Comprendre l’industrie musicale : qui fait quoi ?

L’industrie musicale est un écosystème complexe composé de plusieurs domaines, qui s’entrecroisent tous plus ou moins. Il faut d’emblée comprendre que ce secteur n’est pas linéaire. En tant qu’artiste, vous ne passez pas progressivement d’un domaine à l’autre au fur et à mesure que votre carrière avance.

Au contraire, vous interagissez avec différents secteurs de l'industrie – et avec les professionnels qui y travaillent – en fonction du travail que vous effectuez, de l'étape à laquelle se trouve un projet donné, ainsi que de vos priorités et besoins du moment.

Une façon utile de comprendre cet écosystème consiste à diviser l’industrie musicale en trois secteurs principaux : la musique enregistrée, l’édition musicale et la musique live. À côté de ces secteurs, il existe un réseau d’organismes qui gèrent les droits musicaux, les licences et la perception des redevances, fournissant ainsi une infrastructure essentielle qui relie ces secteurs principaux.

Le secteur de la musique enregistrée s’articule autour de l’enregistrement sonore, souvent appelé « master ». Il couvre le processus de création, de production, de sortie, de commercialisation et de distribution de la musique auprès des auditeurs. Parmi les principaux acteurs, on trouve les artistes, les producteurs, les ingénieurs du son, les maisons de disques (grandes maisons et labels indépendants) et les distributeurs numériques comme iMusician. Les services de streaming et autres plateformes musicales mettent ensuite ces enregistrements à la disposition du public.

En gros, ce volet de l'industrie consiste à transformer une chanson en un enregistrement fini et à le proposer aux auditeurs.

Le secteur de l'édition musicale s'occupe de la composition elle-même : la mélodie, les paroles, l'harmonie et les autres éléments qui composent la chanson. Les principaux acteurs ici sont les auteurs-compositeurs, les paroliers, les compositeurs et les éditeurs de musique. Les éditeurs peuvent aider à gérer et à concéder des licences pour les compositions, percevoir les redevances musicales au nom des auteurs qu’ils représentent, et trouver des opportunités pour que leur musique soit enregistrée, interprétée ou utilisée sous licence dans des films, à la télé, dans des publicités et dans des jeux vidéo.

La distinction entre la composition et l’enregistrement sonore est l’un des concepts les plus importants à comprendre dans l’industrie musicale : une même chanson peut donner lieu à des droits, des titulaires et des streams de revenus distincts.

Le secteur de la musique live se concentre sur l’aspect expérientiel et physique de l’industrie, couvrant tout ce qui concerne la livraison de la musique au public à travers des concerts, des tournées, des festivals et d’autres spectacles en direct. Ce secteur met en relation les artistes avec des professionnels tels que les agents artistiques, les promoteurs, les propriétaires de salles de concert, les managers de tournée, les organisateurs de festivals, les équipes de production et les équipes techniques.

Les responsabilités peuvent aller de la programmation et de la promotion d’un spectacle à la négociation des cachets, en passant par la vente de billets, la gestion des salles de concert et la garantie du bon déroulement d’une tournée ou d’un spectacle single.

Plutôt que de constituer un secteur commercial autonome, la gestion des droits musicaux et la perception des redevances forment un élément essentiel de l’infrastructure qui relie l’ensemble de l’industrie musicale, y compris les secteurs de la musique enregistrée, de l’édition musicale et de la musique live. Partout dans le monde, les sociétés de gestion collective (SGC) et d’autres organismes de gestion des droits aident à octroyer des licences pour certaines utilisations de la musique et à percevoir les redevances au nom des auteurs-compositeurs, éditeurs, interprètes, labels et autres ayants droit.

L'organisme chargé de percevoir les redevances varie selon les pays et le type de droit, mais leur mission générale consiste à aider les créateurs et les titulaires de droits à percevoir une rémunération pour les utilisations de leur musique qu'il serait difficile de suivre individuellement.

Les métiers créatifs concernent la création de la musique elle-même : partir d’une idée pour en faire une chanson ou un enregistrement fini. Comme c’est sans doute cet aspect de l’industrie musicale que vous connaissez le mieux en tant qu’artiste, on va faire court ici et se concentrer sur les principales différences.

