Les musicien·ne·s de studio expliqués : Qui sont ces artistes et comment peut-on le devenir ?

Un ou une musicien·ne de studio, également appelé·e musicien·ne de session, est un·e artiste professionnel·le souvent engagé·e à titre indépendant ou sous contrat pour travailler sur des projets pour d'autres artistes, groupes ou producteur·rice·s. À l'origine, le terme « musicien·ne de session » désignait les artistes engagé·e·s pour accompagner un·e artiste pendant une session d'enregistrement.

De nos jours, cependant, la portée de ce rôle n'est plus aussi simple. Les musicien·ne·s de session sont engagé·e·s aussi bien pour des enregistrements en studio que pour des concerts, et apparaissent à la télévision, dans des publicités ou sur des bandes originales de films. Ces artistes peuvent également jouer le rôle de « musicien·ne·s d'orchestre » (en fournissant un accompagnement musical dans une pièce de théâtre, une comédie musicale ou un opéra), se produire dans des groupes maison ou des spectacles spécialisés pour divertir dans des clubs, des bars et des cabarets, ou enregistrer/réaliser des échantillons ou des pistes d'accompagnement pour d'autres artistes.

En réalité, il existe une grande variété de types de musicien·ne·s de studio, souvent en fonction de leur instrument principal, de leurs compétences musicales ou de leur rôle dans les enregistrements ou les concerts. Les types de musicien·ne·s de studio les plus courants sont les suivants :

• Instrumentistes : Ces musicien·ne·s sont engagé·s pour jouer d'un instrument de musique spécifique lors d'enregistrements ou de concerts ; par exemple, batteur·euse·s, guitaristes, pianistes, etc.

• Chanteur·euse·s de session : Ils ou elles sont recruté·e·s pour un projet afin d'apporter des performances vocales d'accompagnement ou spécialisées ; par exemple, des choristes, des chanteurs de démo, des chanteur·se·s de session principaux ou des voix de personnages.

• Programmeurs/musicien·ne·s électroniques : Ce type de musicien·ne·s de session est de plus en plus courant dans les studios et les environnements actuels. Ces artistes remplacent en quelque sorte le rôle de spécialiste numérique, en se concentrant sur la programmation MIDI, la création d'échantillons/boucles, la conception de synthétiseurs, les boîtes à rythmes ou la création de rythmes.

• Musicien·ne·s d'orchestre/groupes musicaux : cette catégorie est généralement utilisée pour les productions télévisuelles, cinématographiques ou classiques. Là encore, elle peut être organisée en fonction de l'instrument principal de chaque musicien·ne, par exemple violonistes de studio, bassistes, trompettistes, etc.

• Musicien·ne·s de session à distance : Il s'agit souvent d'artistes travaillant depuis leur home studio qui fournissent des stems et des enregistrements en ligne. Ils ou elles proposent généralement leurs services via des plateformes telles que Fiverr, SoundBetter ou AirGigs.

• Interprète (ou groupe) de scène : cette catégorie comprend les musicien·ne·s ou ensembles de musicien·ne·s qui accompagnent les artistes lors de leurs prestations sur scène, que ce soit pour un seul concert ou pour toute une tournée.

Comme indiqué précédemment, la caractéristique commune des musicien·ne·s de session c’est de ne pas être un·e membre permanent·e d'un groupe ou de l'équipe d'un·e artiste. En général, leur travail n'implique pas beaucoup de créativité ni d'engagement. On leur demande rarement d'apporter une contribution créative, par exemple en aidant à écrire des paroles, à composer des mélodies ou à développer les idées originales de l'artiste.

Au lieu de cela, ils ou elles participent à un projet en tant que musicien·ne·s de soutien, qu'ils ou elles soient instrumentistes ou chanteur·se·s, afin d'aider l'artiste principal·e à concrétiser sa vision artistique. Ces musicien·ne·s apportent leurs talents musicaux, leur capacité d'adaptation, leur flexibilité, leur polyvalence et, surtout, leur maîtrise de plusieurs instruments ou leur capacité à chanter dans différents genres et styles.

Leur capacité à interpréter les directives musicales, à s'adapter aux visions des autres et à comprendre et mettre en œuvre rapidement des concepts musicaux les rend parfaitement aptes à collaborer à des productions musicales de grande qualité.

Pour celles et ceux qui considèrent la musique comme une forme d'expression créative, un manque de créativité pourrait rendre ce rôle profondément insatisfaisant. Cependant, c'est souvent loin d'être le cas pour de nombreux·ses musicien·ne·s de studio.

