Capire l’industria musicale: chi fa cosa?

Il mondo della musica è un ecosistema complesso composto da diverse aree, tutte in qualche modo interconnesse tra loro. Una cosa da capire fin dall’inizio è che questo settore non è lineare. Come artista, non passi gradualmente da un’area all’altra man mano che la tua carriera va avanti.

Piuttosto, interagisci con diverse parti del settore – e con i professionisti che vi lavorano – a seconda del lavoro che stai svolgendo, della fase di un determinato progetto e delle tue priorità e necessità del momento.

Un modo utile per comprendere questo ecosistema è suddividere l’industria musicale in tre settori principali: musica registrata, editoria musicale e musica dal vivo. Accanto a questi settori c’è una rete di organizzazioni che gestiscono i diritti musicali, le licenze e la riscossione dei diritti d’autore, fornendo un’infrastruttura essenziale che collega i settori principali.

Il settore della musica registrata ruota attorno alla registrazione sonora, spesso chiamata “master”. Comprende il processo di creazione, produzione, uscita discografica, commercializzazione e distribuzione della musica agli ascoltatori. Tra i protagonisti ci sono artisti, producer, tecnici del suono, etichette discografiche (major e indipendenti) e distributori digitali come iMusician. I servizi di streaming e altre piattaforme musicali rendono poi queste registrazioni disponibili al pubblico.

In parole povere, questo aspetto del settore si concentra sul trasformare una traccia in una registrazione finita e portarla agli ascoltatori.

Il settore dell’editoria musicale si occupa della composizione alla base della canzone: la melodia, il testo, l’armonia e gli altri elementi che compongono la canzone stessa. I protagonisti qui sono cantautori, parolieri, compositori ed editori musicali. Gli editori possono aiutare a gestire e concedere in licenza le composizioni, riscuotere i diritti d’autore per conto degli autori che rappresentano e trovare opportunità affinché la loro musica venga registrata, eseguita o concessa in licenza per l’uso in film, TV, pubblicità e videogiochi.

La distinzione tra composizione e registrazione sonora è uno dei concetti più importanti da comprendere nel mondo della musica: la stessa traccia può comportare diritti, titolari e guadagni distinti.

Il settore della musica dal vivo si concentra sull’aspetto esperienziale e fisico dell’industria, coprendo tutto ciò che riguarda la musica da distribuire al pubblico attraverso concerti, tour, festival e altre esibizioni dal vivo. Questa parte mette in contatto gli artisti con professionisti come agenti di booking, promotori, proprietari di location, tour manager, organizzatori di festival, team di produzione e troupe tecniche.

Le responsabilità possono spaziare dalla prenotazione e Promozione di uno spettacolo alla negoziazione dei compensi per le esibizioni, alla vendita dei biglietti, alla gestione delle location e al garantire che un tour o una singola esibizione si svolgano senza intoppi.

Piuttosto che un settore commerciale prodotto indipendente, i diritti musicali e la riscossione dei diritti d’autore costituiscono una parte fondamentale dell’infrastruttura che fa da ponte tra i vari settori dell’industria musicale, tra cui la musica registrata, l’editoria musicale e la musica dal vivo. In tutto il mondo, le organizzazioni di gestione collettiva (CMO) e altre organizzazioni di tutela dei diritti aiutano a concedere licenze per determinati utilizzi della musica e a riscuotere i diritti d'autore per conto di autori, editori, interpreti, etichette discografiche e altri titolari di diritti.

Quale organizzazione riscuota quali diritti d’autore dipende dal paese e dal tipo di diritto, ma la loro missione generale è aiutare i creatori e i titolari dei diritti a ottenere i loro guadagni per gli utilizzi della loro musica che sarebbero difficili da tracciare individualmente.

I ruoli creativi riguardano la realizzazione della musica in sé: prendere un’idea e trasformarla in una traccia o in una registrazione completa. Dato che questo aspetto dell’industria musicale ti è probabilmente più familiare in quanto artista, qui saremo brevi e ci concentreremo sulle differenze principali.