Un artiste, c’est la personnalité musicale derrière une sortie ou un projet. Au-delà de l’enregistrement et de l’interprétation musicale, les artistes se forgent une identité propre autour de leur travail grâce à leur image publique, leur esthétique visuelle et le lien personnel qu’ils tissent avec leur public.

Un interprète, quant à lui, désigne toute personne qui chante ou joue une chanson lors d’un concert ou sur un enregistrement audio. Il peut s’agir de l’artiste principal, mais aussi d’un musicien de studio, d’un choriste ou d’un musicien de tournée.

Il est aussi important de souligner qu’un artiste n’est pas forcément la personne qui a écrit la chanson. Beaucoup d’artistes écrivent leur propre musique, mais d’autres enregistrent et interprètent des chansons écrites en partie ou en totalité par d’autres auteurs-compositeurs.

Un auteur-compositeur, c’est la personne qui écrit la composition musicale de base, ce qui peut inclure les paroles, la mélodie, les accords et la structure générale de la chanson.

Le terme « compositeur » est souvent utilisé de manière plus large pour désigner quelqu’un qui crée de la musique, en particulier des œuvres instrumentales, des pièces orchestrales, des bandes originales de films et de jeux vidéo, ou d’autres formes où les arrangements, l’instrumentation et la notation jouent un rôle majeur.

La distinction entre ces deux termes n’est cependant pas toujours évidente. Un compositeur peut écrire des chansons, et un auteur-compositeur peut aussi créer de la musique instrumentale complexe. La terminologie dépend donc souvent du contexte musical.

Un producteur musical aide à superviser le processus créatif et technique qui consiste à transformer une idée musicale ou une démo en un enregistrement fini et peaufiné. Son rôle peut inclure la mise au point du son global, l’élaboration des arrangements, l’encadrement des interprétations, la supervision des sessions d’enregistrement et une collaboration étroite avec les artistes et les ingénieurs du son.

L'étendue de ses tâches et responsabilités peut varier considérablement. Alors que certains producteurs s'impliquent profondément dans l'écriture des chansons et la création des beats, d'autres endossent davantage un rôle de directeur artistique pendant l'enregistrement.

Les ingénieurs du son apportent leur expertise technique pendant et après l’enregistrement, leurs rôles précis dépendant de l’étape du processus.

Un ingénieur du son s'occupe de l'aspect technique d'une session d'enregistrement : il utilise le matériel, capture, façonne et gère le son. Un ingénieur du mixage prend ensuite les pistes enregistrées séparément, les équilibre, les traite et les mélange pour obtenir un mixage audio cohérent.

L'ingénieur de mastering intervient en fin de chaîne : il prend la piste finalisée et mixée, lui apporte la touche finale et le prépare pour sa sortie commerciale sur différents supports, comme le streaming, le vinyle et le CD.

Un manager d’artiste ou de musique supervise et aide à orienter la carrière d’un artiste, en s’occupant d’une grande partie des aspects commerciaux pour que le musicien puisse se concentrer sur la création et la sortie de ses œuvres. Les missions exactes d’un manager peuvent varier considérablement selon l’artiste et le stade de sa carrière, mais en général, un manager de musique s’occupe de :

• Planification stratégique: définir les objectifs de carrière, planifier les sorties et établir une feuille de route à long terme

• Contrats commerciaux: négocier les conditions commerciales des contrats d’enregistrement, des partenariats et d’autres opportunités, souvent en collaboration avec un avocat

• Opérations quotidiennes: gérer les plannings, résoudre les problèmes du jour au jour et trier les propositions qui arrivent

• Coordination de l’équipe: recruter et coordonner d’autres professionnels du secteur, comme des avocats, des attachés de presse, des comptables et des agents de booking

• Marketing et image de marque: superviser la stratégie globale concernant les campagnes de promotion, l’image de marque, les réseaux sociaux et les relations publiques

Même si les responsabilités d’un manager musical peuvent être très étendues, on croit souvent à tort qu’un manager va tout faire pour les musiciens. Cependant, dans la plupart des cas, un manager n’est pas à la fois un employé polyvalent, un assistant personnel, un conseiller financier, un spécialiste du marketing et un collaborateur créatif. En général, il ne s’occupe pas de vos tâches personnelles quotidiennes ni de vos finances, ne finance pas votre carrière (certainement pas), ne gère pas vos comptes sur les réseaux sociaux et ne vous aide pas à écrire des chansons.

