Die Musikindustrie verstehen: Wer macht was?

Die Musikindustrie ist ein komplexes Ökosystem, das aus mehreren Bereichen besteht, die sich bis zu einem gewissen Grad überschneiden. Eines musst du von Anfang an verstehen: Die Branche ist nicht linear aufgebaut. Als Artist bewegst du dich im Laufe deiner Karriere nicht schrittweise von einem Bereich zum nächsten.

Stattdessen interagierst du mit verschiedenen Teilen der Branche und den dort tätigen Fachleuten, je nachdem, woran du gerade arbeitest, in welcher Phase sich ein bestimmtes Projekt befindet und welche Prioritäten und Bedürfnisse du gerade hast.

Eine hilfreiche Methode, dieses Ökosystem zu verstehen, besteht darin, die Musikindustrie in drei Kernbereiche zu unterteilen: Tonträger, Musikverlagswesen und Live-Musik. Daneben gibt es ein Netzwerk von Organisationen, die Musikrechte und Lizenzen verwalten und Tantiemen einziehen. Sie stellen eine unverzichtbare Infrastruktur bereit, die diese Kernbereiche miteinander verbindet.

Im Sektor der Musikaufnahmen dreht sich alles um die Tonaufnahme, die häufig als „Master“ bezeichnet wird. Er umfasst die Erstellung, Produktion, Veröffentlichung, Vermarktung und den Vertrieb von Musik an das Publikum. Zu den wichtigsten Akteur*innen zählen Artists, Produzent*innen, Tontechniker*innen, Labels, sowohl Major- als auch Indie-Labels, sowie digitale Musikvertriebe wie iMusician. Streamingdienste und andere Musikplattformen machen diese Aufnahmen anschließend für das Publikum zugänglich.

Einfach gesagt: In diesem Teil der Branche geht es darum, aus einem Song eine fertige Aufnahme zu machen und diese anschließend zu veröffentlichen, zu vermarkten und dem Publikum zugänglich zu machen.

Der Musikverlagssektor befasst sich mit der zugrunde liegenden Komposition: der Melodie, dem Text, der Harmonie und anderen Elementen, aus denen ein Song besteht. Zu den wichtigsten Akteurinnen gehören Songwriter*innen, Textautorinnen, Komponist*innen und Musikverlage. Verlage können dabei helfen, Kompositionen zu verwalten und zu lizenzieren, Musik-Tantiemen im Namen der von ihnen vertretenen Urheber*innen einzuziehen und Möglichkeiten zu finden, ihre Musik aufnehmen oder aufführen zu lassen oder für die Nutzung in Filmen, im Fernsehen, in der Werbung und in Videospielen zu lizenzieren.

Die Unterscheidung zwischen der Komposition und der Tonaufnahme ist eines der wichtigsten Konzepte, die man in der Musikbranche verstehen muss. Ein und derselbe Song kann unterschiedliche Rechte, Rechteinhaber*innen und Einnahmequellen umfassen.

Der Live-Musik-Sektor konzentriert sich auf die erlebnisorientierte und physische Seite der Musikindustrie. Er umfasst alles, was dazu gehört, Musik durch Konzerte, Tourneen, Festivals und andere Live-Auftritte vor Publikum zu bringen. Dieser Bereich verbindet Artists mit Fachleuten wie Booking-Agent*innen, Veranstalter*innen, Betreiber*innen von Veranstaltungsorten, Tourmanager*innen, Festivalorganisator*innen, Produktionsteams und Road-Crews.

Die Aufgaben reichen von der Buchung und Promotion einer Show über die Verhandlung von Gagen bis hin zum Ticketverkauf, der Verwaltung von Veranstaltungsorten und der Sicherstellung, dass eine Tour oder ein einzelner Auftritt reibungslos abläuft.

Musikrechte und die Einziehung von Tantiemen sind kein Standalone-Wirtschaftssektor, sondern ein wesentlicher Bestandteil der Infrastruktur, die die gesamte Musikindustrie verbindet – inklusive der Bereiche Tonträger, Musikverlag und Live-Musik. Weltweit helfen Verwertungsgesellschaften (CMOs) und andere Rechteorganisationen dabei, bestimmte Nutzungen von Musik zu lizenzieren und Tantiemen im Namen von Songwritern, Verlegern, Performern, Labels und anderen Rechteinhabern einzutreiben.