Un artista rappresenta la figura musicale dietro a un’uscita discografica o a un progetto. Oltre a registrare ed eseguire musica, gli artisti costruiscono un’identità distintiva attorno al proprio lavoro attraverso la loro immagine pubblica, l’estetica visiva e il legame personale con il pubblico.

Un interprete, invece, è chiunque canti o suoni una traccia durante un’esibizione dal vivo o in una registrazione audio. Può trattarsi dell’artista principale, ma anche di un musicista di sessione, di un corista o di un musicista in tour.

È anche importante sottolineare che un artista non è necessariamente la persona che ha scritto la canzone. Molti artisti scrivono la propria musica, ma altri registrano ed eseguono tracce scritte in parte o interamente da altri autori.

Un autore è la persona che scrive la composizione musicale di base, che può includere il testo, la melodia, gli accordi e la struttura generale della canzone.

Il termine “compositore” viene spesso usato in senso più ampio per indicare chi crea musica, in particolare brani strumentali, pezzi orchestrali, colonne sonore per film e videogiochi, o altre forme in cui gli arrangiamenti, la strumentazione e la notazione hanno un ruolo fondamentale.

La distinzione tra questi due ruoli, però, non è sempre così netta. Un compositore può scrivere tracce, e un autore-compositore può anche creare musica strumentale complessa. La terminologia dipende quindi spesso dal contesto musicale.

Un producer musicale aiuta a supervisionare il processo creativo e tecnico che trasforma un’idea musicale o un demo in una registrazione finita e rifinita. Il suo ruolo può includere la definizione del suono complessivo, lo sviluppo degli arrangiamenti, la guida delle esecuzioni, la supervisione delle sessioni di registrazione e la stretta collaborazione con artisti e tecnici del suono.

La gamma dei suoi compiti e delle sue responsabilità può variare notevolmente. Mentre alcuni producers sono profondamente coinvolti nella composizione dei brani e nella creazione dei beat, altri assumono più un ruolo di direttore creativo durante la registrazione.

I tecnici del suono mettono a disposizione le loro competenze tecniche durante e dopo la registrazione, con ruoli che variano a seconda della fase del processo.

Un ingegnere del suono si occupa della parte tecnica di una sessione di registrazione, gestendo le apparecchiature e catturando, modellando e gestendo il suono. Un ingegnere del missaggio prende poi le singole tracce registrate e le bilancia, le elabora e le fonde in un mix audio coerente.

L’ingegnere di mastering si trova alla fine del processo: prende la traccia finita e mixata, le dà l’ultimo ritocco e la prepara per l’uscita discografica in diversi formati, come lo streaming, il vinile e il CD.

Un manager musicale supervisiona e aiuta a guidare la carriera di un artista, occupandosi di gran parte degli aspetti commerciali in modo che il musicista possa concentrarsi sulla creazione e sull’uscita discografica dei brani. Le mansioni precise di un manager possono variare notevolmente a seconda dell’artista specifico e della fase della sua carriera, ma in generale un manager si occupa di:

• Pianificazione strategica: definire gli obiettivi di carriera, pianificare le uscite discografiche e tracciare una roadmap a lungo termine

• Contratti commerciali: negoziare i termini commerciali relativi a contratti discografici, partnership e altre opportunità, spesso insieme a un avvocato

• Operazioni quotidiane: gestire gli impegni, risolvere i problemi di tutti i giorni e vagliare le offerte in arrivo

• Coordinamento del team: assumere e coordinare altri professionisti del settore, come avvocati, addetti alle pubbliche relazioni, commercialisti e agenti di booking

• Marketing e branding: supervisionare la strategia generale relativa alle campagne di promozione, al branding, ai social media e alle pubbliche relazioni

Sebbene le responsabilità di un manager possano essere ampie, c’è un malinteso comune secondo cui un manager farebbe qualsiasi cosa per il musicista. Tuttavia, nella maggior parte dei casi, un manager non è un tuttofare che funge da dipendente, assistente personale, consulente finanziario, esperto di marketing e collaboratore creativo. In genere non si occuperà delle tue faccende personali quotidiane né delle tue finanze, non finanzierà la tua carriera (assolutamente no), non gestirà i tuoi account sui social media né ti aiuterà a scrivere tracce.