Alors qu’un manager d’artiste supervise la stratégie globale de carrière et d’entreprise, un gestionnaire financier se concentre principalement sur l’aspect financier de la carrière d’un artiste.

Ses responsabilités peuvent inclure la planification et le conseil financiers, le suivi et la perception des revenus, la gestion des dépenses personnelles et professionnelles, la préparation des budgets et des prévisions de trésorerie, ainsi que la coordination des questions comptables et fiscales. Selon les besoins de l’artiste, certaines de ces responsabilités peuvent être prises en charge directement par un comptable ou un conseiller fiscal.

Un avocat spécialisé dans la musique s’occupe des questions juridiques de l’artiste. En général, il examine et négocie les contrats, notamment les contrats d’enregistrement, d’édition musicale, de gestion, de licence et autres accords créatifs, en s’assurant que l’artiste comprenne bien les conditions et les conséquences potentielles avant de signer.

Il peut aussi donner des conseils sur les questions de droit d’auteur et de propriété intellectuelle, notamment l’autorisation d’utiliser des samples de tiers, les questions de propriété, les licences musicales et la protection des noms et autres actifs de marque.

En cas de litige, un avocat spécialisé en musique peut également représenter ou conseiller l’artiste dans des conflits liés aux redevances, aux contrats, au droit d’auteur, à la propriété, ou encore à des désaccords entre les membres d’un groupe et leurs collaborateurs.

Un label, c’est une maison de disques qui investit dans la musique enregistrée et les artistes qui la créent, qui les sortent et qui les développent commercialement. Selon le label et le type de contrat, il peut fournir ou coordonner des services dans les domaines de l’enregistrement, de la production, de la distribution, du marketing, de la promotion et du développement des artistes. On pourrait presque le considérer comme un manager, un producteur, un distributeur et un responsable marketing réunis sous un même toit – bien sûr, ces rôles sont généralement assumés par différentes personnes au sein ou autour du label, mais vous voyez l’idée.

Comme vous le savez peut-être, les labels étaient traditionnellement des acteurs clés de l’industrie musicale : ils repéraient les talents et offraient aux artistes émergents l’accès au financement, aux réseaux du secteur et à l’infrastructure de distribution nécessaires pour assurer la sortie de leur musique et toucher des auditeurs partout dans le monde.

Même si le secteur a considérablement évolué, le streaming musical et la distribution numérique permettant désormais aux artistes de réaliser la sortie de leur musique de manière indépendante beaucoup plus facilement, les labels – qu’ils soient petits, indépendants ou majeurs – continuent de jouer un rôle important en aidant les artistes à développer, commercialiser, financer et faire progresser leur carrière.

A&R est l’abréviation de « Artists and Repertoire », un service ou un poste que l’on trouve traditionnellement au sein des labels ou des éditeurs musicaux. Les professionnels de l’A&R sont chargés de dénicher de nouveaux talents prometteurs et d’accompagner le développement créatif des artistes.

Leurs principales missions sont généralement incluses dans les tâches suivantes : repérer des artistes, identifier les signatures potentielles qui correspondent aux objectifs de l’entreprise, mettre les artistes en relation avec des producteurs et des collaborateurs adaptés, et servir de point de contact privilégié entre l’artiste et le reste de l’entreprise.

Les distributeurs de musique numérique comme iMusician jouent le rôle d’intermédiaires entre les artistes ou les labels et les fournisseurs de services numériques (DSP), tels que les plateformes de streaming et les boutiques de musique en ligne. Ils livrent les sorties, les métadonnées et les pochettes aux plateformes, rendant ainsi la musique accessible au public, aux auditeurs et aux fans.

En général, les distributeurs perçoivent aussi les revenus générés par ces plateformes et les reversent aux artistes ou aux ayants droit concernés, selon les termes de leur contrat.