Welche Organisation welche Tantiemen einzieht, hängt vom Land und der Art des Rechts ab, aber ihr übergreifendes Ziel ist es, Urhebern und Rechteinhabern dabei zu helfen, für die Nutzung ihrer Musik Geld zu verdienen, die individuell nur schwer zu Tracken wäre.

Kreative Rollen befassen sich mit der eigentlichen Musikproduktion, also damit, eine musikalische Idee in einen fertigen Song oder eine fertige Aufnahme zu verwandeln. Da dir dieser Bereich der Musikindustrie als Artist wahrscheinlich am vertrautesten ist, halten wir uns hier kurz und konzentrieren uns auf die wichtigsten Unterschiede.

Artists verkörpern die musikalische Persönlichkeit hinter einer Veröffentlichung oder einem Projekt. Über das Aufnehmen und Aufführen von Musik hinaus schaffen Artists durch ihr öffentliches Auftreten, ihre visuelle Ästhetik und ihre persönliche Verbindung zum Publikum eine unverwechselbare Identität rund um ihr Werk.

Performer hingegen sind Personen, die einen Song bei einem Live-Auftritt oder auf einer Audioaufnahme singen oder ein Instrument spielen. Das kann der Main Act sein, aber auch eine Person aus dem Session-, Background- oder Tour-Team.

Es ist außerdem wichtig zu betonen, dass ein Artist nicht unbedingt die Person ist, die einen Song geschrieben hat. Viele Artists schreiben ihre eigene Musik, andere nehmen jedoch Songs auf und führen sie auf, die teilweise oder vollständig von anderen Songwriter*innen geschrieben wurden.

Ein*e Songwriter*in ist eine Person, die die zugrunde liegende musikalische Komposition eines Songs schreibt. Dazu gehören unter anderem der Text, die Melodie, die Akkorde und die gesamte Songstruktur.

Die Unterscheidung zwischen diesen beiden Begriffen ist jedoch nicht immer eindeutig. Eine Komponist*in kann Songs schreiben, und eine Songwriter*in kann auch komplexe Instrumentalmusik komponieren. Die Wahl des Begriffs hängt daher häufig vom jeweiligen musikalischen Kontext ab.

Ein*e Musikproduzent*in begleitet den kreativen und technischen Prozess, bei dem aus einer musikalischen Idee oder einem Demo eine fertige, ausgefeilte Aufnahme entsteht. Zu den Aufgaben gehören unter anderem die Gestaltung des Gesamtsounds, die Entwicklung von Arrangements, die Anleitung von Performerinnen, die Leitung von Aufnahmesessions sowie die enge Zusammenarbeit mit Artists und Tontechniker*innen.

Das Spektrum der Aufgaben und Verantwortlichkeiten kann dabei sehr unterschiedlich sein. Während manche Produzent*innen intensiv am Songwriting und an der Beat-Produktion beteiligt sind, übernehmen andere während der Aufnahme eher die Rolle einer kreativen Leitung.

Tontechniker*innen stellen während und nach der Aufnahme ihr technisches Fachwissen zur Verfügung. Ihre genauen Aufgaben hängen dabei von der jeweiligen Phase des Produktionsprozesses ab.

Tontechniker*innen kümmern sich um die technische Seite einer Aufnahmesession, bedient die entsprechende Ausrüstung und nimmt den Klang auf, bearbeitet ihn und verwaltet die Audiosignale. Mixing Engineers nehmen anschließend die einzelnen aufgenommenen Spuren, gleichen sie aus, bearbeiten sie und fügen sie zu einem stimmigen Audiomix zusammen.

Mastering Engineers stehen am Ende des Prozesses. Sie nehmen den fertigen, abgemischten Track, verleihen ihm den letzten Schliff und bereiten ihn für die kommerzielle Veröffentlichung in verschiedenen Formaten vor, beispielsweise für Streaming, Vinyl und CD.