Mentre un manager artistico si occupa della strategia generale della carriera e degli affari, un responsabile amministrativo si concentra principalmente sull’aspetto finanziario della carriera di un artista.

Le sue responsabilità possono includere la pianificazione e la consulenza finanziaria, il monitoraggio e la riscossione dei proventi, la gestione delle spese personali e aziendali, la preparazione di bilanci e previsioni di flusso di cassa, nonché il coordinamento delle questioni contabili e fiscali. A seconda delle esigenze dell’artista, alcune di queste responsabilità potrebbero invece essere gestite direttamente da un contabile o da un consulente fiscale.

Un avvocato specializzato in diritto musicale si occupa delle questioni legali dell’artista. Di solito esamina e negozia i contratti, inclusi quelli discografici, editoriali, di management, di licenza e altri accordi creativi, assicurandosi che l’artista capisca i termini e le potenziali conseguenze prima di firmare.

Può anche fornire consulenza su questioni relative al diritto d’autore e alla proprietà intellettuale, tra cui l’autorizzazione all’uso di campioni di terze parti, questioni di proprietà, licenze musicali e la tutela dei nomi e di altri beni del marchio.

In caso di controversia, un avvocato specializzato in diritto musicale può anche rappresentare o fornire consulenza all’artista in conflitti riguardanti i diritti d’autore, i contratti, la proprietà intellettuale o i disaccordi tra i membri della band e i collaboratori.

Un'etichetta discografica è un'azienda musicale che investe, effettua l'uscita discografica e promuove commercialmente la musica registrata e gli artisti che la interpretano. A seconda dell'etichetta e del tipo di accordo, può fornire o coordinare servizi che vanno dalla registrazione alla produzione, dalla distribuzione al marketing, alla Promozione e allo sviluppo degli artisti. Potresti quasi immaginarla come un manager, un producer, un distributore e un addetto al marketing tutti sotto lo stesso tetto – ovviamente, questi ruoli sono solitamente ricoperti da persone diverse all’interno o intorno all’etichetta, ma hai capito il concetto.

Come forse saprai, le etichette discografiche erano tradizionalmente figure chiave nel mondo della musica: scovavano talenti e offrivano agli artisti emergenti l’accesso ai finanziamenti, alle relazioni nel settore e alle infrastrutture di distribuzione necessarie per effettuare l’uscita discografica e raggiungere gli ascoltatori in tutto il mondo.

Sebbene il settore sia cambiato in modo significativo, con lo streaming musicale e la distribuzione digitale che rendono molto più facile per gli artisti effettuare un’uscita discografica in modo indipendente, le etichette – che siano piccole, indipendenti o major – continuano a svolgere un ruolo importante nell’aiutare gli artisti a sviluppare, promuovere, finanziare e far crescere la propria carriera.

A&R è l’acronimo di Artists and Repertoire, un reparto o un ruolo tradizionale all’interno delle etichette discografiche o delle case editrici musicali. I professionisti dell’A&R hanno il compito di scoprire nuovi talenti promettenti e di guidare lo sviluppo creativo degli artisti.

Le loro responsabilità principali sono di solito incluse la ricerca di artisti, l’individuazione di potenziali nuovi acquisti in linea con gli obiettivi dell’azienda, l’abbinamento degli artisti con producer e collaboratori adatti e il ruolo di punto di contatto fondamentale tra l’artista e il resto dell’azienda.

I distributori di musica digitale come iMusician fungono da intermediari tra artisti o etichette discografiche e fornitori di servizi digitali (DSP), come piattaforme di streaming e negozi online di musica. Distribuiscono alle piattaforme le nuove uscite discografiche, i metadata e l'immagine di copertina, rendendo la musica disponibile al pubblico per ascoltatori e fan.

In genere, i distributori raccolgono anche i guadagni generati da quei negozi online e li trasferiscono agli artisti o ai titolari dei diritti, in base all’accordo stipulato.