« Lorsque vous vous consacrez à vos propres projets artistiques, c'est extrêmement épuisant. Cela exige une conscience objective de soi, où vous vous considérez vous-même et ce que vous créez comme un produit, et cela vous demande beaucoup d'énergie. Cela ne demande pas autant d'énergie que lorsque vous travaillez sur vos propres projets, » explique Samuel Organ, multi-instrumentiste et musicien de studio, dans l'article de James Cartwright.

Ce qu'il veut dire, c'est qu'être musicien·ne de studio permet d'accéder à la musique et d'avoir l'opportunité de travailler dans ce domaine sans le stress, la pression et l'ego liés à la nécessité de faire ses preuves sur le plan créatif. Pour les personnes plus introverties qui ne sont pas très attirées par les concerts et la notoriété, cela offre également la possibilité de jouer et d'apprécier la musique sans avoir à se produire devant un large public.

En d'autres termes, pour de nombreux·ses artistes, le travail en studio offre l'équilibre parfait entre ce qu'offre une carrière musicale. Il apporte la joie et l'excitation de créer de la musique, de se produire sur scène et de collaborer, sans l'engagement que suppose la gestion de ses propres projets musicaux ni la pression de réussir en tant qu'artiste confirmé·e.

Le fait d'apporter moins de créativité ne signifie pas pour autant que le travail d'un musicien·ne de studio soit ennuyeux ou monotone. Au contraire, ce rôle peut offrir beaucoup d'enthousiasme, de diversité et d'opportunités d'apprentissage uniques, enrichissant les artistes tant sur le plan professionnel que personnel.

Une chose qui ne fait généralement pas partie du lot des musicien·ne·s de studio, c'est la célébrité ou la notoriété. Comme mentionné précédemment, leur travail se fait principalement dans les coulisses, ce qui signifie qu'ils ou elles opèrent principalement dans l'ombre des grands noms de l'industrie.

Il y a toujours des exceptions à cette règle, comme le prouvent des musicien·ne·s de studio renommés tels que Carol Kaye, Hal Blaine, Steve Gadd, ou encore le E Street Band (le groupe de Bruce Springsteen) qui ont réussi à bâtir une carrière solide et à être reconnu·e·s par le grand public, démontrant que les meilleur·e·s musicien·ne·s de studio peuvent parfois jouir d'une plus grande visibilité et d'un succès plus large.

En général, mener une carrière dans l'ombre n'est pas un obstacle pour les personnes qui choisissent le travail de session. En fait, cela leur permet de vivre la vie d'artiste sans compromettre leur vie privée ni celle de leurs proches. Cependant, il est crucial pour les aspirant·e·s musicien·ne·s de studio de comprendre que cette voie implique souvent de rester dans l'ombre du grand public. La reconnaissance et la célébrité partagées avec de grandes stars sont peu probables. Si la notoriété est votre objectif principal, une carrière de musicien·ne de studio pourrait ne pas correspondre à vos attentes.

Pour en revenir à nos remarques sur le manque de créativité et de reconnaissance publique, nous tenons à souligner que ces aspects du travail (qui peuvent être des inconvénients pour certain·e·s) ne signifient pas que les musicien·ne·s de studio sont moins compétent·e·s ou moins talentueux·ses que les artistes ou encore les groupes sous contrat qui produisent les chansons préférées des fans.

En fait, ces pros apportent des compétences et une expertise qui jouent souvent un rôle essentiel dans l'élaboration de l'enregistrement final, que ce soit en jouant un court solo de guitare sur une seule piste, en fournissant une batterie ou des chœurs sur l'ensemble d'un disque, ou en améliorant le son général de l'enregistrement. Quelle que soit la taille du projet, le rôle d'un·e musicien·ne de studio peut être incroyablement varié et son impact considérable. Il ne s'agit là que d'exemples des principaux aspects de leur rôle et des compétences recherchées :

• Compétences techniques: Les musicien·ne·s de studio doivent faire preuve d'une maîtrise technique exceptionnelle de leur instrument (ou simplement de leur domaine d'expertise).

• Flexibilité des genres : On attend souvent des musicien·ne·s de studio de changer de genre aussi facilement que de chapeau et d’exceller dans plusieurs genres. Leur capacité à s'adapter à différents styles, tonalités et orientations créatives au sein d'un même genre est essentielle.

• Interpréter les concepts et les indications musicales : Faire un bon travail en tant que musicien·ne de studio ne se limite pas à exécuter ce qu'on lui demande. La musique est un art profondément émotionnel, et le simple fait de jouer ou de chanter des notes, ou de créer des rythmes, ne suffit pas. Un·e musicien·ne de studio doit comprendre le ton émotionnel, la dynamique et les nuances que requiert un morceau de musique particulier.

• Compétences en matière de collaboration : Le travail de session implique de collaborer avec un·e artiste sur son projet, ce qui nécessite souvent de solides compétences sociales, du professionnalisme et un travail d'équipe.