Ein*e Manager*in betreut und begleitet die Karriere eines Artists und kümmert sich um einen großen Teil der geschäftlichen Belange, damit sich der Artist auf die kreative Arbeit, das Komponieren und die Veröffentlichung von Musik konzentrieren kann. Die genauen Aufgaben des Managements können je nach Artist und Karrierestadium stark variieren. Im Allgemeinen kümmert sich ein*e Manager*in jedoch um Folgendes:

• Strategische Planung: Festlegung von Karrierezielen, Planung von Veröffentlichungen und Erstellung eines langfristigen Fahrplans
• Verträge: Verhandlung der geschäftlichen Bedingungen bei Plattenverträgen, Partnerschaften und anderen Möglichkeiten, oft gemeinsam mit eine*r Anwält*in
• Tägliche Abläufe: Terminplanung, Lösung alltäglicher Probleme und Sichtung eingehender Angebote
• Teamkoordination: Auswahl und Koordination anderer Branchenfachleute wie Anwält*innen, PR-Fachleute, Steuerberater*innen und Booking-Agent*innen
• Marketing und Markenbildung: Überwachung der übergreifenden Strategie in Bezug auf Promotion-Kampagnen, Markenbildung, soziale Medien und Öffentlichkeitsarbeit

Auch wenn die Aufgaben des Managements sehr umfangreich sein können, gibt es ein weit verbreitetes Missverständnis darüber, dass eine Manager*in alles Mögliche für einen Artist erledigt. In den meisten Fällen ist eine Manager*in jedoch kein Allrounder, der gleichzeitig Angestellte*r, persönlicher Assistent*in, Finanzberater*in, Marketingexpert*in und kreativer Mitgestalter*in ist.

Das Management kümmert sich in der Regel nicht um deine täglichen privaten Aufgaben und Finanzen, finanziert deine Karriere nicht und verwaltet auch nicht automatisch deine Social-Media-Konten. Ebenso wenig ist es dafür zuständig, dir beim Songwriting zu helfen. Für diese Aufgaben gibt es in der Regel andere Fachleute, sofern du entsprechende Unterstützung benötigst.

Während ein Künstlermanager die allgemeine Karriere- und Geschäftsstrategie überwacht, konzentriert sich ein Business-Manager in erster Linie auf die finanzielle Seite der Karriere einer Künstler*in.

Zu seinen Aufgaben können Finanzplanung und -beratung, die Nachverfolgung und Einziehung von Einnahmen, die Verwaltung privater und geschäftlicher Ausgaben, die Erstellung von Budgets und Cashflow-Prognosen sowie die Koordination von Buchhaltungs- und Steuerangelegenheiten gehören. Je nach den Bedürfnissen der Künstler*in können einige dieser Aufgaben stattdessen direkt von einem Buchhalter oder Steuerberater übernommen werden.

Ein Musikrechtsanwalt kümmert sich um die rechtlichen Angelegenheiten der Künstler*innen. Er prüft und verhandelt in der Regel Verträge, darunter Platten-, Verlags-, Management-, Lizenz- und andere kreative Vereinbarungen, und stellt sicher, dass die Künstler*innen die Bedingungen und möglichen Konsequenzen vor der Unterzeichnung verstehen.

Er kann auch in Fragen des Urheberrechts und des geistigen Eigentums beraten, darunter die Freigabe von Samples Dritter, Eigentumsfragen, Musiklizenzen sowie den Schutz von Namen und anderen Markenwerten.

Im Streitfall kann ein Musikrechtsanwalt die Künstler*in auch vertreten oder beraten, wenn es um Tantiemen, Verträge, Urheberrecht, Eigentumsfragen oder Meinungsverschiedenheiten zwischen Bandmitgliedern und Mitwirkenden geht.

Ein Label ist ein Musikunternehmen, das in Musikaufnahmen und die dahinterstehenden Artists investiert, diese veröffentlicht und kommerziell weiterentwickelt. Je nach Label und Art des Vertrags kann es Dienstleistungen in den Bereichen Aufnahme, Produktion, Vertrieb, Marketing, Promotion und Artist-Entwicklung anbieten oder koordinieren.

Man könnte ein Label fast als eine Kombination aus Management, Produktion, Vertrieb und Marketing unter einem Dach betrachten. Natürlich werden diese Aufgaben normalerweise von verschiedenen Personen innerhalb des Labels oder in dessen Umfeld übernommen, aber das Grundprinzip bleibt dasselbe.