Vous voulez sortir votre musique ? Découvrez notre guide pour choisir un distributeur musical en tant qu'artiste indépendant.

Plus haut dans cet article, on a souligné l’importance de faire la distinction entre la composition et l’enregistrement sonore, car ils concernent des droits d’auteur et des ayants droit différents et sont donc gérés par des entités différentes. Alors qu’un label se concentre sur l’enregistrement sonore (le master), un éditeur musical s’occupe de la composition sous-jacente d’une chanson – y compris la mélodie et les paroles

En gros, les éditeurs aident les auteurs-compositeurs à gérer et à réaliser la monétisation des droits sur leurs compositions. Leurs principales responsabilités peuvent inclure :

• Enregistrer les compositions auprès des sociétés de gestion collective et des organismes de droits concernés

• Gérer les licences et percevoir les revenus d’édition

• Négocier des licences de synchronisation pour des utilisations au cinéma, à la télé, dans la pub, les jeux vidéo, etc.

• Pitcher des chansons à des artistes et à d’autres utilisateurs potentiels

• Mettre les auteurs-compositeurs en relation avec d’autres auteurs, des producteurs et des opportunités créatives

Tous les éditeurs ne proposent pas l'ensemble de ces services, et la nature exacte de la relation varie en fonction du type de contrat d’édition musicale.

Les organismes de gestion collective (OGC) – qui incluent les sociétés de gestion collective des droits d’auteur (PRO) sur certains marchés – sont généralement des organismes non gouvernementaux qui gèrent collectivement certains droits musicaux au nom des auteurs-compositeurs, compositeurs, éditeurs, interprètes et autres ayants droit.

Selon les pays et les organismes, elles octroient des licences pour certaines utilisations de la musique, perçoivent les redevances qui en découlent et les distribuent aux ayants droit concernés. Sans ces organismes, il serait extrêmement difficile pour chaque créateur de suivre et de gérer lui-même chaque utilisation commerciale de sa musique.

Le marketing et la promotion jouent un rôle essentiel dans le parcours de chaque artiste. Il y a plein de choses à faire pour promouvoir la musique, c’est pourquoi ce domaine peut faire appel à de nombreux professionnels spécialisés, des gestionnaires de réseaux sociaux aux chargés de promotion radio, en passant par les promoteurs de playlists et les éditeurs. Ici, on va se concentrer sur deux des rôles les plus courants que les artistes sont susceptibles de rencontrer : les spécialistes du marketing musical et les attachés de presse.

Un attaché de presse musical s’occupe de l’image et de la réputation d’un artiste; il aide à façonner la manière dont l’artiste et son œuvre sont présentés au public et aux médias.

Pour ça, il rédige généralement des communiqués de presse et fait des pitches aux médias pour obtenir une couverture médiatique, noue des relations avec les journalistes et les rédacteurs en chef, développe et façonne le récit autour de l’artiste, le prépare à s’exprimer devant la presse et gère la communication de crise quand l’artiste fait l’objet d’une attention négative de la part du public.

Les spécialistes du marketing musical gèrent un large éventail d’activités marketing, dont l’orientation précise dépend de leur expertise et de leur spécialisation : des campagnes marketing et des réseaux sociaux à la publicité payante, en passant par le contenu, le marketing par e-mail et d’autres canaux propres.

Mais en gros, tous les spécialistes du marketing musical s’efforcent d’aider un artiste à réaliser la promotion de ses sorties et de son image de marque, à toucher les bons publics, et surtout à transformer cette attention en streams, en ventes de billets, en followers et en un engagement plus fort de la part des fans.

Un agent de réservation représente l’artiste pour organiser et négocier des concerts, des tournées et d’autres apparitions publiques. En d’autres termes, il se concentre exclusivement sur l’aspect « live » de la carrière d’un artiste.

La plupart du temps, il s'occupe de trouver et de décrocher des opportunités de concerts, de négocier les cachets, les dates et les autres conditions, de coordonner les contrats et les paiements, et de nouer des relations solides avec les gérants de salles de concert, les organisateurs de festivals et les promoteurs d'événements.

