti. In quei momenti, la costanza può aiutarti a continuare ad andare avanti.
3. Collabora con altri artisti e artiste (se possibile). Lavorare con altri artisti e artiste, specialmente di persona, è un ottimo modo per imparare qualcosa di nuovo, migliorare le tue abilità ed espandere la tua fonte di idee e creatività. Può anche essere molto divertente!
4. Allena le tue orecchie. Non ne abbiamo ancora parlato, ma le tue orecchie sono uno strumento incredibilmente potente che può determinare la qualità della tua produzione. Pertanto, è importante allenarle. Puoi praticare l'ascolto attivo e usare tracce di riferimento per aiutarti, oppure considerare un "palestra per le orecchie" come quella offerta da SoundGym per un ulteriore allenamento uditivo.
5. Bilancia l'apprendimento e la pratica. L'apprendimento attivo è essenziale per migliorare le tue abilità e conoscenze, che si tratti di leggere libri o articoli pertinenti, guardare tutorial o seguire corsi. È altrettanto importante passare del tempo nella tua DAW per applicare ciò che hai imparato. Trovare un equilibrio tra apprendimento e pratica è cruciale per la tua crescita professionale. Viene suggerita la regola della divisione 80/20 — dedicare l'80% del tempo alla pratica e il 20% all'apprendimento di nuovo materiale — ma crediamo che un equilibrio adattato alle tue esigenze personali possa essere più utile.
6. Non troverai tutto nei tutorial. La capacità di risolvere problemi è fondamentale nella produzione musicale. Con infinite possibilità per creare composizioni uniche e il vasto numero di strumenti e funzioni nel tuo software, inevitabilmente incontrerai problemi che i tutorial non trattano. Abbracciare il processo di risoluzione autonoma ti aiuterà a imparare più velocemente e, alla fine, a diventare sempre migliore.
7. Inizialmente, concentrati sulla quantità piuttosto che sulla qualità. Per il bene dell'apprendimento e del miglioramento delle tue abilità, è importante dare la priorità alla creazione di un gran numero di tracce piuttosto che perfezionare ognuna. Anche se non tutto potrebbe suonare bene, è più utile per il tuo progresso lavorare rapidamente e finire i tuoi progetti, indipendentemente dalla qualità, piuttosto che passare settimane o mesi a perfezionare un'unica traccia. Ad esempio, un errore comune tra i principianti è spendere ore cercando il calcio, lo schiocco o il charleston perfetto. Questa forma di perfezionismo può portare a una fatica uditiva e rallentare il processo di apprendimento.
8. Non cancellare mai il tuo lavoro. Potresti pensare che, dato che la qualità non è l'obiettivo, il lavoro che hai finito non abbia molta importanza, soprattutto quelle prime tracce o quelle che non consideri molto buone. Tuttavia, anche in queste tracce, potresti scoprire grandi idee che vale la pena rivisitare in futuro.