Wie du vielleicht weißt, waren Plattenlabels traditionell wichtige Akteur*innen in der Musikindustrie. Sie suchten nach neuen Talenten und verschafften aufstrebenden Artists Zugang zu finanziellen Mitteln, Branchenkontakten und der notwendigen Infrastruktur für die Veröffentlichung und den Vertrieb ihrer Musik. Dadurch konnten Artists ein größeres Publikum erreichen und ihre Karriere professionell weiterentwickeln.

Auch wenn sich die Branche erheblich verändert hat und Musikstreaming und digitaler Vertrieb es Artists heute deutlich leichter machen, Musik unabhängig zu veröffentlichen, spielen Labels weiterhin eine wichtige Rolle. Das gilt für kleinere unabhängige Labels ebenso wie für große Major-Labels. Sie können Artists dabei unterstützen, ihre Karriere zu entwickeln, ihre Musik zu vermarkten, Projekte zu finanzieren und langfristig neue Märkte und Zielgruppen zu erschließen.

A&R ist die Abkürzung für „Artists and Repertoire“, eine Abteilung oder Funktion, die traditionell bei Labels oder Musikverlagen zu finden ist. A&R-Fachleute sind dafür zuständig, vielversprechende neue Talente zu entdecken und die kreative Entwicklung der Künstler*innen zu begleiten.

Zu ihren wichtigsten Aufgaben gehören in der Regel das Scouting von Künstler*innen, das Identifizieren potenzieller Neuverpflichtungen, die zu den Zielen des Unternehmens passen, die Vermittlung geeigneter Produzenten und Kooperationspartner sowie die Funktion als zentraler Ansprechpartner zwischen der Künstler*in und dem Rest des Unternehmens.

Digitale Musikvertriebe wie iMusician fungieren als Vermittler zwischen Artists oder Labels und digitalen Dienstleistern (DSPs) wie Streamingplattformen und Online-Musikshops. Sie liefern Veröffentlichungen, Metadaten und Artwork an die jeweiligen Plattformen und machen die Musik so für Publikum und Fans öffentlich zugänglich.

Der Vertrieb zieht in der Regel auch die von den Plattformen generierten Einnahmen aus den Aufnahmen ein und leitet sie gemäß der jeweiligen Vereinbarung an die Artists oder die entsprechenden Rechteinhaber*innen weiter.

Möchtest du deine Musik selbst veröffentlichen? Dann schau dir unseren Guide zur Auswahl eines Musikvertriebs als unabhängiger Artist an.

Weiter oben im Artikel haben wir betont, wie wichtig es ist, zwischen Komposition und Tonaufnahme zu unterscheiden, da beide unterschiedliche Urheber- und Nutzungsrechte betreffen und daher von verschiedenen Stellen verwaltet werden. Während sich ein Label auf die Tonaufnahme, also das Master, konzentriert, arbeitet ein Musikverlag mit der zugrunde liegenden Komposition eines Songs, einschließlich Melodie und Text.

Einfach gesagt: Verlage helfen Songwriter*innen dabei, die Rechte an ihren Kompositionen zu verwalten und zu monetarisieren. Zu ihren wichtigsten Aufgaben gehören:

• Die Registrierung von Kompositionen bei den zuständigen Verwertungsgesellschaften und Rechteorganisationen
• Die Verwaltung von Lizenzen und Einziehung von Verlagstantiemen
• Die Verhandlung von Sync-Lizenzen für die Nutzung in Film, Fernsehen, Werbung, Videospielen und anderen Medien
• Das Pitchen von Songs an Artists und andere potenzielle Nutzer*innen
• Die Vernetzung von Songwriterinnen mit anderen Autorinnen, Produzent*innen und kreativen Möglichkeiten

Nicht jeder Verlag bietet alle diese Dienstleistungen an. Die genaue Art der Zusammenarbeit hängt von der jeweiligen Art des Verlagsvertrags ab.

Verwertungsgesellschaften (CMOs) sind in der Regel nichtstaatliche Einrichtungen, die bestimmte Musikrechte im Namen von Songwriterinnen, Komponistinnen, Verlegerinnen, Performerinnen und anderen Rechteinhaber*innen gemeinsam verwalten. In manchen Märkten gehören dazu auch Verwertungsgesellschaften für Aufführungsrechte (PROs).