• Adaptabilité: Les musicien·ne·s de studio doivent faire preuve d'une grande capacité d'adaptation dans différents domaines. Qu'il s'agisse de genres et de styles, de progrès techniques ou de tendances en constante évolution dans l'industrie musicale, il est absolument essentiel qu'un·e musicien·ne de studio soit prêt·e à tout affronter.

• Rapidité d'exécution : On dit souvent que "le temps, c'est de l'argent", et cela s'applique parfaitement à un studio d'enregistrement. Le temps d'enregistrement est précieux et il est donc essentiel de l'utiliser au mieux. C'est pourquoi on attend des musicien·ne·s de studio qu'ils ou elles aient de solides compétences en matière de gestion du temps et qu'ils ou elles s'efforcent d'être aussi précis·e·s et efficaces que possible.

• Une qualité constante : Que ce soit en studio ou sur scène, les musicien·ne·s de studio doivent fournir une performance constante et de qualité supérieure.

• Familiarité avec la technologie: Les musicien·ne·s de studio doivent souvent se tenir au courant des dernières technologies et du matériel de studio. Cela implique de travailler avec un ordinateur, des stations de travail audio numériques (DAW) et le système de sonorisation, ainsi que de comprendre les différentes techniques d'enregistrement et de traitement du signal.

Il n'est pas rare que des musicien·ne·s de studio aient leur propre carrière solo ou des projets musicaux en dehors du travail de session, mais qu'ils ou elles choisissent ce dernier comme principal revenu, que ce soit pour les raisons mentionnées ci-dessus ou simplement parce qu'il est plus rémunérateur dans leur cas.

Lorsqu'il s'agit de générer des revenus suffisants pour vivre, l'industrie musicale n'est généralement pas le domaine le plus pratique ou le mieux rémunéré, en particulier pour les créatif·ve·s. Pourtant, certain·e·s voient le travail de session comme une opportunité de mieux maîtriser leurs revenus.

Ne vous méprenez pas, cela peut encore être très imprévisible, avec des projets et des client·e·s qui vont et viennent constamment, mais c'est vrai pour tout·e travailleur·euse indépendant·e, quel que soit son domaine. Avec beaucoup de travail, une approche proactive, de l'adaptabilité et des compétences en matière de réseautage, il est possible pour les musicien·ne·s de studio de se constituer une série d'opportunités et de client·e·s plutôt régulier·e·s qui leur permettent de transformer leur travail en une carrière rentable.

En ce qui concerne la question des revenus, il est important d'examiner de plus près l'ensemble de l'aspect commercial du travail de session. En règle générale, les musicien·ne·s de studio, comme beaucoup d’autres freelances, sont des entrepreneur·euse·s indépendant·e·s qui passent d'un projet à l'autre, généralement de courte durée. Leur clientèle potentielle peut varier considérablement, car ils ou elles peuvent être engagé·e·s directement par des maisons de disques, des sociétés de production, des artistes/groupes en solo, voire des agences de publicité (pour les jingles) et d'autres studios commerciaux.

Ces personnes peuvent également être engagées par l'intermédiaire de fixeurs ou d'entrepreneurs musicaux, qui sont essentiellement des intermédiaires mettant en relation des musicien·ne·s et des client·e·s. En général, cette pratique est utilisée pour des projets et des productions de plus grande envergure et est plus courante dans les grandes villes comme Los Angeles, Nashville et Londres.

Le travail syndical, peut-être moins courant mais néanmoins important, tend à être plus répandu dans certains secteurs de l'industrie musicale, en particulier celles et ceux qui disposent de budgets plus importants et de normes de production formelles. Il s'agit notamment des musiques de film et de télévision, des bandes originales de jeux vidéo, des sessions d'enregistrement de grands labels et des projets orchestraux ou classiques. À l'inverse, le travail syndical est rare dans la musique indépendante ou les projets à plus petit budget.

Un domaine qui s'est développé ces dernières années et qui devient de plus en plus important pour les musicien·ne·s de studio est le travail de session à distance ou en ligne. Il s'agit pour les musicien·ne·s de studio d'enregistrer des morceaux dans leur home studio et de soumettre les fichiers en ligne. Elle est généralement soutenue par des plateformes en ligne qui se concentrent sur le travail en free-lance, à la fois dans et en dehors du secteur de la musique, telles que Fiverr, SoundBetter et AirGigs.