Vuoi organizzare un’uscita discografica? Dai un’occhiata alla nostra guida su come scegliere un distributore musicale se sei un artista indipendente.

All’inizio dell’articolo abbiamo sottolineato l’importanza di distinguere tra composizione e registrazione sonora, poiché riguardano diritti d’autore e titolari diversi e sono quindi gestite da entità diverse. Mentre un’etichetta discografica si concentra sulla registrazione sonora (il master), un editore musicale lavora sulla composizione di base di una traccia, incluse la melodia e il testo

In parole povere, gli editori aiutano gli autori a gestire e effettuare la monetizzazione dei diritti di composizione sulle loro composizioni. Tra le loro responsabilità principali ci sono:

• Registrare le composizioni presso le società di gestione collettiva e le organizzazioni di tutela dei diritti competenti

• Gestire le licenze e riscuotere le royalties editoriali

• Negoziare licenze di sincronizzazione per l’uso in film, TV, pubblicità, videogiochi e altro ancora

• Pitching delle tracce ad artisti discografici e altri potenziali utenti

• Mettere in contatto gli autori con altri scrittori, producers e opportunità creative

Non tutti gli editori offrono tutti questi servizi, e il rapporto esatto varia a seconda del tipo di contratto editoriale.

Le organizzazioni di gestione collettiva (CMO) – che in alcuni mercati includono le organizzazioni per i diritti d’esecuzione (PRO) – sono solitamente enti non governativi che gestiscono collettivamente determinati diritti musicali per conto di autori, compositori, editori, interpreti e altri titolari di diritti.

A seconda del paese e dell’organizzazione, concedono licenze per determinati utilizzi della musica, riscuotono i diritti d’autore che ne derivano e li distribuiscono ai titolari dei diritti interessati. Senza queste organizzazioni, sarebbe estremamente difficile per i singoli creatori tenere traccia e gestire da soli ogni utilizzo commerciale della propria musica.

Il marketing e la Promozione sono una parte importante del percorso di ogni artista. Ci sono tantissime cose che si possono fare per la promozione della musica, ed è per questo che in questo settore possono essere coinvolti molti professionisti specializzati, dai social media manager ai radio plugger, passando per i promotori di playlist e gli editori. Qui ci concentreremo su due dei ruoli più generali che gli artisti si trovano più spesso ad affrontare: i professionisti del marketing musicale e i pubblicitari.

Un addetto alle pubbliche relazioni musicali si concentra sull’immagine e sulla reputazione di un artista, contribuendo a plasmare il modo in cui l’artista e il suo lavoro vengono presentati al pubblico e ai media.

Di solito lo fa redigendo comunicati stampa e proponendo storie ai media per assicurarsi una copertura mediatica, instaurando rapporti con giornalisti e redattori, sviluppando e modellando narrazioni intorno all’artista, preparandolo a parlare con la stampa e gestendo la comunicazione di crisi nei periodi in cui l’attenzione pubblica è negativa.

Chi si occupa di marketing musicale gestisce una vasta gamma di attività di marketing, con un focus specifico che dipende dalle proprie competenze e specializzazioni: dalle campagne di marketing e dai social media alla pubblicità a pagamento, ai contenuti, all’email marketing e ad altri canali di proprietà.

In generale, però, ogni addetto al marketing musicale cerca di aiutare un artista a promuovere le proprie uscite discografiche e il proprio marchio, a raggiungere il pubblico giusto e, in sostanza, a trasformare l’attenzione in ascolti, vendite di biglietti, follower e un coinvolgimento più profondo dei fan.

Un agente di booking rappresenta l’artista nell’organizzazione e nella negoziazione di esibizioni dal vivo, tour e altre apparizioni pubbliche. In altre parole, si concentra esclusivamente sulla parte live della carriera di un artista.

Di solito, si occupa di trovare e assicurarsi opportunità di esibizione, negoziare i compensi, le date e altre condizioni, coordinare contratti e pagamenti, e costruire rapporti solidi con i gestori delle location, gli organizzatori di festival e i promotori di eventi.