Je nach Land und Organisation vergeben sie Lizenzen für bestimmte Nutzungen von Musik, ziehen die daraus resultierenden Tantiemen ein und schütten diese an die jeweiligen Rechteinhaber*innen aus. Ohne solche Organisationen wäre es für einzelne Urheber*innen extrem schwierig, jede kommerzielle Nutzung ihrer Musik selbst nachzuverfolgen und zu verwalten.

Marketing und Promotion sind ein wichtiger Teil des Werdegangs jeder Künstler*in. Es gibt viele Möglichkeiten für Promotion von Musik, weshalb in diesem Bereich oft zahlreiche spezialisierte Fachleute zum Einsatz kommen – von Social-Media-Managern und Radio-Pluggern bis hin zu Playlist-Promotern und Redakteuren. Hier konzentrieren wir uns auf zwei der übergreifenden Rollen, denen Künstler*innen am ehesten begegnen: Musik-Marketing-Experten und Pressesprecher.

Musik-PR konzentriert sich auf das Image und den Ruf eines Artists und hilft dabei, mitzugestalten, wie Artists und ihre Arbeit in der Öffentlichkeit und in den Medien präsentiert werden.

Das geschieht in der Regel durch das Verfassen und Versenden von Pressemitteilungen und das Pitchen von Themen an Medien, um Berichterstattung zu erzielen. Hinzu kommen der Aufbau von Beziehungen zu Journalist*innen und Redakteur*innen, die Entwicklung und Gestaltung von Narrativen rund um Artists, die Vorbereitung auf Pressegespräche sowie die Krisenkommunikation in Zeiten negativer öffentlicher Aufmerksamkeit.

Musikmarketing-Fachleute kümmern sich um ein breites Spektrum an Marketingaktivitäten. Der genaue Schwerpunkt hängt dabei von ihrer Expertise und Spezialisierung ab und kann von Marketingkampagnen und Social Media über bezahlte Werbung und Content bis hin zu E-Mail-Marketing und anderen eigenen Kanälen reichen.

Generell verfolgen Musikmarketing-Fachleute jedoch das Ziel, Artists dabei zu unterstützen, ihre Veröffentlichungen und ihre Marke zu vermarkten, die richtigen Zielgruppen zu erreichen und Aufmerksamkeit letztlich in Streams, Ticketverkäufe, Follower und eine stärkere Bindung zum eigenen Publikum umzuwandeln.

Booking-Agent*innen vertreten Artists bei der Organisation und Verhandlung von Live-Auftritten, Tourneen und anderen öffentlichen Auftritten. Ihr Fokus liegt damit auf dem Live-Bereich der Karriere eines Artists.

Meistens kümmern sie sich darum, Auftrittsmöglichkeiten zu finden und zu sichern, Gagen, Termine und andere Konditionen auszuhandeln, Verträge und Zahlungen zu koordinieren sowie enge Beziehungen zu Betreiber*innen von Veranstaltungsorten, Festivalorganisator*innen und Eventveranstalter*innen aufzubauen.

Während Booking-Agent*innen im Namen von Artists handeln und Möglichkeiten für Live-Auftritte ausloten, arbeiten Talent Buyer für Konzerthallen, Festivals oder Veranstalter und sind dafür verantwortlich, passende Artists für einen bestimmten Veranstaltungsort oder eine Veranstaltung zu finden und zu buchen.

Insgesamt ähneln sich ihre Aufgaben teilweise denen von Booking-Agent*innen. Der Unterschied besteht vor allem darin, dass sie auf der anderen Seite der Beziehung arbeiten. Ihre Aufgaben reichen von der Recherche und Auswahl geeigneter Acts über die Verhandlung von Verträgen und die Verwaltung von Buchungsbudgets bis hin zur Mitgestaltung des Veranstaltungs-Line-ups.