Tout comme le ou la client·e ou l'"employeur·euse", les modèles de paiement peuvent varier au cours d'une séance de travail. Le plus souvent, les musicien·ne·s de studio sont payé·e·s sur une base forfaitaire par chanson, par heure ou par jour, en fonction de l'ampleur de la session. Pour les projets plus importants ou à plus long terme, un autre modèle consiste à payer pour l'ensemble du projet, ce qui couvre plusieurs pistes ou un album complet. Les tarifs horaires ou par chanson sont plus fréquents pour les projets courts et ponctuels, tandis que les tarifs par projet sont généralement utilisés lorsqu'un·e musicien·ne de studio est impliqué·e pendant plusieurs semaines ou tout au long d'une production complète.

Dans le cadre d'un travail syndical, il existe généralement des barèmes salariaux fixes (ou au moins des taux minimums, tels que les taux de l'AFM aux États-Unis) qui peuvent inclure la réutilisation ou les résidus. La réutilisation signifie qu'un enregistrement est utilisé dans un contexte ou un format différent et que le ou la musicien·ne de studio est à nouveau payé·e pour cette utilisation. Par ailleurs, les “residuals” (redevances) représentent des paiements continus pour les performances enregistrées, versés lorsque la musique est diffusée à plusieurs reprises, que la performance est vendue ou qu'elle apparaît sur des plateformes numériques telles que Netflix ou Amazon.

Les tarifs peuvent également varier considérablement en fonction du lieu, du projet, du type d'emploi et des compétences, de l'expertise et de l'expérience de l'artiste. Ils vont généralement de 50 à plus de 300 dollars par chanson ou de 25 à plus de 500 dollars par heure. Les artistes de studio expérimenté·e·s ou celles et ceux qui travaillent dans les grands centres musicaux peuvent demander des tarifs plus élevés.

Aux États-Unis, les musicien·ne·s de studio ont légalement droit à 5 % des redevances radiophoniques numériques payées par le biais de la distribution des droits de propriété intellectuelle. En dehors des États-Unis, les musicien·ne·s de studio reçoivent des droits voisins pour les redevances radio. Toutefois, il n'existe pas de loi universelle obligeant les musicien·ne·s de studio à percevoir des redevances sur les ventes ou les plateformes de streaming sur lesquelles ils ou elles se produisent. C'est aussi la raison pour laquelle ils ou elles n'en touchent généralement pas, à moins que ce soit négocié au cours des discussions sur le projet et que cela ne soit explicitement convenu dans un contrat.

D'une manière générale, il est possible pour les musicien·ne·s de studio de négocier des redevances sur le streaming ou les ventes ; cependant, cela reste malheureusement relativement rare, en particulier dans le contexte des grands labels. Il est plus probable que cela se produise dans le cadre de projets et d'environnements indépendants, où les artistes peuvent être plus ouvert·e·s à la promotion de l'équité et au partage des revenus.

Étant donné qu'ils ou elles sont généralement engagé·e·s sur la base d'un "travail pour le compte d'autrui", les musicien·ne·s de studio ne détiennent généralement pas les droits d'auteur de leurs interprétations, à moins qu'il n'en soit expressément convenu autrement. Bien que cela soit rare, ces artistes peuvent négocier une part des droits d'édition s'ils apportent une contribution créative significative à une œuvre musicale, par exemple en la composant. Bien que leur droit d'auteur sur leur prestation soit généralement limité, ils ou elles détiennent néanmoins certains droits, tels que le droit à la reconnaissance de leur prestation et le droit de s'opposer à toute utilisation désobligeante de celle-ci.

Le travail en réseau est essentiel pour la carrière d'un·e musicien·ne de studio, surtout au début. Le plus souvent, les opportunités de travail et les projets de premier plan sont le fruit du bouche-à-oreille ou de recommandations au sein des communautés et des scènes locales. Il est donc important de participer activement à la vie de sa communauté, d'être proactif·ve et de s'efforcer constamment d'élargir son réseau de contacts.

Outre le travail en réseau, il est important de se créer une présence en ligne. Traitez le travail de session comme n'importe quel autre service indépendant et faites-en la promotion. Créez un site web ou une page d'artiste, et restez actif·ve sur les plateformes de médias sociaux qui vous conviennent, afin de présenter votre travail, votre expertise et vos compétences.

Comme nous le savons tous, les concerts et les projets musicaux peuvent parfois être mouvementés et moins conventionnels en ce qui concerne les horaires et les délais. Il est donc essentiel que vous fassiez preuve d'une grande disponibilité et que vous vous adaptiez à toutes les conditions de calendrier de vos projets.

Par ailleurs, la polyvalence et la flexibilité sont également très appréciées dans le domaine des séances de travail, en particulier lorsque vous commencez votre parcours et que la constitution de votre portfolio est essentielle. Tous les projets - en particulier les petits contrats ou les contrats de débutant·e - ne sont pas forcément intéressants ou intrigants, mais ils peuvent jouer un rôle essentiel en termes d'expérience, de compétences acquises ou améliorées, ainsi qu'en termes de récompense financière.