Mentre un agente di booking agisce per conto dell’artista, cercando opportunità di esibizioni dal vivo, un talent buyer lavora per una location, un festival o un organizzatore di eventi ed è responsabile di trovare e ingaggiare artisti per quella location o evento specifico.

Tutto sommato, le loro responsabilità rispecchiano in parte quelle di un agente di booking: semplicemente gestiscono l’altro lato della relazione. Il loro ruolo può spaziare dalla ricerca e identificazione di artisti adatti alla negoziazione degli accordi, alla gestione dei budget per le prenotazioni e alla definizione del programma dell’evento.

Un promotore, invece, lavora per un’agenzia di Promozione (o come imprenditore indipendente) e si assume la responsabilità di organizzare e promuovere un evento dal vivo. In genere supervisiona il marketing, la produzione, la vendita dei biglietti e l’esecuzione complessiva di uno spettacolo o di un tour. È importante sottolineare che, a seconda dell’accordo, può anche assumersi gran parte del rischio finanziario: ciò significa che se uno spettacolo o un intero tour non riesce a vendere abbastanza biglietti, è il promotore a dover sostenere la perdita economica.

Se vuoi capire come funziona questo processo dal punto di vista dell’artista, dai un’occhiata alla nostra guida su come farti ingaggiare a un festival musicale.

Un tour manager è simile a un manager dell’artista, ma si concentra esclusivamente sulla parte dal vivo del percorso dell’artista. Si occupa di tutto ciò che accade dietro le quinte di un tour, gestendo la logistica, le operazioni e il coordinamento quotidiano, in modo che l’artista o la band possano concentrarsi esclusivamente sull’esibizione.

Le sue responsabilità di solito includono la supervisione dei viaggi e dei trasporti per l’artista e la troupe, il coordinamento con le location dei concerti e i promotori, il tracciamento del budget del tour, la gestione dei programmi e la risoluzione di eventuali problemi e crisi che si presentano lungo il percorso.

Elencare tutti questi ruoli potrebbe darti l'impressione – e magari farti venire un attacco di panico – che un artista abbia bisogno di ognuna di queste persone per farsi strada nel settore. Ma non potrebbe esserci nulla di più lontano dalla verità. Anche se può essere utile essere circondati da professionisti esperti nel loro campo, in fin dei conti ciò che conta è sapere quali compiti devono essere svolti.

Molti artisti indipendenti possono – e molti lo fanno – ricoprire diversi di questi ruoli da soli. Questo in parte perché assumere professionisti potrebbe semplicemente essere economicamente impossibile, ma anche perché potrebbe non essere necessario nella fase attuale della loro carriera. Ci sono molte cose che puoi fare da solo, soprattutto all’inizio: puoi gestirti da solo, promuovere la tua musica e organizzare i tuoi concerti, avvalendoti di un distributore e iscrivendoti alla società di gestione collettiva pertinente.

In seguito, man mano che la tua carriera cresce, potresti arrivare a un punto in cui alcune aree diventano troppo dispendiose in termini di tempo, troppo complesse o semplicemente esulano dalle tue competenze. Di solito è in quel momento che inizia ad avere senso coinvolgere i professionisti giusti – che si tratti di un manager, un addetto stampa, un avvocato, un agente di booking, un commercialista o qualcun altro in grado di occuparsi di una parte specifica del lavoro e aiutarti ad andare avanti.

L'industria musicale è un settore molto vasto che riunisce persone provenienti da diversi ambiti e settori di competenza. Questa lista include quelli che secondo noi sono alcuni dei ruoli più importanti che un artista può incontrare nel corso della propria carriera e, speriamo, getti le basi per capire chi fa cosa e come funziona l'industria nel suo complesso.

Ricorda che questa guida ha lo scopo di darti una panoramica generale, non di metterti pressione affinché tu inizi subito a cercare il tuo futuro manager, avvocato o agente di booking. Ogni professionista ha uno scopo specifico, e se o quando ne avrai bisogno dipenderà dalla tua carriera, dai tuoi progetti e dalle tue esigenze del momento.