Veranstalter*innen hingegen arbeitet für eine Promotion-Agentur oder als selbstständige Personen und übernehmen die Verantwortung für die Durchführung und Vermarktung einer Live-Veranstaltung. Zu den Aufgaben gehören in der Regel Marketing, Produktion, Ticketverkauf und die gesamte Abwicklung einer Show oder Tournee. Je nach Vereinbarung übernehmen Veranstalter*innen auch einen Großteil des finanziellen Risikos. Werden für eine Show oder eine ganze Tour nicht genügend Tickets verkauft, können Veranstalter*innen den daraus entstehenden finanziellen Verlust tragen.

Wenn du verstehen möchtest, wie dieser Prozess aus Sicht von Artists abläuft, schau dir unseren Guide an, wie man für ein Musikfestival gebucht wird.

Das Tourmanagement ähnelt in vielen Bereichen dem Artist-Management, konzentriert sich jedoch ausschließlich auf den Live-Bereich der Karriere. Tourmanager*innen kümmern sich um alles, was hinter den Kulissen einer Tour passiert, insbesondere um Logistik, Abläufe und die tägliche Koordination. Dadurch können sich Artists oder Bands voll und ganz auf ihre Auftritte konzentrieren.

Zu den Aufgaben gehören in der Regel die Organisation von Reisen und Transporten für Artists und die Crew, die Abstimmung mit Veranstaltungsorten und Veranstalter*innen, die Überwachung des Tourbudgets, die Verwaltung von Terminplänen sowie die Bewältigung von Problemen und Krisen, die während einer Tour auftreten.

Wenn man all diese Rollen aufzählt, könnte der Eindruck entstehen, dass ein Artist jeden einzelnen dieser Fachleute braucht, um in der Musikbranche Fuß zu fassen. Das kann schnell überfordernd wirken. Tatsächlich könnte die Realität jedoch kaum anders aussehen. Natürlich kann es hilfreich sein, Fachleute an seiner Seite zu haben, die auf bestimmte Bereiche spezialisiert sind. Letztendlich geht es aber vor allem darum, zu wissen, welche Aufgaben erledigt werden müssen und welche Unterstützung man dafür tatsächlich braucht.

Viele unabhängige Artists können und übernehmen mehrere dieser Aufgaben selbst. Das liegt zum einen daran, dass es finanziell möglicherweise nicht realistisch ist, von Anfang an Fachleute zu engagieren. Zum anderen sind manche Aufgaben in bestimmten Phasen der Karriere schlicht noch nicht notwendig. Gerade am Anfang kannst du vieles selbst übernehmen: Du kannst dein eigenes Management organisieren, deine Musik selbst vermarkten und deine Auftritte eigenständig buchen, während du einen Musikvertrieb für deine Veröffentlichungen nutzt und dich bei der zuständigen Verwertungsgesellschaft anmeldest.

Mit zunehmendem Erfolg kann jedoch der Punkt kommen, an dem bestimmte Aufgaben zu zeitaufwendig oder zu komplex werden oder nicht mehr in deinen eigenen Fachbereich fallen. Dann kann es sinnvoll sein, gezielt die richtigen Fachleute hinzuzuziehen, beispielsweise aus dem Management, der Musik-PR, dem Musikrecht, Booking oder der Steuerberatung. Sie können dir bestimmte Aufgaben abnehmen, dich mit ihrem Fachwissen unterstützen und dir dabei helfen, dich auf die Bereiche zu konzentrieren, in denen du selbst den größten Beitrag zu deiner Karriere leisten kannst.

Die Musikindustrie ist eine breit gefächerte Branche, die Menschen aus unterschiedlichsten Sektoren und Fachgebieten zusammenbringt. Die hier vorgestellten Rollen gehören zu den wichtigsten, denen du als Artist im Laufe deiner Karriere begegnen kannst. Der Guide soll dir dabei helfen, besser zu verstehen, wer welche Aufgaben übernimmt und wie die verschiedenen Bereiche der Musikindustrie zusammenwirken.

Denk daran, dass dieser Guide dir vor allem einen Überblick verschaffen soll. Du musst nicht sofort nach einem zukünftigen Manager, einer Rechtsberatung oder einer Booking-Agentur suchen. Jede Rolle erfüllt einen bestimmten Zweck. Ob und wann du Unterstützung brauchst, hängt von deiner Karriere, deinen Projekten und deinen individuellen Bedürfnissen ab.