Alors qu’un agent de booking agit au nom de l’artiste pour explorer les opportunités de concerts, un repéreur d'artistes travaille pour une salle de concert, un festival ou un organisateur d’événements et est chargé de trouver et de réserver des artistes pour cette salle de concert ou cet événement en particulier.

Dans l’ensemble, ses responsabilités ressemblent à celles d’un agent de booking – il gère simplement l’autre côté de la relation. Son rôle peut aller de la recherche et de l’identification d’artistes adaptés à la négociation de contrats, en passant par la gestion des budgets de programmation et la participation à l’élaboration de la programmation de l’événement.

Un promoteur, quant à lui, travaille pour une société de promotion (ou en tant qu’entrepreneur indépendant) et se charge d’organiser et de promouvoir un événement en direct. Il supervise généralement le marketing, la production, la billetterie et l’exécution globale d’un spectacle ou d’une tournée. Il est important de noter que, selon le contrat, il peut aussi assumer une grande partie du risque financier : ça veut dire que si un concert ou toute une tournée ne parvient pas à vendre suffisamment de billets, c’est le promoteur qui peut devoir supporter la perte financière.

Si vous souhaitez comprendre comment ce processus fonctionne du point de vue de l'artiste, consultez notre guide sur comment se faire programmer dans un festival de musique.

Un responsable de tournée, c’est un peu comme un manager d’artiste, mais il se concentre uniquement sur l’aspect « live » de la carrière de l’artiste. Il gère tout ce qui se passe en coulisses pendant une tournée : la logistique, les opérations et la coordination au quotidien, pour que l’artiste ou le groupe puisse se concentrer uniquement sur ses prestations.

Ses responsabilités comprennent généralement la gestion des déplacements et des transports de l’artiste et de l’équipe technique, la coordination avec les salles de concert et les promoteurs, le suivi du budget de la tournée, la gestion des plannings, ainsi que la résolution des problèmes et des situations de crise qui peuvent survenir en cours de route.

En énumérant tous ces rôles, vous pourriez avoir l’impression – voire paniquer – qu’un artiste a besoin de chacune de ces personnes pour percer dans le milieu. Mais rien n'est plus éloigné de la vérité. Même si ça peut être pratique d'être entouré de pros experts dans leur domaine, l'essentiel, c'est surtout de savoir quelles tâches doivent être accomplies.

Beaucoup d’artistes indépendants peuvent – et beaucoup le font d’ailleurs – assumer eux-mêmes plusieurs de ces rôles. C’est en partie parce qu’engager des professionnels peut tout simplement être financièrement impossible, mais aussi parce que ce n’est peut-être pas nécessaire à ce stade de leur carrière. Vous pouvez faire beaucoup de choses seul, surtout quand lorsque vous débutez : vous pouvez gérer vous-même votre carrière, assurer votre promotion et organiser vos propres concerts, tout en faisant appel à un distributeur et en vous affiliant à la société de gestion collective appropriée.

Plus tard, à mesure que votre carrière prend de l’ampleur, vous atteindrez peut-être un stade où certains domaines deviendront trop chronophages, trop complexes ou ne relèveront tout simplement pas de votre domaine d’expertise. C’est généralement à ce moment-là qu’il devient judicieux de faire appel aux bons professionnels – qu’il s’agisse d’un manager, d’un attaché de presse, d’un avocat, d’un agent de booking, d’un comptable ou de toute autre personne capable de prendre en charge une partie spécifique du travail et de vous aider à continuer d’avancer.

Le monde de la musique est un secteur très vaste qui rassemble des personnes issues de plusieurs domaines et spécialités. Cette liste recense ce que nous considérons comme certains des rôles les plus importants qu’un artiste peut rencontrer tout au long de sa carrière et, on l’espère, vous permettra de mieux comprendre qui fait quoi et comment fonctionne l’industrie musicale dans son ensemble.

N'oubliez pas que ce guide a pour but de vous donner une vue d'ensemble, et non de vous pousser à vous mettre immédiatement à la recherche de votre futur manager, avocat ou agent artistique. Chaque professionnel remplit un rôle spécifique, et la nécessité de faire appel à eux, ainsi que le moment opportun pour le faire, dépendront de votre carrière, de vos projets et de vos besoins du moment.